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Leblos in Hotelzimmer gefunden: US-Techno-Pionier Juan Atkins ist tot

Mon, 02 Nov 2026 12:10:39 +0100

Leblos in Hotelzimmer gefunden: US-Techno-Pionier Juan Atkins ist tot

Juan Atkins gilt als einer der Begründer des Techno. Nun ist er kurz vor einem Auftritt tot aufgefunden worden. Er wurde 64 Jahre alt.

Stand: heute, 12:10 Uhr

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Der US-Techno-Pionier Juan Atkins ist tot. Wie sein Management am Sonntag dem Musikmagazin „Resident Advisor“ mitteilte, wurde der 64-jährige Musiker aus Detroit vor einem geplanten Auftritt in Mexiko-Stadt leblos in seinem Hotelzimmer gefunden und später im Krankenhaus für tot erklärt.

„So viele Jahre. So viele Bühnen. So viele Momente, die wir nie vergessen werden“, schrieb Atkins' Agentur Greensmith Artists im Onlinedienst Instagram. Der 1962 geborene Atkins hatte zunächst mit seinen Mitschülern Kevin Saunderson und Derrick May Musik gemacht. Sie wurden als die Belleville Three bekannt und gelten als die Begründer des Detroit Techno.

1980 gründete Atkins dann mit Richard Davis das Duo Cybotron. 1983 erschien ihr Album „Clear“, eine der prägendsten Techno-Platten. Atkins gilt auch als Namensgeber des Grenres: 1988 erschien sein Stück „Techno Music“ auf dem Sampler „Techno! The New Dance Sound Of Detroit“.

„Juan war der Urheber des Techno, ein wahrer Visionär, der so vielen von uns die Tür geöffnet hat, mich eingeschlossen“, schrieb sein Wegbegleiter Saunderson auf Facebook. (AFP)

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Satire auf Trump und Verschwörungsmythen: Neues Lucky-Luke-Album nimmt religiöse Geschäftemacher ins Visier

Mon, 02 Nov 2026 06:29:30 +0100

Satire auf Trump und Verschwörungsmythen: Neues Lucky-Luke-Album nimmt religiöse Geschäftemacher ins Visier

In „Heiliger Lucky!“ wird der Cowboy gegen seinen Willen zum Heiligen erklärt. Das neue Album verbindet Westernhumor mit Seitenhieben auf aktuelle Themen.

Von Lars von Törne

Stand: heute, 06:29 Uhr

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Das Westernstädtchen Faith befindet sich im Bann eines durchtriebenen Predigers. Vor seiner kirchlichen Karriere saß er wegen Raubes im Gefängnis, dann entdeckte er die Religion als Einnahmequelle. In der Hoffnung auf göttlichen Beistand füllen seitdem die Bürger des 400-Seelen-Ortes den Safe von Reverend Watine mit Dollars. Als Lucky Luke den Pastor vor einem Räuberduo rettet, erklärt der den selbstlosen Cowboy kurzerhand zum Heiligen, um die Popularität seiner Kirche noch zu steigern.

Erlöser wider Willen: eine Szene aus dem Lucky-Luke-Album „Heiliger Lucky!“.

Das ist der Auftakt des neuen Albums einer der erfolgreichsten Comicreihen Europas. An diesem Dienstag kommt „Heiliger Lucky!“ mit einer deutschen Startauflage von über 140.000 Exemplaren in den Handel, wie der Berliner Egmont-Verlag mitteilt. Eine Auflage, die höchstens die alle zwei Jahre erscheinenden neuen „Asterix“-Alben übertreffen.

Zeichnerisch und erzählerisch folgt der Band dem bewährten Muster der Reihe, die vor 80 Jahren von dem Belgier Maurice de Bevere alias Morris geschaffen wurde und in den 1960er und 70er Jahren mit den Szenarien des „Asterix“-Autoren René Goscinny ihre Blütezeit erlebte. Goscinny starb 1977, Morris 2001. Seitdem zeichnet der Franzose Hervé Darmenton alias Achdé die Lucky-Luke-Alben im Stil ihres Schöpfers weiter. Für die Szenarien und Dialoge ist seit rund zehn Jahren der Franzose Julien Lucien Berjeaut alias Jul zuständig.

Der Plot von „Heiliger Lucky!“ ist wie bei den Alben der als Western-Persiflage angelegten Reihe üblich ein Gemisch aus vertrauten Wild-West-Motiven und satirischen Elementen, die sich an vielen Stellen als aktuelle politische, soziale oder kulturelle Kommentare lesen lassen.

Vor 80 Jahren hatte Lucky Luke seinen ersten Auftritt. Hier eine weitere Szene aus dem aktuellen Band.

Die Gegenspieler des von einem untrüglichen Gerechtigkeitssinn geleiteten Cowboys sind diesmal zwei scheinheilige Seelenverkäufer, die die Leichtgläubigkeit der Menschen im Mittleren Westen der USA für ihre Macht- und Wirtschaftsinteressen ausnutzen. Die Figuren lassen sich auch als Anspielung auf Donald Trump und seine Gefolgsleute lesen, wie Jul und Achdé vorab in Interviews deutlich gemacht haben.

Heuschrecken, Pocken und andere biblische Plagen

Die ernste Botschaft wird auf vertraute Weise mit viel Humor serviert. Vor allem die erst in Faith und dann im Nachbardorf Belief Junction um sich greifende Verehrung Lucky Lukes als vermeintlichem Erlöser nicht nur vor Räubern, sondern auch vor Heuschreckeninvasion, einer Pockenepidemie und anderen biblischen Plagen haben Jul und Achdé unterhaltsam in Szene gesetzt.

In Nebenhandlungen lassen sich zudem Bezüge zu Themen wie Fake News, Social Media, Verschwörungserzählungen oder der Coronazeit finden. Das ist viel Stoff für 48 Seiten. Im zweiten Teil ächzt die Geschichte unter dieser Überladung.

Balanceakt zwischen Traditionspflege und Modernisierung

Zeichnerisch ist das Album wie fast immer bei Achdé makellos. Wie er den dynamischen Federstrich seines großen Vorbilds Morris fortsetzt und unter anderem bezüglich Kolorierung, Perspektive und Bildaufteilung behutsam modernisiert, ist beeindruckend. Was er selbst über den Balanceakt zwischen Traditionspflege und Modernisierung denkt, vermittelt der 65-Jährige in dem ausführlichen Interviewbuch „Wanted – ein Zeichner für Lucky Luke“ im Gespräch mit dem Journalisten Alex Jakubowski, das kürzlich ebenfalls bei Egmont erschienen ist.

Achdé / Alex Jakubowski: „Wanted – Ein Zeichner für Lucky Luke", Egmont, 144 Seiten, 35 Euro.

„Ich habe mich oft gefragt: Wie hätte er diese oder jene Szene gezeichnet?“, sagt Achdé im Buch über seine Anfänge als Zeichner der Traditionsreihe. „Auch heute noch ist er irgendwie in meinem Atelier präsent.“ Inzwischen sei aber seine Selbstständigkeit gewachsen: „Ich glaube, Morris spukt immer seltener in meinem Atelier, um mir über die Schulter zu schauen und zu sehen, ob ich zu viele Fehler mache! Ich hoffe aber, er hat immer noch Vertrauen in mich.“

Auffällige Parallelen zu „Das Leben des Brian“

Erzählerisch kann „Heiliger Lucky!“ allerdings nur teilweise überzeugen. So manche interessante Idee führt Jul nur oberflächlich aus. Mehrere Szenenwechsel und vor allem das etwas unvermittelte Ende wirken zu abrupt. Dazu kommt, dass einem beim Lesen mehrere zentrale Handlungselemente sehr bekannt vorkommen.

In einer Traumszene aus „Heiliger Lucky!“ verarbeitet die Hauptfigur eine Heuschreckenplage.

So gibt es etliche Parallelen zur Religionssatire „Das Leben des Brian“ der britischen Komikertruppe Monty Python aus dem Jahr 1979, deren Hauptfigur gegen ihren Willen als Messias verehrt wird. Andere Szenen erinnern auffällig an das Asterix-Album „Der Seher“, in dem ein vermeintlicher Hellseher den Galliern rosige Zukunftsaussichten verspricht.

Dem kommerziellen Erfolg von „Heiliger Lucky!“ dürfte das keinen Abbruch tun. Es steht, dank vieler Vorbestellungen, bereits Tage vor dem Verkaufsstart auf der Comic-Bestellerliste bei Amazon auf einem der oberen Plätze. Acht Jahrzehnte nach seinem ersten Ritt durch die Prärie Ende 1946 hat sich Lucky Luke als millionenschweres Geschäftsmodell etabliert.

Reverend Watine ist im aktuellen Album einer der Gegenspieler von Lucky Luke.

Das kommerzielle Potenzial werden die Rechteinhaber um den französischen Verlag Dargaud und die Morris-Erben sicher noch lange nutzen – was Jul und Achdé in einer kurzen, aber bemerkenswerten Szene gegen Ende ihres Albums selbstironisch kommentieren.

Hommagen namhafter Zeichner

Künstlerisch und erzählerisch interessanter als die von Achdé und Jul im Zweijahres-Rhythmus fortgesetzte Hauptreihe ist allerdings ein kontinuierlich wachsender Nebenstrang des Lucky-Luke-Universums. Seit zehn Jahren interpretieren bekannte Zeichner und Autoren die Figur in einer Hommage-Reihe auf neue, individuelle Weise, darunter auch deutsche Szene-Stars wie Mawil, Ralf König, Flix und Reinhard Kleist.

In Berlin ist derzeit die Jubiläumsausstellung „Lucky Luke – Morris’ einsamer Westernheld“ mit zahlreichen Originalzeichnungen im Museum für Kommunikation zu sehen.

Viele der dabei entstandenen Alben wie „Der Mann, der Lucky Luke erschoss“ und „Wanted“ von Mathieu Bonhomme, „Die Ungezähmten“ von Blutch oder „Dakota 1880“ von Brüno und Appollo zeigen mit realistischeren, teilweise düsteren Szenarien, welches Potenzial in dieser Reihe und ihren Figuren steckt – wenn man sich aus den strengen Vorgaben des etablierten Formats löst.

Diese Fortentwicklungen der klassischen Motive zeichnen sich aus durch erzählerische Tiefe, eine weniger karikierende Figurenzeichnung und individuelle künstlerische Handschriften, die in der Hauptreihe nur in Spurenelementen zu finden sind.

Umso erfreulicher ist, dass nach „Heiliger Lucky!“ im kommenden Jahr zwei weitere Hommage-Bände der französischen Comic-Stars Mathieu Bonhomme und Lewis Trondheim auch hierzulande erscheinen sollen.

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„Man wird ja wohl noch schweigen dürfen“: Deutsch-palästinensische Arbeiten in der Neuen Gesellschaft für Bildende Kunst

Sat, 31 Oct 2026 14:10:18 +0100

„Man wird ja wohl noch schweigen dürfen“: Deutsch-palästinensische Arbeiten in der Neuen Gesellschaft für Bildende Kunst

In Deutschland als Kinder von Palästinensern geboren. Die Ausstellung im Kunstverein zeigt, wie schwer es ist, mit widersprüchlichen Perspektiven und Ausgrenzung umzugehen.

Von Birgit Rieger

Stand: heute, 09:00 Uhr

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Der Nahost-Konflikt erschüttert den Kulturbetrieb. Viele Institutionen meiden das Thema, wollen sich nicht in die vergifteten Diskussionen hineinziehen lassen. Doch langsam lösen sich einzelne aus dieser Verbarrikadierung.

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Unfall auf Schießstand in Los Angeles: Regisseur Michael Mann soll sich versehentlich selbst ins Bein geschossen haben

Sun, 01 Nov 2026 18:55:41 +0100

Unfall auf Schießstand in Los Angeles: Regisseur Michael Mann soll sich versehentlich selbst ins Bein geschossen haben

Beim Training löste sich versehentlich ein Schuss. Regisseur Michael Mann wurde behandelt und durfte das Krankenhaus verlassen.

Stand: 01.11.2026, 20:07 Uhr

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Der US-amerikanische Regisseur Michael Mann („Heat“) hat sich beim Schießtraining in Los Angeles durch einen versehentlich ausgelösten Schuss verletzt. Er habe sich bei dem Unfall am Samstag eine oberflächliche Verletzung zugezogen, teilte eine Sprecherin des Filmemachers der Deutschen Presse-Agentur mit. Der 83-Jährige sei behandelt worden und könne das Krankenhaus wieder verlassen.

Das Promiportal „TMZ“ hatte zunächst unter Berufung auf die Polizei von dem Unfall beim Training auf dem Schießstand berichtet. Laut dem Artikel soll sich der erfahrene Sportschütze versehentlich selbst ins Bein geschossen haben, als er die Waffe in das Holster stecken wollte.

Viele spannende Krimis tragen die Handschrift von Michael Mann. Er dreht mit den größten Stars. In „Heat“ (1995) setzte der Regisseur Robert De Niro als Gangster und Al Pacino als Cop in einem Katz-und-Maus-Spiel aufeinander an. In „Collateral“ (2004) schickte er Tom Cruise als eiskalten Auftragskiller durchs nächtliche Los Angeles. Mit „Miami Vice“ (2006) schuf Mann eine düstere Kinoversion der früheren TV-Hit-Serie, mit Colin Farrell und Jamie Foxx als Polizisten auf Gangsterjagd. (dpa)

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Die gefeierte Sopranistin Vera-Lotte Boecker im Interview: „Ich war unfassbar blauäugig“

Sat, 31 Oct 2026 14:13:27 +0100

Die gefeierte Sopranistin Vera-Lotte Boecker im Interview: „Ich war unfassbar blauäugig“

Primadonna der Barocktage der Staatsoper und „Artist in Residence“ am Konzerthaus: Die Sopranistin Vera-Lotte Boecker trumpft in ihrer neuen alten Wahlheimat Berlin auf.

Von Ingolf Patz

Stand: 31.10.2026, 14:13 Uhr

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Sängerin des Jahres 2022, Theaterpreis „Der Faust“ im Folgejahr. Nun ist Vera-Lotte Boecker für den International Opera Award nominiert. Die Sopranistin begeistert Fachleute und ihr Publikum gleichermaßen mit einer glasklaren Stimme und intelligenten Frauenporträts, bei denen sie immer alles gibt. Das zehrt. Zum Gespräch erscheint sie mit einer Cola gegen die Müdigkeit in der Staatsoper, wo in einer Woche der Vorhang zu „La Calisto“ hochgeht.

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Nachruf auf Regina Ziegler: Power-Produzentin mit weitem Horizont

Sun, 01 Nov 2026 18:10:33 +0100

Nachruf auf Regina Ziegler: Power-Produzentin mit weitem Horizont

Rund 500 Filme und um die 100 Preise markieren den Weg einer Erfolgsfrau, die für das Fernsehen populäre Serien und für das Kino Arthouse-Dramen produzierte.

Von Elisabeth Binder

Stand: 01.11.2026, 18:10 Uhr

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Schon für ihren ersten Film wurde die Produzentin Regina Ziegler mit dem Bundesfilmpreis geehrt. Ihr späterer Ehemann Wolf Gremm führte 1973 Regie in „Ich dachte, ich wäre tot“. Von da an ging es immer weiter bergauf für die Powerfrau, die sich bereits Anfang der 70er Jahre mit einer Produktionsfirma selbstständig machte und mit ihrem Privatvermögen unbegrenzt haftete. Da kam die Frauenbewegung in Deutschland erst gerade in Schwung.

Ihre Mutter, die als Reporterin arbeitete, war also zu recht stolz darauf, dass sie Regina, die Königin, am 8. März 1944, dem Internationalen Frauentag, in Quedlinburg zur Welt gebracht hatte. Nach dem Abitur war klar, dass das Kind studieren würde, aber dem Jurastudium, das sie den Eltern zuliebe an der Freien Universität Berlin aufgenommen hatte, blieb Ziegler nur ein Semester lang treu. Viel wohler fühlte sie sich als Produktionsassistentin beim Sender Freies Berlin.

Dort hat sie ihre Berufung und ihr eigentliches Leben gefunden. Unter anderem arbeitete sie in den frühen Jahren für Rosa von Praunheim als Produktionsleiterin für den Film „Die Bettwurst“. Es folgten „Anna und Edith“, „Sommergäste“, „Fabian“ und „Malou“. Ihr Auftreten war tough, wie man das von Filmproduzenten erwartet, aber gleichzeitig offen und nahbar. Von Anfang an lebte die verhinderte Juristin wild und gefährlich, gab alles für ihre Projekte.

In ihrer Autobiografie „Geht nicht, gibt’s nicht“ bezeichnet sie sich wiederholt als Minusmillionärin. „Ich hatte viele offene Rechnungen, bei Kopierwerken zum Beispiel, aber auch bei Banken, privaten Geldgebern oder Produzenten-Kollegen, die das gut fanden, was ich machte“, erklärte sie den Begriff und ergänzte: „Einen Film zu machen, ist eben sehr teuer.“

„Heimsuchung“, die Romanverfilmung von Volker Schlöndorff, die Regina Ziegler produzierte, läuft aktuell in den Kinos.

Dass es sich gelohnt hat, konnte man in ihrem Büro in der Produktionsfirma am Lietzensee besichtigen. Jede Menge Preise hat sie abgeräumt mit rund 500 Produktionen: Darunter die Romy für den Udo-Jürgens-Film „Der Mann mit dem Fagott“, die „Goldene Rose von Montreux“ für „Erotic Tales“, den Deutschen Fernsehpreis für das Geisel-Drama „Gladbeck“, den Emmy Award für „Die Wölfe“, den Adolf-Grimme-Preis für „Weißensee“und die Lola fürs Lebenswerk.

Am Set. Regina Ziegler beim Dreh der Produktion „Insel des Lichts“ für die ARD im Jahr 2007.

Den mit 40.000 Euro dotierten Carl-Laemmle-Preis sollte sie auf ausdrücklichen Wunsch der Preisträger nicht für eine neue Produktion verwenden. Also buchte sie stattdessen eine Weihnachtsreise in die Sonne mit der Familie. Tochter Tanja von ihrem ersten Mann Hartmut Ziegler wurde später ebenfalls Filmproduzentin und stieg im Jahr 2000 als gleichberechtigte Geschäftsführerin ins Unternehmen ein. Beide Produzentinnen verfolgten jeweils ihre eigenen Projekte.

Geht nicht, gibt’s nicht.

So überschrieb Regina Ziegler ihre Autobiografie.

Als die Berliner Filmproduktionsfirma 2023 das 50-jährige Filmjubiläum im Tipi am Kanzleramt feierte, lobte Festredner Michel Friedman das Erfolgsrezept von „zwei Dickköpfinnen, die sich nicht in die Suppe spucken“. Ein schlimmer persönlicher Einschnitt war für Regina Ziegler der Tod ihres Ehemannes, des Regisseurs Wolf Gremm, der 2015 an Krebs starb. Im persönlichen Gespräch erzählte sie schon mal, dass er ihr morgens rote Rosen ans Bett brachte.

Von Regina Ziegler produziert. Die ARD-Serie „Weißensee“ mit Uwe Kockisch, Jörg Hartmann, Ruth Reinecke und Anna Loos.

Auf der Berlinale war Ziegler omnipräsent, eine große Erscheinung. Sie konnte mit Artur Brauner, der lange als Repräsentant von „Opas Kino“ galt, ebenso wie mit Volker Schlöndorff, mit dem sie „Rückkehr nach Montauk“ und „Heimsuchung – Eine Jahrhundertgeschichte“ realisiert hat. Rainer Werner Fassbinder ging einst in ihrem Haus ein und aus.

Aber sie fesselte auch die jüngeren Zuschauer, zum Beispiel mit der Serie „Lena Lorenz“ über eine Hebamme, deren ältere Staffeln gerade samstags im Vorabendprogramm wiederholt werden. „Älter werden kommt später“, lautete Zieglers Motto zum 80. Geburtstag.

Omnipräsent in der Filmwelt. Regina Ziegler mit Angela Merkel bei einer Premiere in der Essener Lichtburg.

Dem Datum maß sie keine große Bedeutung bei. Wichtig war ihr immer die Arbeit. „Ich möchte meine Tage fröhlich beginnen und mich den Projekten widmen, die mir Spaß machen“, sagte sie dazu. Dabei half ihr ein weiter Horizont.

Von Regina Ziegler produziert und gerade im Kino zu sehen: „Heimsuchung – Eine Jahrhundertgeschichte“, die Verfilmung des Romans von Jenny Erpenbeck durch Volker Schlöndorff.

Toughe Erfolgsfrau mit erotischer Ausstrahlung konnte sie ebenso sein wie die Verfechterin reiner Unterhaltung in einem Freundeskreis anspruchsvoller junger deutscher Filmer: „Beweglichkeit habe ich nie als Problem gesehen. Die Freiheit des Produzierens liebe ich. Ich kann mich auf jede Situation so einstellen, dass ich damit umgehen kann. Man muss Lust darauf haben, Inhalte zu erzählen.“

Mit dem Programmkino „Filmkunst 66“ in Berlin erfüllten sich Mutter und Tochter gemeinsam den Wunsch nach einem Ort, an dem man Arthouse-Filme sehen und ein Glas Wein dazu trinken kann. Freundschaften waren Ziegler immer wichtig. Für die Freunde fand sie sogar noch Zeit zum Kochen, gerne Königsberger Klopse zum Beispiel.

Mit 82 Jahren ist Regina Ziegler jetzt unerwartet gestorben. Berlin hat eine große Persönlichkeit verloren. In der deutschen Filmgeschichte bleibt ihr ein Ehrenplatz erhalten.

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Marode Berliner Architekturikone: Der Bierpinsel muss bleiben!

Sun, 01 Nov 2026 14:45:22 +0100

Marode Berliner Architekturikone: Der Bierpinsel muss bleiben!

Der Eigentümer lässt das Kunstwerk aus Beton-Brut und Pop-Art verfallen. Dabei kann man von dem Bauwerk der Siebziger viel über die automobile Gesellschaft lernen.

Ein Kommentar von Nikolaus Bernau

Stand: 01.11.2026, 16:34 Uhr

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Seit Jahren verfällt der 1976 eröffnete „Bierpinsel“ an der Steglitzer Joachim-Tiburtius-Brücke. Obwohl er seit 2017 in der Denkmalliste steht und die Eigentümer eine Instandhaltungspflicht haben, die die allgemeine Sicherungspflicht übertrifft, geschah offenkundig nicht einmal das Notwendigste. Sonst wären wohl kaum Fassadenteile abgestürzt.

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Berliner Filmproduzentin: Regina Ziegler mit 82 Jahren gestorben

Sun, 01 Nov 2026 14:17:05 +0100

Berliner Filmproduzentin: Regina Ziegler mit 82 Jahren gestorben

Sie galt als eine der einflussreichsten Figuren im deutschen Film- und Fernsehgeschäft und gewann zahlreiche namhafte Preise. Nun ist Regina Ziegler in Berlin gestorben.

Stand: 01.11.2026, 14:16 Uhr

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Regina Ziegler ist tot. Die erfolgreiche Film- und Fernsehproduzentin (unter anderem „Weissensee“) starb am Sonntag unerwartet mit 82 Jahren in Berlin, wie ein Sprecher der Ziegler Film GmbH der Deutschen Presse-Agentur bestätigte. Zuvor hatte die „Bild“-Zeitung berichtet.

Ziegler, die am 8. März 1944 in Quedlinburg in Sachsen-Anhalt geboren wurde, galt als eine der einflussreichsten Figuren im deutschen Film- und Fernsehgeschäft. Im Laufe ihrer mehr als 50 Jahre dauernden Karriere gewann sie unter anderem den Deutschen Filmpreis, den International Emmy und den Grimme-Preis. 2012, 2016 und 2018 gewann sie namhafte Preise für ihr Lebenswerk.

Ziegler, die als Grand Dame der deutschen Fernsehbranche galt, arbeitete mit Stars wie Rainer Werner Fassbinder („Kamikaze 1989“), Volker Schlöndorff („Rückkehr nach Montauk“) oder Ulrich Schamoni („Chapeau Claque“). Wiederholt produzierte sie Filme ihres zweiten Ehemanns, Regisseur Wolf Gremm („Fabian“). Und sie stand für TV-Hits wie „Weissensee“ (ARD), „Familie Bundschuh“ und „Kommissarin Heller“ (beide ZDF).

1973 gründete Regina Ziegler ihre eigene Produktionsfirma

Und die Produzentin machte auch im hohen Alter fleißig weiter. „Es warten noch so viele wunderbare Projekte darauf, realisiert zu werden“, sagte sie vor zwei Jahren der Deutschen Presse-Agentur.

Der Weg zum Erfolg war allerdings nicht einfach, wie sie 2017 in ihrer Autobiografie „Geht nicht, gibt’s nicht“ schrieb. 1973 kündigte sie ihre Festanstellung und gründete ihre eigene Produktionsfirma. Das nötige Geld borgte sie sich demnach bei Freunden und Verwandten. (dpa)

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Sachsen-Anhalt

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Zum 75. Geburtstag der „Bibliothek Suhrkamp“: Das Design ist mindestens so wichtig wie das Bewusstsein

Sun, 01 Nov 2026 11:20:20 +0100

Zum 75. Geburtstag der „Bibliothek Suhrkamp“: Das Design ist mindestens so wichtig wie das Bewusstsein

Von Hermann Hesse bis zu Annie Ernaux und Clemens J. Setz: Die von Willy Fleckhaus gestaltete, ikonisch gewordene Buchreihe „Bibliothek Suhrkamp“ wird 75 Jahre alt.

Von Gerrit Bartels

Stand: heute, 11:20 Uhr

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In einem Gespräch mit dem Literaturkritiker Joachim Kaiser bezeichnete Peter Suhrkamp seine Arbeit einmal als eine „Begabung“, und zwar dahingehend, „das, was auf Blättern geschrieben da ist, (…) in eine plastische Gestalt zu übersetzen, in die Buchgestalt.“

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Dokumentarfilm über Wolf Biermann: „Ich habe immer damit gerechnet, dass sie mich einsperren“

Wed, 28 Oct 2026 11:17:16 +0100

Dokumentarfilm über Wolf Biermann: „Ich habe immer damit gerechnet, dass sie mich einsperren“

Zum 90. Geburtstag wird Wolf Biermann mit einem Film gefeiert. Er zeigt seine Wut, seinen Witz, seine Wortmacht – und kommt ihm so nahe wie nur möglich.

Von Christian Schröder

Stand: 31.10.2026, 22:30 Uhr

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Als Wolf Biermann am 25. Januar 1990 in Erfurt auftritt, ist das ein historischer Moment. „Das ist das erste Mal in meinem Leben, dass ich das Recht habe, frei in der DDR zu reden“, sagt der Sänger.

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Klangschönheit beim Konzerthausorchester Berlin: Wenn Musiker im Energiestrom schwingen

Sat, 31 Oct 2026 11:30:38 +0100

Klangschönheit beim Konzerthausorchester Berlin: Wenn Musiker im Energiestrom schwingen

Dirigent Riccardo Minasi und Cellist Pablo Ferrández gastieren beim Konzerthausorchester Berlin. Es wird ein meisterlicher Abend mit Brahms und Schumann.

Von Eleonore Büning

Stand: 31.10.2026, 14:05 Uhr

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Nachts auf dem Gendarmenmarkt sitzt der Akkordeonmann. Er spielt das klagende Lied in kirchentonal eingefärbtem E-Dur, welches Johannes Brahms für den zweiten Satz aus seiner vierten und letzten Symphonie, e‑Moll, erfunden hat. Man muss sagen: Der Mann ist gut vorbereitet.

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Comic-Sammlung „Aua! – Lachen ist die beste Medizin“: Grafischer Galgenhumor vom Lucky-Luke-Zeichner

Sat, 31 Oct 2026 13:57:23 +0100

Comic-Sammlung „Aua! – Lachen ist die beste Medizin“: Grafischer Galgenhumor vom Lucky-Luke-Zeichner

Der Franzose Achdé ist durch seine Lucky-Luke-Comics international bekannt. Was kaum jemand weiß: Er hat sich zeichnerisch auch mit Krankheiten beschäftigt. Ein neuer Sammelband vermittelt diese Seite seines Schaffens.

Von Leonard Hillmann

Stand: 31.10.2026, 13:57 Uhr

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Für Fans von Luke Luke ist 2026 ein jubiläumsreiches Jahr: Das Debüt des Comic-Cowboys, „der schneller zieht als sein Schatten“, jährt sich zum 80. Mal und wird mit einem neuen Album, einer Ausstellung sowie einem Interviewband zelebriert. Darin kommt sein aktueller Zeichner, der Franzose Hervé Darmenton alias Achdé, ausführlich zu Wort. Der hatte mit seinem 65. Geburtstag am 30. Juli dieses Jahres ebenfalls Grund zum Feiern.

Comiczeichner Achdé hat gerade ein neues Lucky-Luke-Album fertiggestellt. „Heiliger Lucky“ erscheint am 3. November auf Deutsch.

Achdé schätzen viele Leserinnen und Leser vor allem für seinen meisterhaften Zeichenstrich, mit dem er die Comic-Wildwestgeschichten seit 2004 weitererzählt, nachdem Lucky-Luke-Erfinder Maurice de Bevere („Morris“) 2001 verstarb.

Doch dass Darmenton „nicht nur“ einsame Cowboys, belebte Saloons und wüste Prärielandschaften zu illustrieren vermag, beweist er unter anderem in dem Sammelband „Aua! – Lachen ist die beste Medizin“ (Egmont Comic Collection, 56 Seiten, 17,00 Euro).

In jeder Kurzgeschichte im Sammelband erläutert ein knollnasiger Comic-Arzt reale medizinische Hintergründe.

Dieses Hardcoveralbum sticht aus der breiten Masse an Comicpublikationen vor allem durch seinen Fokus auf medizinische Inhalte hervor: Die Plots stammen von Autor Dr. Patrick Sichère, der auch Rheumatologe und Schmerzexperte ist.

Künstler Achdé, der selbst einst sieben Jahre lang als Röntgenassistent in der Radiologie gearbeitet hat, setzt sie in seinem aus den Lucky-Luke-Bänden bekannten dynamischen und detailverliebten Zeichenstil um.

Die Autoren präsentieren in acht fünf- bis sechsseitigen Kurzgeschichten verschiedene Krankheitsbilder mit dazugehörigen Therapieformen. Dabei ist die Bandbreite der vorgestellten Fälle groß: Sie reicht von Bandscheibenbeschwerden, Drogenabhängigkeit und Fibromyalgie über Fußfehlstellungen und Hämorrhoiden bis zu Migräne, Phantom- und Zahnschmerzen.

Auf sieben Sonderseiten werden zudem in humoristischen Texten vorwiegend traditionelle Behandlungsmethoden wie der Aderlass, Klistiere oder die Elektrotherapie vorgestellt. In dem Sammelband schrecken Sichère und Achdé auch vor derben Verben, schwarzem Humor oder manchmal politisch unkorrekten Aussagen nicht zurück.

Galgenhumor ist nicht unbedingt jedermanns Sache, doch auffallend gut sind die einzelnen Episoden recherchiert und geschrieben: Jenseits eines humoristischen Aufhängers pro Geschichte veranschaulichen die Autoren korrekt informative Fachdetails, etwa wenn es um Wirbelsäulenanatomie, proktologische Krankheitsbilder oder die pharmakologische Wirkweise der Medikamentenklasse namens Triptane geht.

Vor allem bei medizinischen Vorkenntnissen staunt man unter anderem auch darüber, wie treffend eine sogenannte B-Symptomatik, unsere als Propriozeption bezeichnete Wahrnehmung der eigenen Körperposition im Raum und eine Schwellung im Vorfuß namens Morton-Neurom zeichnerisch in Szene gesetzt werden.

Außerdem gehen die Comic-Episoden immer wieder auch kritisch auf die historische Entwicklung bestimmter Behandlungsformen ein. Oder sie zeigen ein Beschwerdebild anhand prominenter Beispiele.

So etwa eine bei „Alice im Wunderland“-Autor Lewis Carroll vermutlich vorhandene Migräne mit Aura, die 1686 an Sonnenkönig Ludwig XIV. durchgeführte Analfistel-Operation oder auch der wahrscheinlich bereits im 10. Jahrhundert aufgekommene schmerzhafte Brauch des Füßebindens („Lotusfüße“) in China.

Patrick Sichère und Achdé thematisieren auch medizinhistorische Details – wie etwa einen chirurgischen Eingriff am Hintern von Ludwig XIV. durch seinen Leibarzt Charles-François Félix.

Klaus Jökens Übersetzungen ins Deutsche bleiben mit elegant übertragenem Wortwitz, humorvollen Redewendungen und passender Onomatopoesie auf dem bekanntermaßen sehr hohen Niveau, das man aus seinen Texten in Albenreihen wie „Asterix“ und „Lucky Luke“ kennt.

Wer frankobelgische Gag-Geschichten schätzt, mit Ironie etwas anfangen kann und Achdé-Zeichnungen einmal in einem neuen Kontext betrachten mag, erlebt mit „Aua! – Lachen ist die beste Medizin“ eine kurzweilige und unkonventionelle Comic-Lektüre.

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Gesundheit

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Gen-Z-Proteste in Deutschland: Die Jugend von heute fühlt sich um die Zukunft gebracht

Fri, 30 Oct 2026 11:12:24 +0100

Gen-Z-Proteste in Deutschland: Die Jugend von heute fühlt sich um die Zukunft gebracht

Bildungskrise, Wohnungsnot, Klimakrise – und dann noch zum Wehrdienst. Die herablassende Vernachlässigung durch die Politik treibt die Jugend auf die Barrikaden. Man sollte ihren Frust ernst nehmen.

Ein Kommentar von Andreas Busche

Stand: 31.10.2026, 12:54 Uhr

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Die „französischen Verhältnisse“, die an diesem Wochenende in 32 deutschen Großstädten erwartet werden, sind hierzulande natürlich längst angekommen. Dieser Befund bezieht sich allerdings weniger auf eine destruktive Protestkultur, die derzeit im politischen Berlin heraufbeschworen wird, sondern auf die Perspektivlosigkeit von jungen Menschen, die sich jetzt in den Forderungen der Bewegungen „Gen Z regelt“ und „Gen Z steht auf“ spiegeln.

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Die Gen Z und ihre Symbole: Was 1984 und 1789 mit der Gegenwart zu tun haben

Fri, 30 Oct 2026 09:11:06 +0100

Die Gen Z und ihre Symbole: Was 1984 und 1789 mit der Gegenwart zu tun haben

Gelbwesten, George Orwell, die Piratenbande aus dem Manga „One Piece“: Bei den Jugendprotesten in Frankreich und Deutschland mischen sich Pop- und Alltagskultur. Was der Wechsel der Symbole über eine Generation erzählt.

Von Anna-Lena Malter

Stand: 31.10.2026, 11:34 Uhr

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Am 17. Oktober füllte sich die Place de la République mit Menschen, die vom Gare du Nord herübergeströmt waren. Schüler:innen liefen mit, Studierende, dazwischen Menschen in gelben Warnwesten. Auf einem Schild stand „Ils veulent 1984, ils auront 1789“ („Sie wollen 1984, sie bekommen 1789“): Orwells Überwachungsstaat gegen die Französische Revolution.

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Musical „Salon Rosie“ im Theater des Westens: Die Menge steht schon Kopf, bevor auch nur ein Ton erklungen ist

Sat, 31 Oct 2026 09:52:49 +0100

Musical „Salon Rosie“ im Theater des Westens: Die Menge steht schon Kopf, bevor auch nur ein Ton erklungen ist

Peter Plates und Ulf Leo Sommers DDR-Musical verwandelt das Theater des Westens in einen Friseursalon. Mit guter Laune, ein bisschen Drama und jeder Menge Ost-Folkore.

Von Gunda Bartels

Stand: 31.10.2026, 09:52 Uhr

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Die sollen Zwillinge sein? Sehen ja gar nicht so aus. Doch die große Blonde und die kleine Brünette stammen tatsächlich aus einem Ei. Und wie sich im Laufe des Musicals „Salon Rosie“ einmal mehr herausstellt, ist Blut dicker als Wasser.

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Mehr Trash, mehr Welt, mehr Gegenwart: So will Matthias Lilienthal die Volksbühne neu aufstellen

Thu, 29 Oct 2026 11:13:15 +0100

Mehr Trash, mehr Welt, mehr Gegenwart: So will Matthias Lilienthal die Volksbühne neu aufstellen

Mit seinem Schwimmbecken hat er bereits für Aufregung gesorgt. Seit August ist Lilienthal Intendant am Rosa-Luxemburg-Platz – mitten im „Hipster Eldorado“, wie er es nennt.

Von Patrick Wildermann

Stand: 31.10.2026, 07:00 Uhr

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Berlin verändert sich. Matthias Lilienthal bleibt sich treu. Wer den neuen Intendanten der Volksbühne in den Tagen vor der Saisoneröffnung trifft, erlebt einen Theatermacher im signaturhaften Jeans-und-T-Shirt-Look, der gut gelaunt zwischen Provokationslust und Gesellschaftsbetrachtung, Understatement und Ambition, Ironie und Direktheit balanciert.

So hat er sich im Grunde auf all seinen bisherigen Stationen präsentiert. Als prägender Dramaturg der Castorf-Volksbühne in den 90er-Jahren. Als Gründer des Theaterkombinats HAU Hebbel am Ufer. Als anfangs heftig angefeindeter und später doch noch gefeierter Intendant der Münchner Kammerspiele. Überall zwischen Beirut und Berlin.

Jetzt ist der gebürtige Neuköllner zurück in Berlin-Mitte. Dort, wo er seinem 30-jährigen, präpotenten „Ich“ mit dem volleren Haar wiederbegegnet, wie er selbst in einem Interview scherzte. „Und diese Wiederbegegnung verliere ich natürlich“, fügt er im holzgetäfelten Intendanzbüro amüsiert hinzu.

Matthias Lilienthal war bereits in den 1990er-Jahren Dramaturg an der Volksbühne.

Fragt man ihn – jetzt mal im Ernst –, ob er nicht das Gefühl habe, inzwischen an einem Punkt in seiner Theaterbiografie angelangt zu sein, wo er sich nichts mehr beweisen muss, wo der Erfahrungshintergrund Gelassenheit schafft, zuckt Lilienthal nur die Schultern: „Ach, ich weiß nicht. Was das betrifft, bin ich immer noch Berufsjugendlicher.“ Aktuell denke er vor allem mit großer Freude darüber nach, „wie man das Haus politisch positionieren kann. Und ich finde es großartig, dass alle Berlinerinnen und Berliner dabei mit Wohlwollen hinter uns stehen.“

Angriffe von rechts

Eine kleine Spitze in Richtung der Querelen, die es im Sommer um sein Volksbad gab: die Angriffe von rechts, weil er das Theater-Schwimmbecken am Rosa-Luxemburg-Platz für ein paar Stunden einem Verein für schwarze Jugendliche überlassen wollte und die Hetzkommentare überbordeten.

Als aus der versprochenen Umarmung, mit der Lilienthal als Volksbühnen-Intendant auf die gesamte Stadt zuzugehen versprach, für ein paar Stunden ein „Fickt Euch“-Plakat an die Adresse der Hater wurde. Dass er genau diese Reibung suche, will Lilienthal allerdings so nicht stehen lassen: „Ich denke immer, dass ich der netteste Mensch der Welt bin. Und wenn andere Leute das nicht so empfinden, bin ich verstört.“ Gut möglich, dass er das ernst meint.

Nostalgie finde ich furchtbar. Die überlasse ich der AfD.

Matthias Lilienthal, Intendant der Volksbühne

Was den heute 66-Jährigen tatsächlich stets ausgezeichnet hat und noch immer auszeichnet, das ist sein Gespür dafür, wie Berlin tickt. Und wie das Theater darauf reagieren kann. Mit der Easyjet-Set-Ära der Nullerjahre einher ging beispielsweise eine starke Internationalisierung des HAU: mit Performern und Gruppen zwischen Südamerika und Japan, mit Aufführungen auf Englisch, die zuvor keine Selbstverständlichkeit hatten.

Und heute? Sieht Lilienthal vor allem die Mitte der Stadt in ein „extremes Hipster Eldorado“ verwandelt, in eine große „Ansammlung von Influencern, die Wohnungen nutzen wie Hotelzimmer“. Eine völlig andere Stadt, eine gänzlich andere Stadterfahrung nimmt er wahr.

Woraus sich allerdings keine Sehnsucht nach der vermeintlich heilen Volksbühnen-Welt der 90er ergibt: „Nostalgie finde ich furchtbar. Die überlasse ich der AfD“, sagt Lilienthal. Er hat auf die Hipster-Umgebung unter anderem schon mit einer Pommesbude vor der Volksbühne reagiert: „Mehr Trash- und Popkultur in Mitte zu verankern, ist doch auch ein lustiges Ziel.“

Klar, mit Späßen allein macht man kein Theater. Das weiß natürlich auch Lilienthal: „An der Volksbühne muss man genau den Diskurs treffen, das Gespräch in der Stadt triggern und dafür die richtigen Statements finden“, sagt er. Sich erstmal auf die gepflegte Neudeutung von Klassikern zurückziehen? „Das kannst Du hier vergessen.“ Gerade angesichts des Gegenwartstempos: „Momentan liefert uns die Realität neues Material in einer Geschwindigkeit, die man einfach zu verarbeiten versuchen muss“, so Lilienthal. Gelinge das, werde sich die Identität seiner Volksbühne von selbst herausbilden.

Fürs Erste setzt er dafür auf eine möglichst große Vielfalt an Perspektiven: mit jungen Berlinerinnen wie der Regisseurin Lena Brasch oder dem Kollektiv OMSK Social Club, mit den brasilianischen Choreografen Davi Pontes und Wallace Ferreira oder den japanischen Künstlern Satoko Ichihara und Toshiki Okada.

Lieber fahre ich mal zwei Produktionen so richtig gegen die Wand, als immer darüber nachzudenken, was ich falsch machen könnte.

Matthias Lilienthal, Intendant der Volksbühne

Zu zwei Dritteln arbeitet Lilienthal mit Regisseuren, die nicht aus dem deutschsprachigen Raum kommen. Das will er beibehalten: „Ich habe auch Lust, verstärkt nach Sambia, Tunesien oder den Kapverden zu schauen. Oder nach Vietnam und Myanmar. Und der Iran ist spannend, was kulturelle Produktion und gesellschaftliche Konflikte betrifft.“

Das Aufstellen eines großen Schwimmbeckens vor der Volksbühne sorgte für kontroverse Diskussionen.

Nicht alles, was Lilienthal vorhat, wird schon in der ersten Spielzeit sichtbar. „Zum Beispiel wollten wir unbedingt mit dem polnischen Regisseur Łukasz Twarkowski arbeiten. Das kriegen wir erst im Herbst 2029 hin“, erzählt er. Christopher Rüping, der in der ersten Spielzeit ein Stück von Sivan Ben Yishai inszeniert, wird in der kommenden Saison eine Zwölf-Stunden-Produktion zeigen – mit der hätte Lilienthal seine Volksbühnen-Intendanz am liebsten schon eröffnet.

Bloß nicht zu klein denken. Begriffe wie „Scheitern“ oder „Fehler“ sind für Lilienthal dabei keine Kategorien: „Lieber fahre ich mal zwei Produktionen so richtig gegen die Wand, als immer darüber nachzudenken, was ich falsch machen könnte.“

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Zehn Jahre Elbphilharmonie: Zum Jubiläum fährt Hamburg groß auf

Mon, 19 Oct 2026 16:55:48 +0200

Zehn Jahre Elbphilharmonie: Zum Jubiläum fährt Hamburg groß auf

Lang Lang, Igor Levit und fast alle amerikanischen Spitzenorchester schauen vorbei: 2027 feiert die Hansestadt ihr kulturelles Wahrzeichen. Auch die Techno-Band Meute lädt zum Tanz.

Von Christiane Peitz

Stand: 30.10.2026, 16:06 Uhr

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Alle wollen rein. Die weltweit besten Orchester, die Jazz-Größen, der Schlagerstar, das Publikum ohnehin. Und sie wollen rauf auf die Plaza, die Aussichtsplattform in 37 Meter Höhe. Plaza-Besucher seit der Eröffnung 2017: 29,5 Millionen. Die Hamburger Elbphilharmonie ist tatsächlich eine Art Freiheitsstatue geworden, wie Ole von Beust, damals Bürgermeister, bei der Grundsteinlegung vor 20 Jahren hoffte.

6600 Veranstaltungen zählt die „Elphi“ seit 2017, sie stehen für Vielfalt, Neugier, Offenheit. Und das bei hoher Qualität, auf die Generalintendant Christoph Lieben-Seutter bei den eigenen Programmen ebenso Wert legt, wie er sich bei den Vermietungen als Gatekeeper versteht, für den Großen und den Kleinen Saal wie für die traditionsreiche Laeiszhalle. Die Auslastung? Liegt immer noch bei 97 Prozent.

„Die Elbphilharmonie hat dank der Zacken auf dem Dach etwas von einer Krone. So gesehen setzt sie Hamburg die Krone auf“, sagt der Intendant zur ikonischen Architektur von Herzog & de Meuron an der Schnittstelle von Stadt und Hafen. Der Bau sei zum Wahrzeichen geworden, „er hat das Selbstwertgefühl der Hamburger verändert“.

7,4 Millionen Konzertbesucher

Wer einmal durch die Tube, sprich: über die Rolltreppe ins Foyer voller Wow-Ausblicke nach oben geschwebt ist, versteht das. Vergessen der Ärger über die Kostenexplosion (finale Baukosten: 866 Millionen Euro), auch die Kritik an der gnadenlos glasklaren Akustik im steilen Rund des Großen Saals ist verstummt. Der Zoff mit Startenor Jonas Kaufmann, der 2019 bei Mahlers „Lied von der Erde“ schlecht zu hören war, ist als werbeträchtiger Aufreger in die Annalen eingegangen.

Christoph Lieben-Seutter, Intendant der Hamburger Elbphilharmonie

„Es gibt keine Beschwerden mehr“, freut sich Lieben-Seutter. „Die Kenner der Materie wussten gleich, dass es an Kaufmann und nicht am Saal lag.“ Wenn Gesangssolisten mit Orchester auftreten, empfehle sich allerdings eine Platzierung nicht vorn an der Rampe, sondern etwas weiter hinten, erhöht.

„Viele Dirigenten fragen inzwischen, ob wir baulich etwas verändert hätten: Die Akustik sei nach wie vor transparent, aber gleichzeitig warm. Der Saal ist jetzt ,eingespielt‘; ob das reine Psychologie ist oder Physik, gewissermaßen der Staub, der sich abgelagert hat, bleibt ein Geheimnis.“ Offenbar hat die „weiße Haut“, jene korallenriff-artige, mit zehntausend Gipsfaserbeton-Paneelen verkleidete Saalwand, im guten Sinne Patina angesetzt.

7,4 Millionen Konzertbesucher kamen seit 2017. Das Klassik-Publikum in der Stadt hat sich mit jährlich 1,2 Millionen verkauften Tickets verdreifacht. 70 Prozent stammen aus Hamburg und der Metropolregion – was auch an der weitgefächerten Musikvermittlung liegt, vom Schulklassenbesuch bis zum Community-Projekt, mit 7400 Veranstaltungen und 420.000 Teilnehmenden seit Beginn.

Die Höhepunkte? „Die Elbphilharmonie ist ein Glücksapparat, für die Künstler, die Mitarbeiter und das Publikum“, sagt Lieben-Seutter. „Das Verdi-Requiem mit Riccardo Chailly oder Mahlers Sechste mit dem Cleveland Orchestra waren nur zwei von unzähligen fantastischen Konzerten.“ Zu seinen persönlichen Highlights zählen auch Begegnungen mit den Helden seiner Jugend, Caetano Veloso oder John Cale.

Volles Programm

Zum Jubiläumsprogramm gehört „USA 250“, ein Schwerpunkt zum Geburtstag der amerikanischen Unabhängigkeit. Dass bis 2028 fast alle US-Spitzenorchester kommen, hat sich laut Lieben-Seutter ergeben, „aber zu unserem Glück“. Am 15./16. Januar 2027 gastiert das Chicago Symphony Orchestra mit Klaus Mäkelä, am 15./16. März kommen die Bostoner mit Andris Nelsons und Lang Lang.

In der Eröffnungswoche vor zehn Jahren wurde Donald Trump für seine erste Amtszeit vereidigt. Nicht zuletzt mit Blick auf die gefährdete Demokratie wird das USA-Thema vielseitig beleuchtet: etwa mit Coltrane-Programmen und der Auseinandersetzung mit Bürgerrechtsbewegungen als Jazz-Schwerpunkt und einem von der Komponistin und Performerin Rhiannon Giddons kuratierten ‚Reflektor‘-Festival, das sich mit der Historie von schwarzer Musik und Folkmusik befasst.

Auch die Jubilare John Adams und Steve Reich werden gewürdigt. Zum Start einer Prometheus-Reihe gastiert am 27. Januar die lettische Star-Organistin Iveta Apkalna, und zum Beethoven-Jahr werden sämtliche Streichquartette (Quatuor Ébène), alle Klaviersonaten (Igor Levit) und Klavierkonzerte (Lang Lang) aufgeführt.

Auch Pianist Lang Lang tritt im Jubiläumsjahr auf.

Beim Geburtstagskonzert am 11. Januar verschwindet das NDR Elbphilharmonie Orchester unter Alan Gilbert nach der Beethoven-Ouvertüre „Weihe des Hauses“ und John Adams‘ Meisterwerk „Harmonielehre“. „Wir können auch laut, deshalb gibt’s im zweiten Teil eine Party“, sagt Lieben-Seutter. Mit Meute, der Hamburger Techno-Brassband, die schon bei der Plaza-Eröffnung musizierend die Rolltreppe hochfuhr. „Sie spielte auch auf dem Dach, eins der meistgeklickten Youtube-Videos über die Elbphilharmonie.“

„Vor zehn Jahren waren wir ein Start-up, innerhalb weniger Wochen verdoppelte sich die Belegschaft“, erinnert sich der Intendant. Den Spirit des Anfangs gelte es zu bewahren: „Wir dürfen uns auf keinen Fall auf unseren Erfolgen ausruhen.“ Das Wichtigste dabei, gerade in Zeiten der sogenannten Cancel-Kultur: dass Raum für Ambivalenzen bleibt. „Unser Auftrag besteht grundsätzlich darin, Konzerte zu ermöglichen, nicht darin, sie zu verhindern.“ Die Elbphilharmonie als Ort der Offenheit – auch das ein Grund zum Feiern.

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Zum Tod von Patrick Stewart: Ein Vorbild, im Leben und auf der Leinwand

Fri, 30 Oct 2026 15:23:17 +0100

Zum Tod von Patrick Stewart: Ein Vorbild, im Leben und auf der Leinwand

Patrick Stewart hat mit seiner väterlichen Autorität dem Flottenkapitän Jean-Luc Picard eine würdevolle Gravitas verliehen. Nachruf auf ein Leben zwischen Shakespeare und „Star Trek“.

Von Andreas Busche

Stand: 30.10.2026, 15:58 Uhr

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Die Bestellung ist fast so legendär wie die seines noch etwas berühmteren Landsmanns. „Tee, Earl Grey, heiß“, bestellte Jean-Luc Picard stets beim Bordautomaten, wenn er sich zum Nachdenken in seine Kemenate zurückzog. Das klang vielleicht weniger weltmännisch als „Martini, geschüttelt, nicht gerührt“, aber passte zum nachdenklichen Auftreten eines Captains der Sternenflotte.

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Vom Flop zur Ikone: Vor hundert Jahren wurde Fritz Langs „Metropolis“ in Babelsberg abgedreht

Thu, 29 Oct 2026 15:43:58 +0100

Vom Flop zur Ikone: Vor hundert Jahren wurde Fritz Langs „Metropolis“ in Babelsberg abgedreht

Am 30. Oktober 1926 gingen die Dreharbeiten zu dem Monumentalfilm „Metropolis“ zu Ende. Zwölf überraschende Aspekte zu einem der einflussreichsten Filme aller Zeiten.

Von Lena Schneider

Stand: 30.10.2026, 15:43 Uhr

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Kaum ein Film ist so eng mit Babelsberger Filmgeschichte verbunden wie „Metropolis“ von Fritz Lang. Die ikonischen Bilder kennen vermutlich fast alle. Aber wie sieht es mit folgenden Details aus?

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Tanz als Selbstverteidigung: Davi Pontes und Wallace Ferreira an der Volksbühne

Fri, 30 Oct 2026 14:46:01 +0100

Tanz als Selbstverteidigung: Davi Pontes und Wallace Ferreira an der Volksbühne

„Mata Leão“ heißt die Choreografie von Davi Pontes und Wallace Ferreira, zu Deutsch: „den Löwen töten“, ein Ausdruck aus dem Kampfsport. Denn die Gegenwart bietet gute Gründe für die Selbstverteidigung.

Von Sandra Luzina

Stand: 30.10.2026, 14:46 Uhr

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Als am späten Sonntagabend bekannt gegeben wurde, dass Lula da Silva die Präsidentschaftswahl in Brasilien gewonnen hat, da haben Davi Pontes und Wallace Ferreira sicher ein Freudentänzchen gemacht. Als die beiden Choreografen und Performance-Künstler 2018 mit der Arbeit an ihrer „Repertório“-Trilogie begannen, war das eine direkte Antwort auf den massiven Anstieg rassistischer und homophober Gewalt nach der Wahl des rechtsextremen Präsidenten Jair Bolsonaro in Brasilien.

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Musikalischer Aufruhr und Frieden: So war die Eröffnung des Jazzfests Berlin

Fri, 30 Oct 2026 14:06:09 +0100

Musikalischer Aufruhr und Frieden: So war die Eröffnung des Jazzfests Berlin

Anthony Braxton, Meister der freien Form, ist Ehrengast des diesjährigen Jazzfests Berlin. Gleich zur Eröffnung setzt der 81-Jährige Maßstäbe.

Von Thomas Wochnik

Stand: 30.10.2026, 14:44 Uhr

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Anthony Braxtons Septett beginnt mit sechs Stimmen – der Meister selbst steht Donnerstagabend am Pult auf der Bühne des Hauses der Berliner Festspiele und dirigiert. Vor ihm die ausladende, über die Pultränder hinausfallende Partitur, zu seiner Rechten ein kleines Mischpult und ein Laptop. Von Anfang an ist es eine Musik, die einerseits aus disparat scheinenden Schichten zu bestehen scheint, Stimmen, die wenig miteinander zu tun haben, außer dass sie in ein und demselben akustischen Raum friedlich koexistieren. Mal tritt die eine in den Vordergrund, mal tut es eine andere – drei Tubas und drei Saxofone, wobei auch Braxton ein Sopran und ein Alt auf dem Boden neben sich bereit stehen hat. Noch.

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Queens of the Stone Age, Sampa the Great, Ex:Re, Tränen: Die Alben der Woche im Soundcheck

Fri, 30 Oct 2026 11:57:01 +0100

Queens of the Stone Age, Sampa the Great, Ex:Re, Tränen: Die Alben der Woche im Soundcheck

Musik, die sich anhört, als wäre sie in den Pariser Katakomben aufgenommen, die Welt aus der Alien-Perspektive und die Geburt eines Genres: Das sind die Platten der Woche.

Von

Sandra Gern
Andreas Borcholte
Torsten Groß
Inga Barthels

Stand: 30.10.2026, 13:59 Uhr

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Jeden Freitag stellen vier Musikjournalistinnen und -journalisten ab 21 Uhr ihre Alben der Woche in der Sendung „Soundcheck“ bei Radio Eins vor. Diese Woche mit Platten von Queens of the Stone Age, Sampa the Great, Ex:Re und Tränen.

Queens of the Stone Age: „Perfecth“ (Beggars)
Die finsteren Jahre mit einer Krebserkrankung von Josh Homme, Konzertabsagen, eskalierenden Suchtproblemen und wiederholten Vorwürfen wegen partnerschaftlicher Gewalt durch seine Ex-Frau Brody Dalle haben sich deutlich eingeschrieben in das neunte Studioalbum von Queens of the Stone Age.

„Perfecth“ klingt ein bisschen so, als hätte die Band diese neuen Songs in jenen Pariser Katakomben aufgenommen, in denen sie zuletzt ein Live-Album und einen Film produziert hatten – nämlich dumpf, verhallt, schwermütig. Den meisten Songs haftet etwas Unfertiges, Improvisiertes, Erschöpftes an, die in ihren besten Momenten hypnotische Kraft der Band blitzt nur vereinzelt auf. Es ist Musik, die wie ein verzweifeltes Winden wirkt, wie ein Kampf mit unsicherem Ausgang. Torsten Groß, Moderator

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Sampa the Great: „Nu Zamrock” (Loma Vista)
In den Siebzigerjahren haben sich Musiker in Sambia von Acts wie den Rolling Stones oder Jimi Hendrix inspirieren lassen, um westlichen Rock und Psychedelic mit afrikanischen Rhythmen zu verbinden und so ein ganz neues Genre zu erschaffen: Zamrock.

Zu den berühmtesten Vertretern zählt die Band Witch, die bis heute Musik macht und in der Welt umhertourt. Eines der Gründungsmitglieder war damals George „Groovy Joe“ Kunda, der allerdings ausstieg, bevor Witch den großen Durchbruch schaffte.

Ein halbes Jahrhundert später macht sich seine Nichte nun daran, selbst ein neues Genre zu erschaffen: „Nu Zamrock“ hat Sampa the Great ihr drittes Album selbstbewusst benannt. Darauf spricht die 33-Jährige mit ihrem Onkel darüber, wie es war, Musik-Pionier zu sein, und stellt ihre aktualisierte Version von Zamrock vor, den sie mit Hip-Hop und Soul kombiniert. Das hört sich alles nach viel theoretischem Überbau an, macht aber vor allem großen Spaß. Inga Barthels, Tagesspiegel

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Ex:Re: „Save As“ (4AD)
Eigentlich hatte Elena Tonra, Sängerin der britischen Indie-Folkband Daughter, gar nicht vor, ein weiteres Solo-Album aufzunehmen, aber zum Glück tat sie es dann doch: „Save As“, ihre zweite Sammlung mit brüchigen, geisterhaft durch den Äther hallenden TripHop-Balladen, sucht auf einem langen nächtlichen Roadtrip nach der eigenen, greifbaren Identität in einer flüchtigen Welt. Karg, aber tröstlich. Andreas Borcholte, Der Spiegel

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Tränen: „Leben in einer Katze“ (Eklat)
Was, wenn eine Katze ein Spion aus dem Weltall wäre? Knapp drei Jahre nach ihrem Debüt erkunden Solokünstlerin Gwen Dolyn und Kraftklub-Gitarrist Steffen Israel auf dem Nachfolger die Welt aus Alien-Perspektive. Musikalisch klingen sie ähnlich irdisch wie auf dem Vorgänger, mit noch mehr Pop, Punk, NDW und großen Melodien. Die eingängigen Refrains lassen sich schnell textsicher mitsingen, während sich tiefere Zusammenhänge erst beim wiederholten Hören erschließen.

Es geht in den rasant verfliegenden 35 Minuten um das Gefühl, sonderbar zu sein, um Scham, Wut, Intimität und die Sehnsucht nach einer gerechteren Welt. Passend dazu klingt auch Dolyns Stimme unverhüllter als auf dem ersten Album. Als letzter Schutzschild bleibt also nur, die eigenen Gefühle durch die Augen eines Katzenaliens zu erzählen. Sandra Gern, freie Musikjournalistin & Moderatorin

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Kazuiki Nakahara in der Galerie Kondeyne: In diesen Blättern pulsiert und atmet es

Fri, 30 Oct 2026 12:17:42 +0100

Kazuiki Nakahara in der Galerie Kondeyne: In diesen Blättern pulsiert und atmet es

Der Künstler aus Japan ist ein Meister, wenn es um die Kunst geht, aus flachem Papier eindrucksvolle dreidimensionale Objekte zu zaubern. Das beweist er in seiner aktuellen Ausstellung.

Von Michaela Nolte

Stand: 30.10.2026, 12:17 Uhr

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Ein Wetter, der Wind – Regen vielleicht. An- und abschwellende Farbballungen, dazwischen ziehen weiße Strukturen durch die Papierarbeiten von Kazuki Nakahara. Innerhalb der rosaroten Diagonalen oder der dezent blauen Horizontalen verdichten sich die Aussparungen zu Erinnerungen an Wege, Blitze oder Geäder, an helle Röhren oder Tunnel.

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Neuer Weg in der Galerie Nierendorf: Manfred Butzmann mischt sich ein

Fri, 30 Oct 2026 10:45:40 +0100

Neuer Weg in der Galerie Nierendorf: Manfred Butzmann mischt sich ein

Die Galerie Nierendorf ist eigentlich auf Expressionismus spezialisiert. Jetzt stellt sie das vielgestaltige Werk Manfred Butzmanns vor. Bilder eines unbequemen Künstlers.

Von Jens Grandt

Stand: 30.10.2026, 10:45 Uhr

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Nicht nur mittels ihrer Motive sprechen gelungene Gemälde den Betrachter an. Verhalten schwingt auch die Stimmung ihrer Schöpfer mit. Eine Legende, wenn die Leinwand den Charakter oder zumindest einen Wesenszug des Künstlers zu erkennen gibt, wie Manfred Butzmanns „Skatspieler“. Ein collagiertes Ölbild, aufgeklebte Textilien, Knöpfe, Münzen, sogar eine echte Brille prägen das Outfit der konzentriert dreinschauenden Männer.

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Kuriose Dissonanz zwischen den Philharmonikern und Iván Fischer: Andrés Orozco-Estrada übernimmt die geplanten Konzerte im November

Fri, 30 Oct 2026 09:57:44 +0100

Update

Kuriose Dissonanz zwischen den Philharmonikern und Iván Fischer: Andrés Orozco-Estrada übernimmt die geplanten Konzerte im November

Man habe sich nicht über die Orchesteraufstellung bei Mahler einigen können, vermelden die Berliner Philharmoniker, und verkünden damit den Ausfall Iván Fischers bei drei Konzerten im November.

Von Thomas Wochnik

Stand: 30.10.2026, 09:57 Uhr

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Trennen sich zwei „in gegenseitigem Einvernehmen“ voneinander, steckt meistens mehr dahinter, als die unscheinbare Floskel einräumen will. Die Philharmoniker haben sich nun vom Gastdirigenten Iván Fischer getrennt – zumindest auf absehbare Zeit und natürlich, wie es heißt, in gegenseitigem Einvernehmen. Die drei mit ihm geplanten Konzerte, am 5., 6. und 7. November, werden mit unverändertem Programm von Andrés Orozco-Estrada übernommen.

Über seinen Instagram-Account bietet Fischer dem Berliner Publikum als Entschädigung an, die Aufzeichnung seines Konzerts mit dem Budapest Festival Orchestra beim Musikfest im Amsterdamer Concertgebouw auf der Onlineplattform Stage+ anzuschauen – neben Mahlers „Kindertotenliedern“ ist dort auch Gustav Mahlers Fünfte zu hören, die er nun auch mit den Berlinern dirigieren sollte.

Der in Wien lebende Orozco-Estrada hat die Berliner bereits 2017 kennengelernt und mit ihnen einen, wie Kollege Frederik Hanssen damals schrieb, gnadenlos ehrlichen Schostakowitsch abgeliefert. Der gebürtige Kolumbianer war von 2014 bis 2021, als Nachfolger von Paavo Järvi, Chefdirigent beim hr‑Sinfonieorchester. Er übernahm dieselbe Aufgabe 2020/21 auch bei den Wiener Symphonikern, was aber nicht gut ging: Schon nach einem Jahr trennten sich die Wege, vermutlich in gegenseitigem Einvernehmen. Seit 2025 ist Orozco-Estrada GMD der Stadt Köln, leitet zudem das Swedish Radio Symphony Orchestra.

Als Grund für Fischers Rückzug nannten die Philharmoniker übrigens, dass sich Orchester und Dirigent nicht zur Orchesteraufstellung bei Mahlers Fünfter einigen konnten. Inwiefern Fischers Ideen womöglich dem traditionellen Klangideal der Philharmoniker nicht entsprochen haben und andere Details blieben dabei offen. Kurios – fanden das große Teile der Fachwelt.

Nun haben die Philharmoniker ihre Meldung aktualisiert. „Konkret“, heißt es jetzt, „geht es um die Positionierung der Kontrabässe, die 2022 beim Gastspiel Iván Fischers mit Mahlers Erster Symphonie auf Wunsch des Dirigenten mittig hinter den Holzbläsern platziert worden waren. Diese Aufstellung hat sich für das Orchester nicht bewährt, da in der Philharmonie keine Rückwände die Ausbreitung des Klangs in den Saal unterstützen, was einen unmittelbaren Einfluss auf den Gesamtklang hat. Auch der wichtige Blickkontakt zwischen den Instrumentengruppen war beeinträchtigt. Das Orchester hat sich daher gegen eine Wiederholung dieser Aufstellung ausgesprochen.

Was sich der Dirigent dabei gedacht und weshalb er darauf bestanden haben mag, das bleibt weiterhin Mysterium.

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„Medienrechtlich interessanter Grenzfall“: Durfte der „Spiegel“ Eralps Interna veröffentlichen, Herr Schertz?

Thu, 29 Oct 2026 18:47:26 +0100

„Medienrechtlich interessanter Grenzfall“: Durfte der „Spiegel“ Eralps Interna veröffentlichen, Herr Schertz?

Die Spitzenkandidatin der Berliner Linken will nach der Veröffentlichung interner Notizen rechtlich gegen den „Spiegel“ vorgehen. Medienanwalt Christian Schertz ordnet den Fall ein.

Von Gerrit Bartels

Stand: 30.10.2026, 08:30 Uhr

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Die Reaktion von Elif Eralp, der Spitzenkandidatin der Linken und möglichen neuen Berliner Bürgermeisterin, auf den „Spiegel“-Text und die Frage, ob sie dagegen vorgeht, hat nicht lange auf sich warten lassen: Laut dem zum Springer-Verlag gehörenden US-Portal „Politico“ will Eralp rechtliche Schritte gegen den „Spiegel“ einleiten und auch eine Beschwerde beim Presserat einreichen.

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Halloween auf dem Sofa: Mit diesen Büchern, Filmen und Serien wird es schaurig schön

Thu, 29 Oct 2026 11:09:50 +0100

Halloween auf dem Sofa: Mit diesen Büchern, Filmen und Serien wird es schaurig schön

Die Zeiten sind gruselig, aber das muss nicht immer etwas Schlechtes sein. Zehn Empfehlungen für das Halloween-Wochenende aus der Kulturredaktion.

Von

Stand: 30.10.2026, 07:40 Uhr

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Es ist die Nacht der Toten, die des Grauens, die der Verkleidungen und der leuchtenden Kürbisse mit fletschenden Zähnen – und ein Ereignis, das auch hierzulande Wochen im Voraus seine dunklen Schatten wirft und immer größer und wichtiger und vermarktbarer wird: Halloween. Auch die Kulturwelt hat sich selbstverständlich schon intensiv damit beschäftigt, und so empfehlen wir an dieser Stelle zehn Filme, Serien und Bücher, die am Halloween-Wochenende unbedingt lohnen.

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Kunstblut und ordentlich Bass: Das sind die besten Halloween-Partys in Berlin

Wed, 28 Oct 2026 14:52:32 +0100

Kunstblut und ordentlich Bass: Das sind die besten Halloween-Partys in Berlin

Das Kostüm steht, aber die richtige Fete fehlt? Kein Problem. Am 31. Oktober hat Berlin für jeden etwas zu bieten. Unsere Event-Highlights zur gruseligsten Nacht des Jahres.

Von Ticket Redaktion

Stand: 30.10.2026, 07:40 Uhr

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Für dieses schaurige Thema haben wir extra eine Umfrage im Büro gemacht: Halloween – Hass oder Liebe? Das selbstverständlich valide Ergebnis (vier Teilnehmende) deutet eine Generationenkluft an: Kollegen und Kolleginnen Ü50 finden das Event in der Tendenz „sauer“, Jüngere „süß“.

Aber weil man dem Treiben so oder so nicht entkommt, ob im Supermarkt oder weil es dauernd an der Tür klingelt, kommt hier ein solider Party-Überblick – der vielleicht sogar Halloween-Muffel animiert. Ein verzaubertes Halloween wünscht Team Ticket!

1 Totentanz: Día de los Muertos

Im Holzmarkt wird Halloween ernst genommen: Das Festival „Día de los Muertos“ geht ganze vier Tage lang!

Im Tod sind alle gleich! Das verkörpert unvergleichlich La Catrina, die elegante mexikanische Skelettdame, ursprünglich um 1910 vom Grafiker José Guadalupe Posada entworfen als Satire auf die Oberschicht, die europäischen Moden nacheiferte und die eigenen Traditionen vernachlässigte.

Jetzt dient La Catrina als Inspo für eine angemessene Verkleidung zum Día de los Muertos Festival mit viel Musik, Workshops und Streetfood auf dem Holzmarkt-Gelände, aber auch beim Cumbia Fest. Live sind dort endlich mal wieder Kumbia Boruka dabei, die kolumbianische Cumbia mit Reggae, Dub, Tropical und Psychedelic mixen. (ipa)

2 Dunkle Parallelwelt: House of Horror

Jetzt heißt es, die Kostüm-Kiste aus dem Keller holen: dress to spook!

Eine Nacht lang finden hier allerlei geisterhafte Gestalten, Untote und verlorene Seelen einen Zufluchtsort. Die musikalische Versorgung umfasst ein Buffet aus treibendem House, pulsierendem Techno und – Spaß muss sein – tanzbaren Radio- und Mainstream-Beats.

Auch außerhalb der Tanzfläche ist man bestens versorgt: Shows und Performances sorgen für ein spooky Spektakel, und schaurig inszenierte Räume laden ein, sich in der Dunkelheit zu verlieren.

Zugegebenermaßen ist „House of Horror“ vielleicht nicht die ideale Party für das breite Spektrum an Halloween-Skeptikerinnen, Angsthasen und Horror-Muffeln. Echte Kenner hingegen sind hier definitiv an der richtigen Adresse. Pünktlich zum Höhepunkt der Spooky Season verwandelt sich der historische Fabrikkomplex, in dem die Aqua-Höfe liegen, in eine dunkle Parallelwelt.

Verkleidungen sind laut Veranstalter nicht Pflicht, lohnen sich aber (Willkommensgeschenk und Wettbewerbspreis lassen grüßen). Ach ja, unter die Feiernden mischen sich die einen oder anderen Scare-Acts – seid auf der Hut! (aba)

3 Feministisch feiern: Dolloween

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Die 2017 ins Leben gerufene Party-Reihe „hoe__mies“ stellt FLINTA*-Personen in den Vordergrund – sowohl auf der Tanzfläche als auch hinterm DJ-Pult. Jetzt steht die Halloween-Ausgabe „Dolloween“ im Kreuzwerk an. Das Line-up steht bereits: eine „internationale Delegation desaströser Diven“, bestehend aus sieben handverlesenen DJs, serviert Feierwütigen eine besonders schmackhafte Mischung.

Baile Funk, Bhangra, Afrobeat, House vermischen sich gekonnt mit Techno und ordentlich Bass. Willkommen sind alle, die ein respektvolles Miteinander schätzen und pflegen. Und das Outfit? Das sollte, dem Motto „Come dressed to kill“ zufolge, mindestens mörderisch gut aussehen. (aba)

4 Edward vs. Jacob: Twilight-Party

Am Samstag können „Twilight“-Fans ausgiebig ihrem guilty pleasure frönen, egal ob als Blutsauger oder Werwolf.

Eingefleischte „Twilight“-Fans wissen die Filmreihe als kultiges Popkultur-Gold zu schätzen. Vor allem der erste Teil schürt nicht nur wunderbare Nullerjahre-Nostalgie, sondern liefert auch einen ikonischen Indie-Soundtrack.

Bei der Twilight-Party im Lido schallen absolute Banger wie „Eyes on Fire“ von Blue Foundation, ergänzt durch Emo und Dark Pop, durch die mit reichlich Kunstnebel befüllten Räume.

Die Kostümwahl liegt auf der Hand: rote Kontaktlinsen plus Glitzer von Kopf bis Fuß („This is the skin of a killer, Bella“). Oder, als Hommage an den eigentlichen Publikumsliebling (Charlie!): Schnauzer und Flanellhemd. (aba)

5 Ganz schön gothic: Dark Masquerade Party

Öffnet ihre Türen für nächtliche Gestalten: die Heilig-Kreuz-Kirche in Kreuzberg.

Was wäre die ideale Location für „eine der größten Gothic-Partys in Berlin“? Natürlich eine gotische Kirche! Und da die wenigen „echten“ gotischen Kirchen in Berlin für einen vermutlich tanzbaren Mix aus „Gothic, EBM/Industrial und Mittelalterrock“ nicht zur Verfügung stehen, tut es auch die Heilig-Kreuz-Kirche am Halleschen Tor.

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Das neogotische Backsteingemäuer aus dem späten 19. Jahrhundert mit seiner beeindruckenden Vierungskuppel bietet ein stilvolles Ambiente für die Verkleidungsfantasien einer in Berlin seit Jahrzehnten lebendigen Subkultur-Szene. (wun)

6 Filmische Einstimmung: Horror Horror

Filmstill aus dem Kurzfilm Appliance, Olivia Erlanger, 2024.

Was wäre Halloween ohne die passende filmische Untermalung? Horror übt auf Künstler und Künstlerinnen seit jeher eine ganz besondere Faszination aus. Wie kein anderes Genre erlaubt es, sich latenten Ängsten zu nähern oder gesellschaftliche Gräuel in greifbarere Monster zu übersetzen.

Die Filmreihe „Horror Horror“ widmet sich Filmschaffenden, die Horror als Experimentierfeld nutzen. Gezeigt werden drei Kurzfilme, die einen Bogen von avantgardistischem Stummfilm-Horror („Meshes of the Afternoon“, 1943) über kontemporären Sci-Fi-Grusel (Foto: „Appliance“, Olivia Erlanger, 2024) bis hin zur hyperrealistischen Animation („La Gola“, Diego Marcon, 2024) spannen. Horror hoch drei! (aba)

7 Dracula – Blutige Anfänger

Für diejenigen, die es zu Halloween lieber humorvoll statt gruselig mögen: die Komödie Dracula – Blutige Anfänger.

Halloween mit Spaßfaktor verspricht die Komödie „Dracula – Blutige Anfänger“. So heißt die Vampirsause von Autor Peter Jordan. Ein junges Paar auf Transsylvanien-Trip gerät bei der Suche nach Insta-tauglichen Motiven in eine Schlossruine.

Hier lebt Igor (Boris Aljinović), ein leicht verhuschter Butler, der Vegetarier ist. Sowie sein Herr und Meister, der 596 Jahre alte Graf Dracula (Tonio Arango), der in einer Sinnkrise steckt.

Dazu gibt es Songs von „Sympathy for the Devil“ bis „Thriller“, mit teilweise neuen Lyrics. Ein großer Spaß! Und der geht mit dem Ensemble und der Halloween-Party im Foyer weiter. Das beste Kostüm wird prämiert! (wei)

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Wo es jetzt schon lohnt, Karten zu kaufen: Das bieten die Berliner Orchester und Opernhäuser im Advent

Thu, 29 Oct 2026 11:41:11 +0100

Wo es jetzt schon lohnt, Karten zu kaufen: Das bieten die Berliner Orchester und Opernhäuser im Advent

Wird es draußen dunkel, füllen sich die Konzertsäle. Neben den Klassikern steht in der Hauptstadt auch Ungewöhnliches auf dem Programm. Eine Übersicht

Von Udo Badelt

Stand: 30.10.2026, 07:00 Uhr

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Weihnachten ist ein Fest der Familie, des Lichts in langen Nächten – aber auch der Musik. Ein Besuch in den Konzertsälen oder Opernhäusern kann jetzt ganz besonders beglückend sein. Was wird in Berlin in den kommenden Wochen geboten? Wir geben einen Überblick über das Programm der wichtigsten Häuser.

Was geschah nach der Geburt? Berlioz’ „L’enfance du Christ“

Angesichts des Rummels, den wir jedes Jahr um Weihnachten veranstalten, ist es erstaunlich, wie wenig eigentlich bekannt ist über das, was nach Jesu Geburt passiert ist. Die Evangelien berichten noch von einer Flucht der Heiligen Familie nach Ägypten, und mit zwölf Jahren, schreibt Lukas, soll Jesus im Tempel mit den Schriftgelehrten diskutiert haben. Ansonsten tritt er erst als ca. 30-Jähriger wieder ins Licht der Weltgeschichte. In der kurzen Spanne von drei Jahren bis zur Kreuzigung vollbringt er all die Wunder und verbreitet die Lehre, die ihn zum Religionsstifter machen sollten.

Hector Berlioz, von dem im Konzertsaal sonst hauptsächlich die „Symphonie fantastique“ erklingt, hat diese Lücke in der Überlieferung zumindest ein wenig gefüllt, mit seinem Oratorium „L’enfance du Christ“ („Die Kindheit Christi“), das die Berliner Philharmoniker in der diesjährigen Adventszeit dreimal aufführen. Es schildert, wie Joseph und Maria mit dem Kind in der altägyptischen Stadt Sais im Nildelta ankommen und – erneut – keine Herberge finden, bis sie schließlich jemand einlässt.

Interessanterweise ist es ein Ismaelit, der sich erbarmt, also ein Nachfahre von Abrahams erstem Sohn Ismael, der als Stammvater der Araber gilt. So wird die Familie ausgerechnet von einem – aus späterer christlicher Sicht – Ungläubigen gerettet, und zehn Jahre später kann Jesus ins Heilige Land zurückkehren und dort das Heilswerk vollenden. „Opernhafte Dramatik, leuchtende Orchesterfarben und grandiose Chöre“ versprechen die Philharmoniker, die erstmals von Maxime Pascal geleitet werden, dem Ersten Gastdirigenten der Deutschen Oper Berlin (berliner-philharmoniker.de, 7.–19.12.).

Maxime Pascal gibt sein Debüt bei den Berliner Philharmonikern.

Die Opernklassiker

Ansonsten sind zur Weihnachtszeit natürlich die vertrauten und geliebten Klassiker geboten. Auf den Opernbühnen wären das etwa Puccinis im winterlichen Paris angesiedelte „La Bohème“ an der Deutschen Oper (11.–20.12.) und an der Staatsoper (4.12. – 2.1.). Oder Mozarts „Zauberflöte“: August Everdings legendäre Re-Inszenierung der Kulissen von Karl Friedrich Schinkel steht ebenfalls an der Staatsoper auf dem Programm (1.12.–6.1.).

Auch Humperdincks Pfefferkuchen-Epos „Hänsel und Gretel“, komponiert für die Wucht eines Wagnerschen Orchesters, gehört zu den Höhepunkten der Weihnachtszeit und läuft in Berlin in zwei verschiedenen Inszenierungen: an der Komischen Oper (6.–23.1.) und an der Deutschen Oper (23.12. sowie zweimal am 27.12.).

Szene aus „Hänsel und Gretel“ an der Komischen Oper Berlin

Wer mit seinen Kindern zuckersüßer Weihnachts- und Winterseligkeit entfliehen möchte und lieber in ferne Länder reist, hat dazu die Möglichkeit – auch an der Deutschen Oper Berlin: Für „In 80 Tagen um die Welt“ ließ sich Komponist Jonathan Dove von Jules Vernes Roman inspirieren, Peter Lund schrieb das Libretto (ab sieben Jahre, Premiere am 15.11., weitere Vorstellungen am 2., 3. und 10.12.).

Ebenfalls an der Deutschen Oper führt das Staatsballett einen weiteren Klassiker auf, ohne den keine Adventszeit auskommt: Tschaikowskys „Nussknacker“. Choreograf Christian Spuck will in seiner Neuinszenierung auf die – weniger bekannte – Originalerzählung von E.T.A. Hoffmann zurückgreifen und sich von deren literarischer und psychologischer Tiefe anregen lassen (27.11.–24.1.).

Kein Weihnachten ohne ihn: Der „Nussknacker“

Ja, der Nussknacker: Die Geschichte von der zum Leben erwachten Holzpuppe treibt alljährlich im Advent mit Gewissheit die Leute in die Konzertsäle. Viermal wird Tschaikowskys herrliche Ballettmusik im Dezember in der Philharmonie erklingen. Das Kammerorchester Unter den Linden führt sie als Familienkonzert unter der Leitung von Andreas Peer Kähler auf (5. und 20.12.), ebenso die Berliner Philharmoniker (12.12.), beide mit Ballett. Außerdem bildet die „Nussknacker“-Musik den Abschluss des Konzerts des Rundfunk-Sinfonieorchesters (23.12.). An dessen Beginn stellt Chefdirigent Vladimir Jurowski Ouvertüre, Abendsegen und Traumpantomime aus „Hänsel und Gretel“.

Festliche Chorklänge: Das Weihnachtsoratorium

Und dann natürlich: Bachs Weihnachtsoratorium („Jauchzet, frohlocket“)! Das Sinfonische Kammerorchester Berlin (18.12., Kantaten 1-3), das Orchester der Berliner Bachakademie (19.12., Kantaten 1, 2 und 6) und das Originalklangensemble Cantores minores (23.12., Kantaten 1-3) kommen damit in die Philharmonie.

Das Nonplusultra beim Weihnachtsoratorium dürfte aber der jährliche Auftritt des Thomanerchors aus Leipzig sein, der Stadt, in der Bach die zweite Hälfte seines Lebens als Thomaskantor wirkte. Im Konzerthaus am Gendarmenmarkt singen die Knaben am 5.12. die Kantaten 1, 2, 5 und 6.

Beim Familienkonzert des hauseigenen Konzerthausorchesters (19.12.) wird – also auch hier – Musik aus dem „Nussknacker“ erklingen. Das Blechbläserensemble dieses Orchesters hat ein eigenes Weihnachtskonzert am 14.12.

„Konzerthaus Brass Berlin“, die Blechbläser des Konzerthausorchesters

Jenseits der Platzhirsche: Was sonst alles im Advent erklingt

Programme, die ausgetretene Pfade rund um Weihnachten etwas verlassen, gibt es natürlich auch, etwa das Originalklangensemble „Les Accents“ mit Musik von Scarlatti und Corelli (8.12.) oder das Filmorchester Babelsberg mit den Soundtracks aus „Kevin – Allein zu Haus“ oder „Das Wunder von Manhattan“ (22.12., beide Philharmonie).

Ebenfalls dort tritt am 20.12. das Brandenburgische Staatsorchester aus Frankfurt (Oder) auf, mit weihnachtlicher Musik von Felix Mendelssohn Bartholdy und Benjamin Britten. Und am 13.12. kommen die Berliner Symphoniker mit Devid Striesow als Sprecher in die Philharmonie. Sie haben doch wieder „Hänsel und Gretel“ und den bewährten Tschaikowsky im Gepäck, allerdings nicht „Nussknacker“, sondern die „Schwanensee-Suite“.

Und für alle, die Lust haben auf einen Abstecher nach Potsdam – das ja zu jeder Jahreszeit eine Perle von Stadt ist – hier nur ein Tipp: das Weihnachtskonzert der Kammerakademie Potsdam mit Musik von Vivaldi, Bach und Leopold Mozart im Nikolaisaal am zweiten Weihnachtstag. Danach heftet sich der Blick schon auf die Silvesterkonzerte.

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Die Klassik-Tipps der Woche für Berlin: Dürfen diese Männer Franz Schubert spielen?

Wed, 28 Oct 2026 14:36:21 +0100

Die Klassik-Tipps der Woche für Berlin: Dürfen diese Männer Franz Schubert spielen?

Unbedingt! Das New Yorker Streichquartett Brooklyn Rider gastiert im Pierre Boulez Saal und weitere Konzert-Highlights.

Von Frank Weiss

Stand: 30.10.2026, 06:10 Uhr

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Seit über 20 Jahren macht das New Yorker Streichquartett Brooklyn Rider zusammen Musik. Von ihrer Experimentierfreudigkeit und Offenheit zeugt das spannende Programm bei ihrem Konzert im Pierre Boulez Saal.

Dazu haben wir zwei Liederabende im Angebot, Elektronisches mit dem RSB, zwei Schlüsselwerke von Robert Schumann und Sie erfahren, was Maler Norbert Bisky im Kammermusiksaal treibt.

Das sind unsere Klassik-Tipps der Woche.

1 Vilde Frang & das DSO

Violinistin Vilde Frang spielt Schumanns Violinkonzert.

Der berühmte Klangkosmos von Gustav Mahler, der die ganze Welt in Töne fasst, zeichnet sich bereits in seiner 1. Sinfonie ab. Verliebt in Marion von Weber, die mit einem Enkel von Carl Maria von Weber verheiratet war, schreibt er die Sinfonie in nur sechs Wochen. Wie sein Leben damals, hören wir 50 Minuten emotionaler Extreme. Als „Symphonische Dichtung“ 1889 uraufgeführt, arbeitet sie Mahler mehrmals um.

In einem emotionalen Ausnahmezustand könnte sich auch Robert Schumann befunden haben, als er 1853 sein Violinkonzert komponiert. Immer wieder mit psychischen Problemen kämpfend, lässt er sich kurz darauf in eine Klinik einweisen. Das lyrische Werk wird erst 80 Jahre später uraufgeführt. Vilde Frang spielt mit dem Deutschen Symphonie-Orchester unter Manfred Honeck. Julia Perrys „A Short Piece for Orchestra“ eröffnet den Abend.

2 Jazzik Electrolights mit dem RSB

Pianist und Dozent für digitale Künste: der Brite Zubin Kanga

KI-Einsatz beim Rundfunksinfonie-Orchester? Aber ja! Unter Vimbayi Kaziboni mit der Uraufführung von Robert Laidlows „Techno-Utopia“, einem Auftragswerk mit der BBC für Klavier, Keyboards, Stacco – einem KI-Synthesizer – und Orchester.

Der Pianist und Dozent für digitale Künste, Zubin Kanga, spielt und bedient die Elektronik. Das KI-Modell wurde am Archiv des BBC Philharmonic trainiert. Der Stacco kommt im 2. Satz zum Einsatz, indem Kanga die letzten Töne des 1. Satz neu zusammensetzt und verarbeitet. Der 3. Satz verarbeitet Fragmente, Zitate und Erinnerungen des Komponisten.

Es folgt „The Light We Carry“ des Südafrikaners Andile Khumalo und Duke Ellingtons Ballettmusik „Three Black Kings“, eine Hommage an Martin Luther King.

3 Konzerthausorchester mit Schumanns Cellokonzert

Pablo Ferrández spielt Schumanns Cellokonzert.

Robert Schumann geht es gut (siehe Tipp 1), als er 1850 sein Cellokonzert komponiert. Er wird Städtischer Musikdirektor in Düsseldorf und ist endlich einmal ohne finanzielle Sorgen. Schumann komponiert in dieser Zeit auch seine „Rheinische“ Sinfonie. Also zwei seiner beliebtesten Werke entstehen in dieser Zeit.

Die drei Sätze des „heiteren“ (Schumann!) Cellokonzerts gehen ineinander über. Es gilt als Inspiration für Saint-Saëns, Dvořák und Elgar. Mit dem Konzerthausorchester spielt der spanische Cellist Pablo Ferrández. Am Pult steht Riccardo Minasi.

Nach der Pause folgt Brahms’ 4. Sinfonie, ein Freund Schumanns. Das Konzert wird an drei Tagen gespielt.

4 Karajan-Akademie der Berliner Philharmoniker und Norbert Bisky

Norbert Bisky malt live zu Schönbergs Musik.

Ein Paar im Mondenschein. Die Frau gesteht, dass sie von einem anderen ein Kind erwartet. Arnold Schönbergs Komposition „Verklärte Nacht“ nach dem gleichnamigen Gedicht von Richard Dehmel inspiriert in dem Konzert der Karajan-Akademie der Berliner Philharmoniker nun Norbert Bisky, der malerisch live auf der Bühne reagiert.

Wir hätten allerdings auch ganz gerne gesehen, was ihm zum Stück „can you play a song with a f*cking beat?! :))“ von Sara Glojnarić einfallen würde, für das die kroatische Komponistin den Claudio-Abbado-Kompositionspreis gewonnen hat.

Außerdem: Mozarts Symphonie Nr. 40 in g-Moll in einer abgespeckten Version. Antonio Salieri führte das Werk 1791 in Wien mit 160 Musikern auf. Die Karajan-Akademie zählt gerade 30 Stipendiat:innen. (ipa)

5 Geschwisterliederleben

Mezzosopranistin Susan Zarrabi

Ihr Programm haben sie „Geschwisterliederleben“ genannt, die Geschwister Susan und Sascha Zarrabi. Sie Mezzosopranistin, er Tenor. Die Idee zu diesem ersten gemeinsamen Liederabend habe sich fast von selbst ergeben. Seit ihrer Kindheit musizieren sie zusammen.

Viele wissen, das Verhältnis zwischen Geschwistern ist meist eng, aber nicht immer rosig. Zu hören sind Lieder von Geschwistern wie Joseph und Michael Haydn oder Fanny und Felix Mendelssohn. Wie auch von den Boulanger-Schwestern Nadia und Lili. Aber auch Lieder, die das Thema als Inhalt haben, wie Robert Schumanns „Die feindlichen Brüder“.

Tenor Sascha Zarrabi

Den Auftakt macht Mozarts erstes überliefertes Lied „An die Freude“ aus dem Jahr 1768, das Sascha Zarrabi als Duett arrangiert hat. Die Lieder von Mozarts Schwester „Nannerl“ sind leider nicht überliefert. Die Zarrabis werden durch diesen schonungslosen und unterhaltsamen Abend von Gerald Huber am Klavier begleitet.

6 Liederabend mit Rachel Willis-Sørensen

Sopranistin Rachel Willis-Sørensen singt Werke von Rachmaninow, Sibelius und Strauss.

Bei ihrem Recital singt Rachel Willis-Sørensen ein Lied, zu dem sie selbst den Text geschrieben hat. Zu der Uraufführung des für sie komponierten Zyklus „Our Better Selves“ von Jeff Beal schrieb sie „How can it be!?“. Auch die anderen drei Lieder sind Gedichte von Frauen. Der Komponist persönlich begleitet am Klavier.

Dazu singt die US-Sopranistin, die im Vorjahr die Norma an der Staatsoper sang, Rachmaninows Sechs Romanzen, Fünf Lieder op. 37 von Sibelius und Werke von Strauss, darunter das wunderschöne „Morgen“. Hier am Klavier: Tamar Sanikidze.

7 Brooklyn Rider

Das Streichquartett Brooklyn Rider wurde vor 21 Jahren gegründet.

Würden die vier Herren auf dem Foto gleich ihre Stromgitarren in die Hand nehmen und darauf intelligenten Avantgarde-College-Rock schrammeln, wäre man nicht verwundert. Sie merken, hier ist viel Konjunktiv im Spiel. Vielmehr sehen Sie hier das Streichquartett Brooklyn Rider aus – Sie ahnen es – New York.

Im Vorjahr feierte das Ensemble 20-jähriges Bestehen. Alles begann mit vier Freunden in einem Wohnzimmer, wie sie auf ihrer Website schreiben. Mit Johnny Gandelsman, Colin Jacobsen (beide Violine) und Nicholas Cords (Viola) sind noch drei Gründungsmitglieder dabei. Cellist Michael Nicolas ersetzte vor elf Jahren Jacobsens Bruder Eric.

Der Name Brooklyn Rider leitet sich von der expressionistischen deutschen Künstlervereinigung „Der Blaue Reiter“ ab, die sie für ihre Freiheit und Offenheit bewundern. „Es gibt viele Aspekte, in denen Brooklyn Rider kein typisches Streichquartett ist: die fröhliche Missachtung traditioneller Genregrenzen, die mühelose Lässigkeit in einer jahrhundertealten Kunstform, das Engagement für die Welt im weiteren Sinne und für Politik“, schrieb die „New York Times“ zum 20. Jubiläum.

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Menschen würden sich immer mehr in Nischen zurückziehen, sagte Colin Jacobsen damals. „Man braucht also Spezialisierung, um den Lärm zu durchbrechen und die Aufmerksamkeit der Menschen zu gewinnen. Aber das tun wir nicht. Wir sind bei diesem offenen Ansatz geblieben.“ Sie haben bereits mit Star-Cellist Yo-Yo Ma, Sopranistin Anne Sofie Otter und Jazz-Saxofonist Joshua Redman zusammengearbeitet. Eine enge Verbindung gibt es zu Komponist Philip Glass, dessen Streichquartette zentraler Bestandteil ihres Repertoires sind.

Diese Experimentierfreudigkeit spiegelt sich in ihrem Programm im Pierre Boulez Saal, das sich über ein Jahrtausend erstreckt und zwischen Licht und Schatten bewegt. Den Auftakt machen eine Auswahl der Zwölf Präludien für Klavier von Galina Ustwolskaja (1919-2006), die das Ensemble für Streichquartett bearbeitet hat. Die oft asketischen Werke der eigenwilligen Schülerin Schostakowitschs passten in keine Schublade und den Sowjet-Diktatoren schon gar nicht. Auch György Ligeti hatte in Ungarn Probleme, seine Werke aufzuführen. Brooklyn Rider spielen sein erstes Streichquartett „Métamorphoses nocturnes“, das in der Tradition Bartóks steht. Es folgt Hildegard von Bingens 1000 Jahre alte Antiphon „Caritas abundat in omnia“ („Alles ist erfüllt von Liebe“).

Im Zentrum steht Franz Schuberts letztes, rund 45 Minuten langes Streichquartett G-Dur. Das fast sinfonische Werk wurde 20 Jahre nach seinem Tod uraufgeführt und erntete damals aufgrund seiner Radikalität und seines steten Dur-Moll-Wechsels Unverständnis.

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Bekannt als Captain Picard aus „Star Trek“: Schauspieler Patrick Stewart ist tot

Thu, 29 Oct 2026 21:11:53 +0100

Bekannt als Captain Picard aus „Star Trek“: Schauspieler Patrick Stewart ist tot

Der aus „Star Trek“ und „X‑Men“ bekannte Schauspieler Stewart litt an einer Alzheimer-Erkrankung. Nun ist er gestorben.

Stand: 29.10.2026, 23:06 Uhr

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Der unter anderem als „Star Trek“-Captain Picard und durch die „X-Men“-Filme bekannte Schauspieler Patrick Stewart ist tot. Stewart starb am Mittwoch im Alter von 86 Jahren in seinem Haus in Los Angeles, wie es in einer am Donnerstag verbreiteten Mitteilung hieß. Vorangegangen sei „eine kurze und heftige“ Alzheimer-Erkrankung.

„Er wurde in der warmen Umarmung von Familie und Freunden gehalten, umgeben von Live-Musik, Gebet, Tränen, Lachen und der Art von tiefer Emotion, wie nur er sie nach ein Leben langem Engagement für uns alle inspirieren konnte“, teilte seine Sprecherin mit.

Shakespeare-Liebhaber und Raumschiff-Kommandeur

Der gebürtige Brite Stewart hatte schon als Jugendlicher in Theatergruppen gespielt, bevor er an die Schauspielschule nach Bristol ging. Für Rollen als romantischer Held war Stewart wegen seiner frühzeitigen Kahlköpfigkeit nicht geeignet, stattdessen wandte er sich vor allem klassischen Rollen zu und wurde 1966 Mitglied der Royal Shakespeare Company, der er lange Jahre treu blieb.

Ab den 70er-Jahren spielte Stewart auch in britischen Fernsehfilmen und ‑serien mit, unter anderem ist er im beliebten Weihnachtsfilm „Der kleine Lord“ als Reitlehrer Wilkins zu sehen. 1987 schließlich wurde er für die Rolle des Raumschiff-Kommandeurs Jean-Luc Picard in „Raumschiff Enterprise – Das nächste Jahrhundert“ gecastet. Als Professor Charles Xavier spielte er in den vergangenen Jahren in zahlreichen „X-Men“ und Marvel-Filmen mit.

Als Jean-Luc Picard hatte Stewart 2020 mit Ende 70 noch einmal ein Comeback gefeiert. In der TV-Serie „Star Trek: Picard“ war der Brite noch einmal der aufrichtige, zuverlässige und manchmal etwas steife französische Kultkapitän. Bis 2002 hatte er diese Rolle in der ursprünglichen Serie mit dem feinen englischen Akzent 15 Jahre lang in sieben TV-Staffeln und vier Kinofilmen gespielt. Die Star-Trek-Fans betrauerten in dieser Woche bereits den Tod von Walter Koenig, der Pavel Chekov in der Originalserie gespielt hatte.

Seine sonore Stimme und sein einzigartiges Talent werden für immer mit unauslöschlichen Darbietungen in allen Genres verbunden sein.

Auszug aus der Stellungnahme

In der Stellungnahme zu Stewarts Tod wurde aus seinen Memoiren zitiert. „Wie ich hat auch Jean-Luc ein ungewöhnliches Leben geführt, das ihn weit über die Grenzen der normalen menschlichen Erfahrung hinausgeführt hat“, schrieb er in „Making it So“. „Aber er ist auch jemand, der seinen irdischen Wurzeln treu geblieben ist, denn sie sind es, die ihm seine Identität verliehen haben. Am Ende spürt er den Ruf der Heimat, genau wie ich.“

„Seine sonore Stimme und sein einzigartiges Talent werden für immer mit unauslöschlichen Darbietungen in allen Genres verbunden sein“, hieß es in der Erklärung. „Er hat die menschliche Verfassung in all ihrer poetischen Komplexität erkundet und Hoffnung nicht nur in die weiten Fernen des Marvel Cinematic Universe gebracht, sondern an Bord des Raumschiffs Enterprise auch an die ikonischste äußerste Grenze der Science Fiction.“

Weltweit bekundeten Wegbegleiterinnen und Wegbegleiter sowie Millionen Fans ihre Trauer. William Shatner, Schauspieler und Captain der ersten Enterprise, teilte mit: „Was für eine herzergreifende Woche das gewesen ist. Sir Patrick Stewart war ein Freund, ein Kollege und ein großartiger Schauspieler. Von der Bühne bis zur Brücke der Enterprise brachte er Intelligenz, Anmut und ein tiefes Gefühl von Menschlichkeit in alles ein, was er tat. Captain Picard stand für das Beste in uns, und das galt auch für den Mann, der ihn spielte. Ich war erfüllt von Zuneigung und Bewunderung für ihn und seine Arbeit.“

Auch Schauspieler Hugh Jackman, Co-Star in „X-Men“ würdigte Stewart: „Wir haben heute einen der Großen von Bühne und Leinwand verloren. Ich habe so viel von ihm gelernt. Ich werde dich, Patrick Stewart, für den Rest meiner Tage vermissen.“

George Takei, Schauspieler, Co-Star der ersten Enterprise-Serie, ließ wissen: „Fans auf der ganzen Welt trauern um das Ableben einer echten und unersetzlichen Legende. Als Captain Jean-Luc Picard steuerte Patrick Stewart das Raumschiff Enterprise an Orte, die es noch nie zuvor erreicht hatte, und er inspirierte eine ganze nächste Generation von Sternguckern, die sehnsüchtig vorausschauten in eine hellere Zukunft für die gesamte Menschheit.“

Stewarts letztes Werk, der neue Marvel-Superheldenfilm „Avengers: Doomsday“, soll im Dezember in die Kinos kommen und dürfte nun erst recht zu einem Ansturm von Fans führen. Darin spielt Stewart ein letztes Mal den Professor Xavier aus den „X-Men“-Filmen.

Privat lebte Sir Patrick im New Yorker Stadtteil Brooklyn in dritter Ehe mit der 38 Jahre jüngeren Musikerin Sunny Ozell zusammen, die bis zuletzt an seiner Seite war. Noch vor der Leinwand- und TV-Karriere war es das Theater, was ihn begeisterte – und auch ein Leben lang begleitete. 2010 wurde er von Queen Elizabeth II. zum Ritter geschlagen. (AFP, dpa, Tsp)

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Neue Satire-Show „Journal Deluxe“ im ZDF: Florian Schroeder jagt durch die 40 Minuten Sendezeit, als sei der Teufel hinter ihm her – vergeblich

Thu, 29 Oct 2026 20:25:28 +0100

Neue Satire-Show „Journal Deluxe“ im ZDF: Florian Schroeder jagt durch die 40 Minuten Sendezeit, als sei der Teufel hinter ihm her – vergeblich

Die Aufregung um die neue Satireshow war schon vorher groß. Nun ist die erste Ausgabe in der ZDF-Mediathek zu sehen. Skandalös ist nichts daran.

Von Gunda Bartels

Stand: 29.10.2026, 20:25 Uhr

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War ja klar, dass sich der Aufregerfaktor in der ersten Ausgabe der neuen ZDF-Satire-Show „Journal Deluxe“ in Grenzen hält. So viel, wie sich im Vorfeld schon aufgeregt wurde.

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Martina Hefters Roman „Nach der Sonne schauen“: Sie hat sich die Deutungshoheit zurückerobert

Wed, 28 Oct 2026 12:01:47 +0100

Martina Hefters Roman „Nach der Sonne schauen“: Sie hat sich die Deutungshoheit zurückerobert

Nach dem Gewinn des Deutschen Buchpreises 2024 veröffentlicht Martina Hefter einen weiteren umwerfend ruhigen, atmosphärenstarken und schönen Roman.

Von Meike Feßmann

Stand: 29.10.2026, 18:25 Uhr

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Wer sich im Gebirge verläuft, sollte ruhig bleiben und nach der Sonne schauen. So hat es Ilona Bartschok gelernt, die Ich-Erzählerin dieses atmosphärenstarken Romans. Doch gilt das noch? Kann man sich auf die Sonne verlassen, sich an ihr und den Sternen orientieren, an der Natur? Oder sind die natürlichen Navigationssysteme hinfällig, seit der Mensch das Unterste zuoberst gekehrt hat und beim Blick in den Himmel längst nicht mehr an Kants „bestirntem Himmel über mir“ denkt, sondern an die Starlink-Satelliten von Elon Musk?

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Nachruf auf Elke Sommer: Die atemberaubende Blondine

Thu, 29 Oct 2026 15:13:07 +0100

Nachruf auf Elke Sommer: Die atemberaubende Blondine

Elke Sommer wurde per Zufall fürs Kino entdeckt und stieg in Hollywood zum Star auf. Nun ist sie mit 85 Jahren gestorben.

Von Christian Schröder

Stand: 29.10.2026, 15:13 Uhr

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Zwei Liebende als Silhouette. Eng umschlungen küssen sie sich, durch die Hotelgardinen hinter ihnen fällt bläuliches Licht. Sein Profil ist kantig, an ihrem Ohr funkelt Goldschmuck. Bei ihm handelt es sich unverkennbar um Paul Newman.

„Aber wer ist die atemberaubende Blondine?“, fragt die Stimme aus dem Off. „Es kann keine andere sein als der verführerische neue Star Elke Sommer.“ Wobei Elke in der amerikanischen Aussprache eher wie „Elka“ klingt.

Der Trailer verspricht nicht zu viel. „Der Preis“ war der erste Film, den Elke Sommer in Hollywood gedreht hat. Er markierte 1963 ihren internationalen Durchbruch. Ihre machohafte Beschreibung als betörende Blondine passt zu ihrem Image einer „Sexbombe“, dem sie lange nicht entkommen sollte.

In „Der Preis“ landet sie schnell mit Newman im Bett. Er spielt einen Alkoholiker und Frauenhelden, der nach Stockholm kommt, um den Literaturnobelpreis entgegenzunehmen. Sie heißt Lisa Andersson und soll ihn im Auftrag des schwedischen Außenministeriums von Abstürzen abhalten. Die Liebelei wird zum Spionagethriller, als Sowjetagenten den von Edward G. Robinson dargestellten Physiknobelpreisträger entführen. Mitten in der Schusslinie: der Schriftsteller und seine Begleiterin.

Nach dem Fräuleinwunder

Eigentlich war die Zeit der Fräuleinwunder in Hollywood schon vorbei, als Elke Sommer dort berühmt wurde. Der Begriff ist mit der unmittelbaren Nachkriegszeit verbunden, mit G.I.s, die in Ruinenstädten mit deutschen Fräuleins ausgingen und sie mit Nylonstrümpfen beschenkten. Deutschsprachige Darstellerinnen wie Hildegard Knef, Cornell Borchers oder Maria Schell machten in amerikanischen Filmen mehr oder weniger Furore.

Einer ihrer stärksten Auftritte: Elke Sommer mit Peter Sellers in der Krimikomödie „Ein Schuss im Dunklen“ (1964).

Elke Sommers Markenzeichen waren ihre blonden Haare, manchmal türmte man sie zu einem unfassbaren tortengroßen Dutt auf. Die Schauspielerin war prädestiniert auch für alberne Rollen. Zu ihren besten Filmen gehört Blake Edwards Krimikomödie „Ein Schuss im Dunkeln“ aus der Pink-Panther-Reihe.

Da ist sie mit Peter Sellers zusammengespannt, dem trotteligen Trenchcoat-Inspektor Clouseau. Ihre Ermittlungen führen bis in ein Nudisten-Camp. Gleich danach – ebenfalls 1964 – drehte sie in Kroatien den Karl-May-Western „Unter Geiern“, mit Pierre Brice, aber ohne Lex Barker.

Pfarrerstochter aus Erlangen

Zur Welt kam Elke Sommer 1940 in Berlin, als einziges Kind des evangelischen Pfarrers Peter Schletz und seiner Frau Renate Topp. Aufgewachsen ist sie in Erlangen am Rand der Fränkischen Schweiz, wohin die Familie evakuiert worden war.

Später bezeichneten die Journalisten Oswalt Kolle und Siegfried Sommer sie wegen ihrer bildungsbürgerlichen Herkunft abschätzig als „Erlanger Pfarrerstochter“. Dass attraktive Frauen auch Bücher lasen, hielten sie offenbar für ausgeschlossen.

Als Au-pair-Mädchen in London durchlief Sommer eine Fremdsprachenausbildung. Sie beherrschte sechs Sprachen und wollte ursprünglich Dolmetscherin werden. Mit 18 Jahren wurde sie während eines Urlaubs in Italien zur „Miss Viareggio“ gewählt. Der Regisseur Vittorio De Sica holte sie in die Cinecittà von Rom, wo sie für drei Filme vor der Kamera stand. Einer trägt den schönen Titel „Ragazzi del juke box“.

Comeback im deutschen Kino: Elke Sommer als Miezi in Wolfgang Petersens Psychothriller „Einer von uns beiden“ (1974).

Ihren Nachnamen wechselte sie von Schletz zu Sommer. Bald darauf bekam sie vom Berliner Filmproduzenten Arthur Brauner einen Dreijahresvertrag. Ihr deutsches Kino-Debüt gab sie in einem der stärksten Filme jener Jahre, in Georg Tresslers B.-Traven-Romanadaption „Das Totenschiff“, einem Film noir in Häfen und auf hoher See mit Horst Buchholz. Ein rasanter Aufstieg.

Tête-à-Tête vor nächtlicher Kulisse. Elke Sommer sitzt 1963 mit einem Fernsehreporter des Bayerischen Rundfunks in ihrem Haus bei Erlangen. Auf dem Tisch flackert eine Kerze, sie trinken Kognak, der Blick geht in den dunklen Garten. Sie soll dem Journalisten von ihrem Glück erzählen, darüber, wie sie es nach Hollywood geschafft hat.

Es begann, sagt die Schauspielerin, mit ihrem Film „Das Mädchen und der Staatsanwalt“, dessen Auslandsrechte von einem US-Produzenten gekauft wurden. Dadurch wurde das Filmstudio Metro-Goldwyn-Mayer auf sie aufmerksam, das eine Hauptdarstellerin für sein Nobelpreisdrama „Der Preis“ suchte.

Langes Eheglück: Elke Sommer war seit 1993 mit dem Hotelier Wolf Walther verheiratet. Hier sind sie 2021 bei der Verleihung der „Goldenen Sonne“.

Sommer ist charmant, aber auch kampfeslustig. Vorwürfe der Boulevardpresse weist sie zurück: „Ich habe in meinem Leben noch nie einen Skandal gemacht und habe nie etwas getan, um dadurch Publicity zu bekommen.“ Manche Deutsche gönnen ihr den Erfolg im Ausland nicht, sie versucht, die Kontrolle über ihr Image zurückzugewinnen. Und der Reporter freut sich, dass es bei ihr „so gemütlich“ sei.

Elke Sommer hat rund hundert Kino- und Fernsehfilme gedreht, zwei Dutzend davon waren Hollywood-Produktionen. Sie pendelte zwischen Amerika und Deutschland. Ein bemerkenswertes Comeback im deutschen Kino schaffte sie 1974 in Wolfgang Petersens Psychothriller „Einer von uns beiden“. Ein Duell vor Westberliner Kulisse, sie spielt Miezi, die Freundin eines Studienabbrechers, der einen Professor wegen eines Plagiats erpresst.

Beherzter Beat-Schlager

Die Schauspielerin hat auch gesungen, der Komponist Gert Wilden versuchte, sie in den Sechzigerjahren zur Pop-Chanson-Nachfolgerin von Hildegard Knef aufzubauen. Das misslang, aber immerhin hinterlässt sie Songs wie „Hey, hey, hey, ich suche einen Boy“. Ein beherzter Beat-Schlager, in dem sie barmt: „Ja, wenn ich einen wüsste, der mich küsst / Der mit mir tanzen geht und auch mein Herz versteht.“

Elke Sommer war zweimal verheiratet, von 1964 bis 1981 mit dem amerikanischen Schriftsteller Joe Hyams und ab 1993 mit dem Hotelier Wolf Walther bis zu dessen Tod im Juli dieses Jahres. Nun ist sie selbst gestorben, in ihrem Haus in Los Angeles. Als Todesursache wird Herzinsuffizienz genannt. Sie wurde 85 Jahre alt.

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Theater des Westens: Wie geht es nach der Intendanz von Peter Plate und Ulf Leo Sommer weiter?

Thu, 29 Oct 2026 14:41:46 +0100

Theater des Westens: Wie geht es nach der Intendanz von Peter Plate und Ulf Leo Sommer weiter?

Ende April läuft der Mietvertrag von Peter Plate und Ulf Leo Sommer aus. Noch ist unklar, ob die erfolgreichen Musicalmacher am TdW weiterarbeiten können.

Von Gunda Bartels

Stand: 29.10.2026, 14:41 Uhr

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Pünktlich zur Premiere des neuen Musicals „Salon Rosie“ von Peter Plate und Ulf Leo Sommer am Freitagabend im Theater des Westens kocht nun auch die Frage zur Zukunft des Hauses an der Kantstraße hoch.

Das Komponistenduo, das dem Theater des Westens 2021 mit der Bühnenadaption der ZDF-Serie „Ku’damm 56“ einen Publikumserfolg bescherte und seither die ebenfalls populären Musicals „Ku’damm 59“, „Romeo & Julia – Liebe ist alles“, „Die Amme“, „Weihnachten mit Bibi & Tina“ und zuletzt „Wir sind am Leben“ dort herausgebracht hat, muss Ende April vorerst das Haus verlassen.

Der mit dem Hauptmieter Stage Entertainment abgeschlossene Mietvertrag der Intendanten Plate und Sommer, die mit ihrem Privatvermögen für den aufwendigen Betrieb haften, läuft Ende April aus. „Salon Rosie“, ein Spin-off der 90er-Jahre-Geschichte von „Wir sind am Leben“, ist also vorerst die letzte Eigenproduktion der beiden.

Vor dem Einstieg der einstigen Rosenstolz-Musiker und Songschreiber Plate und Sommer hat der Musicalkonzern Stage Entertainment das Theater des Westens bespielt. Allerdings mit weit weniger Erfolg. Plate und Sommer gelang es, mit mehr Berliner Lokalkolorit und ihrer speziellen Musical-Farbe, die immer etwas nach Rosenstolz klingt und auch Songs der Band zitiert, ein ganz neues, jüngeres Publikum ins Haus zu holen. Und auch schwarze Zahlen mit ihren Ticketverkäufen zu schreiben. Der Mietvertrag von Stage Entertainment mit dem Land Berlin läuft Ende 2027 ohnehin aus.

Das Theater des Westens an der Kantstraße feiert dieses Jahr 130. Geburtstag.

„Dass wir ab Mai nicht mehr hier sind, bricht uns ein bisschen das Herz“, hat Peter Plate am Donnerstag im Inforadio des RBB gesagt. Er hoffe aber, dass der Vibe des Hauses jetzt nicht abreiße und man dann im Januar 2028 weitermachen könne.

Tatsächlich haben sich Peter Plate und Ulf Leo Sommer mit einem Konzept für die Jahre 2028, 2029 und 2030 sowohl beim Land Berlin als auch bei Stage Entertainment beworben. Sie möchten ihre Arbeit gern als Mieter des Hauses fortführen, das dieses Jahr seinen 130. Geburtstag feiert. Entweder wie gehabt als Untermieter der Stage oder als Hauptmieter der Immobilie, die dem Land gehört. Zu diesen Bewerbungen liegen weder von Stage Entertainment noch vom Land Berlin bisher eine Zu- oder Absage vor, heißt es aus dem Theater des Westens.

Wir sind hoffnungsvoll, dass es ab 2028 für uns im Theater des Westens weitergehen kann.

Peter Plate und Ulf Leo Sommer

In einem Gespräch mit dem RBB-Radio Drei haben sich Plate und Sommer am Dienstag zuversichtlich gegeben. „Wir sind sehr hoffnungsvoll, dass es ab 2028 für uns im Theater des Westens weitergehen kann.“ Plate und Sommer hätten das Haus gern lückenlos bespielt, nur sei man für den Zeitraum ab Mai 2027 nicht mit Stage Entertainment handelseinig geworden.

Die Sprecherin der Senatskulturverwaltung, Britta Elm, teilt auf Anfrage mit, dass die Berliner Immobilienmanagement GmbH BIM ab Ende 2027 eine befristete Interimsnutzung des Hauses durch verschiedene Interessenten prüfe, für das außerdem ein Sanierungsplan erstellt werde. Dieser sehe auch eine vorübergehende Schließung vor.

Ein Café des Westens im Theater

Bei positiven Zuschlägen für ihr Konzept, stellen sich die Musicalmacher Plate und Sommer ab 2028 nach wie vor einen selbst finanzierten Musiktheaterbetrieb mit Extras vor, der ohne Subventionen auskommt. „Wir träumen davon, im Spiegelsaal des Theaters ein Café des Westens aufzumachen“, hat Peter Plate im Inforadio erzählt. Außerdem sollten die Produktionen, die idealerweise weiterhin einen Berlin-Bezug haben, häufiger wechseln.

Das müssen auch nicht immer Eigenschöpfungen sein, die für Plate und Sommer bisher günstiger auf die Bühne zu bringen sind. Im neuesten, „Salon Rosie“, erzählen sie die in der DDR spielende Vorgeschichte der Friseurin Rosie aus dem Nach-Wende-Musical „Wir sind am Leben“, die erneut der hauseigene Star Steffi Irmen spielt.

Stepan Jaekel, der Sprecher von Stage Entertainment, sagt, dass für den Zeitraum von Mai 2027 bis zum Jahresende Planungen für Aufführungen „mit verschiedenen Partnern“ laufen, aber noch nichts davon spruchreif sei. Stage Entertainment ist seit Mitte 2003 Mieter des Theaters und laut Jaekel sei eine Fortführung des Mietverhältnisses durchaus vorstellbar. „Alle Parteien sind lösungsorientiert und ergebnisoffen“, teilt Jaekel mit. Vieles sei in der Schwebe und damit vieles noch möglich. Grundsätzlich herrsche bei Stage Entertainment eine große Wertschätzung von Peter Plate und Ulf Leo Sommer, die sich jetzt erst mal auf die anstehende Premiere konzentrieren.

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„Sinnbild ihrer Kultur-Kahlschlaghammer-Politik“: AfD will Zuschuss für Theater Magdeburg senken

Thu, 29 Oct 2026 12:19:51 +0100

„Sinnbild ihrer Kultur-Kahlschlaghammer-Politik“: AfD will Zuschuss für Theater Magdeburg senken

Im vergangenen Jahr wurde es noch zum „Theater des Jahres“ gewählt. Jetzt will die AfD in der Landeshauptstadt die Zuschüsse senken. Es ist nicht der erste Vorstoß für eine andere Kulturförderung.

Stand: 29.10.2026, 13:34 Uhr

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Die AfD-Fraktion im Magdeburger Stadtrat will den jährlichen Zuschuss für das Theater der Landeshauptstadt deutlich senken. Angesichts der finanziellen Situation der Landeshauptstadt müsse die Frage erlaubt sein, ob die heutige Struktur auf Dauer in dieser Form finanzierbar sei, heißt es in einer Mitteilung der AfD.

Die Fraktion hat für die nächste Stadtratssitzung Anfang November einen entsprechenden Antrag vorgelegt, gegen den sich allerdings bereits breiter Protest im Stadtrat regt.

Nicht der erste Vorstoß zur Veränderung von Kulturförderung

Das Theater koste den Steuerzahler jährlich 37 Millionen Euro und nehme selbst lediglich 4 Millionen Euro ein. Ziel dürfe zwar nicht die Schließung des Theaters sein. Es müsse aber geprüft werden, ob Magdeburg dauerhaft sämtliche künstlerischen Angebote mit eigenen vollständigen Strukturen produzieren müsse.

In der Vergangenheit hat es seitens der AfD in Magdeburg und auch in Sachsen-Anhalt immer wieder Vorstöße gegen die Kultur- und Theaterlandschaft gegeben. Vor gut einem Jahr wollte die AfD-Fraktion im Magdeburger Stadtrat eine Förderrichtlinie so ändern, dass nur diejenigen Projekte antragsberechtigt sein sollten, die eine verpflichtende Erklärung zu parteipolitischer Neutralität abgeben sollten.

Der Antrag wurde abgelehnt. Im Sommer wollte die AfD-Landtagsfraktion staatliche Fördergelder an ein „Bekenntnis zu Staat, Demokratie und deutscher Kultur“ binden. Auch dieser Antrag wurde abgelehnt.

Theater blickt mit Sorge auf die Pläne

Das Theater Magdeburg war im vergangenen Jahr zum „Theater des Jahres“ gewählt worden. Es sieht die Pläne mit Sorge. Der Antrag ziele auf eine wesentliche Veränderung mit einschneidenden Konsequenzen für das Theater Magdeburg als Mehrspartenhaus ab, sagte Verwaltungsdirektorin Bettina Pesch. „Strukturelle Kürzungen würden unweigerlich die Schließung ganzer Sparten bedeuten.“ Einsparungen ohne massiven Personalabbau wären in dieser Größenordnung nicht möglich.

Das hätte Folgen für die Publikumsresonanz, Zuschauerzahlen sowie die Arbeitsfähigkeit und künstlerische Weiterentwicklung der einzelnen Sparten. Neben Zuschüssen der Stadt bekommt das Theater auch Zuschüsse aus dem Landeshaushalt. Die Staatskanzlei wies darauf hin, dass der laufende Vertrag noch bis Ende 2028 gelte. „Die Rahmenbedingungen des Grundgesetzes, der Landesverfassung und des Kulturfördergesetzes müssen natürlich gewahrt und das Landesinteresse gegeben sein“, sagte eine Sprecherin der Staatskanzlei.

Fraktionen kritisieren AfD-Vorstoß

Auch aus den Stadtratsfraktionen gibt es bereits Widerspruch gegen die AfD‑Pläne. „Der Antrag der AfD ist Sinnbild ihrer Kultur-Kahlschlaghammer-Politik“, sagte der Linken-Fraktionsvorsitzende und Finanzpolitiker Noah Biswanger. Die Fraktion von SPD/Tierschutzallianz/Volt sieht die Pläne als existenzgefährdend für das Theater. „Die Auszeichnung als Theater des Jahres 2025 zeigt die auch überregionale hohe Wahrnehmung und Wertschätzung unseres Stadttheaters.“

Die Gartenpartei teilte mit, es werde keine Zustimmung bei Einsparungen in den Bereichen Kultur und Sport oder zulasten von Rentnern, Kindern oder Jugendlichen geben.

Die Diskussion um die Kürzungen fällt in eine heiße Debatte um den Haushalt der Landeshauptstadt. Seit Jahren kämpft Magdeburg mit einem nicht ausgeglichenen Haushalt. In einem Haushaltsplanentwurf fehlen derzeit 47 Millionen Euro. Der Stadtrat soll am 5. November über das Konsolidierungskonzept entscheiden, am 7. Dezember über den Haushalt für 2027. (dpa)

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Graphic Novel „Das Geheimnis des Jüdischen Krankenhauses“: Im Schatten der Deportationen

Thu, 29 Oct 2026 11:36:50 +0100

Graphic Novel „Das Geheimnis des Jüdischen Krankenhauses“: Im Schatten der Deportationen

Als eine von wenigen jüdischen Familien überlebten Klaus Zwilsky und seine Eltern den Nationalsozialismus mitten in Berlin. Der Comiczeichner Gilad Seliktar hat diese besondere Geschichte festgehalten.

Von Lars von Törne

Stand: 29.10.2026, 11:36 Uhr

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Die Bilder wirken verwaschen und diffus, wie Szenen aus einem Traum, an den man sich nur noch schemenhaft erinnert. Es sind die Erinnerungen des 94-jährigen Klaus Zwilsky an seine Jugend in Berlin, die der Zeichner Gilad Seliktar mithilfe der Monotypie zu Papier gebracht hat, einer manuellen Drucktechnik, bei der Zufallselemente das Erscheinungsbild prägen.

Gemeinsam haben der in Kalifornien lebende Rentner und der 1977 in Israel geborene Künstler eine der außergewöhnlichsten Überlebensgeschichten aus der Zeit des Nationalsozialismus anschaulich gemacht. Das Buch „Das Geheimnis des Jüdischen Krankenhauses“ ist kürzlich auf Deutsch bei C. H. Beck erschienen.

Die Graphic Novel reiht sich in eine Reihe von Comics ein, die in den vergangenen Jahren Lebensgeschichten von Überlebenden des Holocausts und anderer Genozide erzählten, basierend auf den Begegnungen von Zeichnern und Zeitzeugen. Die Geschichten entstanden im Rahmen des internationalen Projekts „Survivor-Centred Visual Narratives“ an der University of Victoria in British Columbia, zu dem auch ein Team aus Wissenschaftlern und anderen Fachleuten gehört.

Gilad Seliktar und Klaus Zwilsky in einer Szene aus der Graphic Novel „Das Geheimnis des Jüdischen Krankenhauses“.

Seliktar war bereits an der Comicanthologie „Aber ich lebe“ beteiligt, die 2022 im Rahmen dieses Projekts erschienen ist. Dafür zeichnete er die Überlebensgeschichte zweier jüdischer Brüder unter der Besatzung durch die Nationalsozialisten in den Niederlanden nach. Der Künstler unterrichtet als Dozent an der Bezalel Academy of Arts and Design in Jerusalem. Seine Arbeitsweise kombiniert verschiedene Techniken, was sehr gut zu dieser Art der Geschichtsaufarbeitung passt.

In skizzenhaften Bildfolgen erzählt der Zeichner von seinem mehrtägigen Besuch bei Zwilsky und dessen Frau in Kalifornien sowie von Recherchen vor Ort in Berlin im Jahr 2023. Diese Szenen sind in warmen Pastellfarben koloriert.

Das visuelle Gegenstück dazu bilden Zwilskys Erinnerungen. Seliktar zeichnete sie mit kühl wirkenden blauen Linien in einem streng naturalistischen Stil und druckte sie als Monotypien. Die Technik bewegt sich zwischen Malerei, Zeichnung und Grafik und erzeugt Texturen, die unvollkommen und fragil wirken.

Im Wechsel dieser beiden Stile erzählen Seliktar und Zwilsky auf rund 150 Comicseiten eine ungewöhnliche Lebensgeschichte. Das Besondere an Zwilskys Biografie: Er und seine Eltern konnten als Juden im Zentrum der NS-Macht überleben, ohne dauerhaft untertauchen zu müssen.

Der Vater galt den Nationalsozialisten offenbar als so wichtig, dass sie ihn, seine Frau und ihren Sohn nicht in ein Konzentrationslager deportierten, wie es mit einem Großteil von Zwilskys Familie geschah. Zwilskys Vater arbeitete als Apotheker in leitender Stellung am Jüdischen Krankenhaus in Berlin-Gesundbrunnen. Warum die Nationalsozialisten dieses Krankenhaus nicht schlossen wie nahezu alle anderen jüdischen Einrichtungen in Deutschland, ist bis heute nicht restlos geklärt.

Das Jüdische Krankenhaus versorgte unter anderem die Juden medizinisch, die die Nationalsozialisten noch nicht in Konzentrationslager gebracht hatten. Zum anderen wurde es in den letzten Jahren des Nazi-Regimes Teil des Deportationsapparats und Sammelpunkt für Menschen, die in die Vernichtungslager gebracht werden sollten.

Für Klaus Zwilsky und die Kinder der anderen jüdischen Beschäftigten war das Krankenhaus Schutzraum und Gefängnis zugleich.

Seit 1942 war die Gestapo im Haus präsent, Patienten und Mitarbeiter wurden verhaftet und in Konzentrationslager gebracht. Die Klinikleitung um den Krankenhausdirektor Walter Lustig arbeitete mit den Behörden zusammen, um den Betrieb aufrechtzuerhalten. Sie schützte manche, setzte aber andere auf Deportationslisten, um, wie es hieß, Gesunde zu retten. Gutachter konnten Deportationen zwar teilweise verhindern oder verzögern, mussten aber auch Listen von Patienten und Personal erstellen. 1944 richtete die Gestapo auf dem Gelände ein Sammellager in der Pathologie ein.

In Momentaufnahmen zeigt Seliktar am Beispiel der Familie Zwilsky, wie der NS-Terror das Leben der Juden in Berlin mehr und mehr prägte. Im September 1943 musste die Familie ihre Wohnung räumen und in ein Zimmer des Krankenhauses ziehen. Die Mutter wurde zur Zwangsarbeit in den Siemens-Rüstungswerken verpflichtet. Dem Jungen war als Jude der Schulbesuch verboten. Stattdessen half er dem Krankenhausgärtner bei der Gartenpflege und spielte mit den Kindern der anderen im Krankenhaus arbeitenden Juden.

Der Zeichner vermittelt so einen absurden, unwirklichen und zugleich sehr realen Alltag, der immer wieder bedrohlich wurde. Er visualisiert Schlüsselszenen aus Zwilskys Erinnerungen, die lange nachwirken. Dazu gehört der Abschied von den geliebten Cousins und deren Eltern, die 1943 von der Gestapo mit einem Lastwagen in ein Sammellager gebracht wurden, um von dort in ein Konzentrationslager deportiert und ermordet zu werden.

Eine andere Szene zeigt die Flucht der jüdischen Kinder in den weitläufigen Keller des Krankenhauses. Dort versteckten sie sich, wenn die Gestapo zu Kontrollen kam, um diese so wenig wie möglich darauf aufmerksam zu machen, dass hier noch Hunderte Menschen jüdischer Herkunft lebten.

Scheinbare Normalität: Klaus Zwilsky bei seiner Einschulung 1938.

Ergänzt werden Zwilskys Erinnerungen durch ein Kapitel, das im Berlin der Gegenwart spielt. Nach seiner Reise zu Zwilsky in den USA besuchte Seliktar das Archiv des Jüdischen Museums Berlin. Seit 2003 befinden sich dort zahlreiche Dokumente, Fotos und persönliche Objekte aus dem Familienbesitz, die Klaus Zwilsky dem Museum geschenkt hat. Er war 1946 zusammen mit seinen Eltern über Schweden in die USA ausgewandert.

„Warum sie und nicht ich?“

Gemeinsam mit dem Historiker Aubrey Pomerance, dem Leiter des Archivs, betrachtet Seliktar besonders aussagekräftige Objekte. Darunter ist ein Notizbuch, in dem Zwilskys Mutter Ruth akribisch festhielt, welche Lebensmittel sie den ins KZ Theresienstadt deportierten Verwandten schickte. Das letzte Paket schickte sie im Januar 1945. Drei Monate zuvor waren ihre Schwester, deren Mann und deren drei Kinder von Theresienstadt weiter nach Auschwitz gebracht und dort ermordet worden.

Pomerance, der seit 2001 das Archiv leitet und Zwilsky aus zahlreichen persönlichen Begegnungen kennt, hat die Comicerzählung um ein zwölfseitiges Nachwort ergänzt. Es vermittelt am Ende des Buches die besondere, ambivalente Situation des Krankenhauses im NS-System und liefert viele Details zur Familiengeschichte.

Klaus Zwilsky würde gern die Zeit zurückdrehen, sagt er an einer besonders bewegenden Stelle im Gespräch mit Seliktar. Dann könnte er seine Cousinen und Cousins wiedersehen und mit ihnen spielen. Er könnte ihnen sagen, dass er sie nie vergessen hat und dass seine Eltern zu deren Ehren in Berlin eine Gedenktafel anbringen ließen.

Er würde ihnen auch von den Schuldgefühlen erzählen, die ihn wie viele andere Überlebende lange begleiteten. Und er würde von der Frage erzählen, die ihn über all die Jahre nicht losließ: „Warum sie und nicht ich?“

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Künstliche Intelligenz gegen Hollywood: Musks Grok-Epos „Odyssee“ ist ein schlechter Witz

Wed, 28 Oct 2026 14:26:08 +0100

Künstliche Intelligenz gegen Hollywood: Musks Grok-Epos „Odyssee“ ist ein schlechter Witz

Weil Nolans Blockbuster zu „woke“ ist, hat der Tech-Milliardär nun eine „historisch akkurate“ Version mit der Hilfe von KI produziert. Doch sein Angriff auf die Strukturen Hollywoods ist umfassender.

Von Andreas Busche

Stand: 28.10.2026, 21:10 Uhr

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Wenn die Aktion als Werbung für sein Lieblingsspielzeug Grok gedacht war, hat Elon Musk sein Ziel verfehlt. Am Wochenende veröffentlichte der X-CEO auf seiner Plattform die ersten sieben Minuten seines Anti-Blockbusters „Die Odyssee“, die Antwort auf Christopher Nolans Kinohit. Der Film entstand in Zusammenarbeit mit den auf KI-Filme spezialisierten Wonder Studios und dem bisher unbekannten Regisseur Dev Walker in den Rechenzentren von xAI, ganz ohne Kamera und Schauspieler.

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Die Kinostarts der Woche: Rache is(s)t Blutwurst!

Wed, 28 Oct 2026 16:58:07 +0100

Die Kinostarts der Woche: Rache is(s)t Blutwurst!

Isabelle Huppert, Wolfgang Biermann, Dragqueen Nina West – diese Filmwoche gehört den Diven.

Von Ticket Redaktion

Stand: 28.10.2026, 17:30 Uhr

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Dass ausgerechnet der Rassismus-Thriller „By Any Means“ die gruseligsten Bilder in der Halloween-Kinowoche liefert, entspricht wohl der allgemeinen Weltlage.

Und solange das Kino das – mal realistisch, mal überhöht oder überzeichnet – abbildet, ist noch nicht alles verloren.

1 Biermann – Warte nicht auf bess’re Zeiten

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Am 13. November 1976 gibt Wolf Biermann ein legendäres viereinhalbstündiges Konzert in der Kölner Sporthalle. Er hatte die DDR verlassen dürfen, um einer Einladung der IG Metall zu folgen. Biermann wirkt befangen, schließlich konnte er zwölf Jahre nur in seiner Wohnung Chausseestraße 131 in Ost-Berlin singen, stets observiert von der Stasi. Doch nun ist das „Schnauzehalten“ vorbei.

Der Dokumentarfilm zeigt einen enthusiastischen Liedermacher, der – Gänsehautmoment – „Ich möchte am liebsten weg sein / und bleibe am liebsten hier“ singt. Es war, sagt Biermann, „der glücklichste Tag in meinem Leben“. Dann erfährt er, dass die DDR ihn ausgebürgert hat.

Näher als in diesem Film kann man Biermann kaum kommen. Er ist mit seiner Frau Pamela in ihrer Hamburger Wohnung und dem Wochenendhaus an der Ostsee zu sehen, bei Tribut- und Theaterkonzerten, in Paris, wo er zeitweise lebte, in beeindruckenden Archivszenen.

Den Glauben an den Kommunismus verliert er erst im aufgezwungenen Exil. Mit 89 Jahren wirkt der Sänger höchst agil. Furchtlos stürzt er sich selbst bei Kälte ins Meer. (Christian Schröder)

2 Queens Of The Dead

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Wenn in der Hölle kein Platz mehr ist, werden die Toten auf der Erde wandeln. Dieser pointierte Gesellschaftsbefund aus den späten 1970er-Jahren stammt aus George Romeros Zombie-Klassiker „Dawn of the Dead“, dem in Deutschland der beknackte Videotitel „Zombies im Kaufhaus“ angeklatscht wurde.

Tina Romero legt nun mit „Queens of the Dead“ ein inspiriertes Update des Gesamtwerks ihres Vaters vor: Wenn in der Hölle kein Platz mehr ist, ziehen sich die Menschen in den ultimativen Safe Space, den Club, zurück und drehen die Regler auf.

Tina war ein Baby, als ihr Vater mit „Day of the Dead“, der diese Woche mit 40 Jahren Verspätung ebenfalls in die Kinos kommt, seine Zombie-Trilogie abschloss. Sein Vermächtnis ist in besten Händen.

In der campy Hommage „Queens of the Dead“ muss sich eine von DJ Dre (Katy O’Brian) angeführte Gruppe queerer Clubkids, darunter die Dragqueens Ginsey (Nina West) und Yasmine (Dominique Jackson), einer Zombieplage erwehren. Die Untoten wandeln, hypnotisiert von ihren Smartphones, in Zeitlupe durch die Straßen New Yorks. Happy Halloween! (Andreas Busche)

3 Die Blutgräfin

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Die Boulevardpresse ist in heller Aufregung. „Völlig entleerte Opfer!“, titeln die Zeitungen angesichts des wachsenden Aderlasses in den Straßen. Grund für die Mordserie im schönen Wien ist die Ankunft von Erzsébet Báthory, der im 17. Jahrhundert in Ungarn gefürchteten „Blutgräfin“.

Die Gräfin, von Isabelle Huppert mit sichtbarer Lust an der Entgrenzung gespielt, schippert in einem theatralischen Aufzug, buchstäblich als Galionsfigur, vorbei an Touristenbooten durch die Seegrotte Hinterbrühl in die Habsburger Residenzstadt. Báthory befindet sich auf einer Mission.

Ein magisches Buch verspricht, dass die Tränen eines Vampirs Untote in Sterbliche verwandelten. Das gilt es zu verhindern. Einen entfernten Urahn hat die Blutgräfin bereits verloren: Der treudoofe Baron Rudi Bubi von Strudl zur Buchtelau (Thomas Schubert) ist zum Vegetarismus konvertiert. Psychologischen Beistand holt er sich beim Therapeuten (Lars Eidinger) – auch, weil ihn die Nachrichtenlage in eine Identitätskrise stürzt.

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Der Inspektor Unglaube (Karl Markovics), eine Wiener Melange aus Detective Colombo und Inspector Clouseau, tappt derweil bei seinen Ermittlungen im Dunkeln. Das illustre Kuriositätenkabinett komplettieren die Vampirologen Theobastus Bombastus (André Jung) und Nepomuk Nachbiss (Marco Lorenzini), die für einen Vampir-Kongress angereist sind.

Die Berliner Regisseurin Ulrike Ottinger zielt mit „Die Blutgräfin“, uraufgeführt im Februar auf der Berlinale, also eindeutig auf den höheren Unsinn ab. Die echte Baronin wurde 1611 für die Morde an zahlreichen Dienerinnen verurteilt. Eine andere Version lautet, dass sie im Blut von jungfräulichen Mädchen gebadet habe. Seriöse Quellen berichten hingegen von einer politischen Intrige, der die Gräfin zum Opfer gefallen sein soll.

Die Legende hat die Kunstgeschichte jedenfalls inspiriert, gerade auch das Kino. Mit Elfriede Jelinek hat sie die perfekte Partnerin gefunden. So mischt sich der gute alte Wiener Schmäh in das Sprach-Kauderwelsch der K.‑u.-K.‑Wiedergängerin.

Die Mischung aus Hochkultur und niederen Instinkten passt perfekt ins Rollenbild von Huppert, die sich in „Die Blutgräfin“ durch eine opulente Theaterlandschaft chargiert. Ottinger hat ihre Kulissen in schwere, blutrote Stoffe gehüllt und dazu Huppert mit den gruftigen Insignien einer Dame der höheren Gesellschaft ausgestattet.

Diese geschmackvollen Geschmacklosigkeiten sind mit viel Sinn für überbordende Setdesigns in Szene gesetzt, für die Wien mit seinem morbiden Bühnen-Charme die ideale Kulisse abgibt. So fungiert „Die Blutgräfin“ auch als schöner Vorwand für einen Streifzug durch die Stadt. (Andreas Busche)

4 Glaube

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Ainara wird von ihrer Familie im Bett mit einem Freund erwischt. Schlimm oder nur peinlich? Schlimm, denn die 17-Jährige will sich nach ihrem Schulabschluss nicht etwa ins Leben stürzen, sondern als Nonne jungfräulich Jesus hingeben. Ihre Familie ist gespalten und fühlt sich gefangen im jeweiligen eigenen schwierigen Prozess, eine Haltung dazu zu finden. Und hintergangen.

Tante Maite, die Ainara nach dem frühen Tod ihrer Mutter mit großer Liebe begleitet hat, ist völlig dagegen. Sie wittert nun ihre Chance, ein Leben hinter Klostermauern zu verhindern, und überschreitet rote Linien. Regisseurin Alauda Ruiz de Azúa hat ihren Film eigentlich „Sonntage“ betitelt, nach den Tagen für den Kirchgang, aber auch für die regelmäßigen Familientreffen.

Traumata, Konflikte, Verletzungen und Allianzen deutet sie dabei aber nur mehr oder weniger an, um es ihrem Publikum unmöglich zu machen, Ainaras Entscheidung psychologisch herzuleiten. Man muss sie „gottergeben“ akzeptieren. Dadurch erscheint „Glaube“ bis auf Ainaras inneres Leuchten streng und distanziert, ist aber gleichwohl teuflisch spannend. (Ingolf Patz)

5 Free At Heart

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Sebastian lebt behütet – nette Mittelschichtseltern, kleine Schwester, gute Freunde, angeln, bisschen flirten mit Sarah aus seiner Klasse. Bis Kolja aus der Großstadt vor der Tür steht, dessen Mutter gestorben ist. Der ist eine Altlast aus dem früheren Leben des Vaters, eine Art Patenkind, heißt es anfangs – wir lassen das mal so stehen.

Während sich die Familie tapfer am Leben zu fünft versucht, fliegt Sebastian alles um die Ohren. Was sind das für Gefühle, die er für den neuen Mitbewohner empfindet? Warum sind Erwachsene so hilflos? Was verbergen seine Eltern?

Berechtigte Fragen, die man auch als Zuschauer gerne beantwortet hätte. Leider interessiert sich der Film nicht besonders für sein Personal, alles bleibt an der übersatt beleuchteten Oberfläche, viele (brutale) Wendungen sind deswegen kaum nachvollziehbar.

Vielleicht ist das ein Kniff, um die beiden großartigen Hauptdarsteller und deren glaubhafte verliebte Überforderung extra leuchten zu lassen – aber zwei Stunden sind dafür dann bisschen üppig.

Irgendwie hat man das Gefühl, dass Max Hegewald (Regie/Drehbuch) überredet wurde, einer zarten queeren Coming-of-Age-Geschichte einen neuen, krasseren Dreh zu geben. (Antje Scherer)

6 By Any Means

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Als 1966 in Hattiesburg, Mississippi, der Bürgerrechtler Vernon Dahmer (Giancarlo Esposito) bei einem Überfall des Ku-Klux-Klans ermordet wird, beißt der schwarze FBI-Agent Wayne Strider (Yahya Abdul-Mateen II) bei seinen Ermittlungen auf Granit. Die Einheimischen sind entweder eingeschüchtert oder rassistisch, die örtliche Polizei ist vom Klan unterwandert.

Striders Vorgesetzter (David Strathairn) schickt einen Mann fürs Grobe nach Hattiesburg: Gregory Scarpa (Mark Wahlberg), ein skrupelloser Mafia-Schläger aus New York, hat Jahre zuvor das Rätsel um drei ermordete Studenten aus Verdächtigen herausgeprügelt, und er geht auch hier nicht zimperlich ans Werk.

Die bedrückende Atmosphäre im US-Süden der Sechziger fängt Regisseur Elegance Bratton in seinem auf einem authentischen Fall beruhenden Drama gekonnt ein. Doch spätestens wenn auch der rechtschaffene FBI-Agent, angestachelt vom entfesselt aufspielenden Wahlberg, zum Baseballschläger greift, gleiten die exzessiven Folterszenen in einen fast tarantinoesken Racherausch ab, der dem historischen Geschehen nicht gerecht wird.

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Deep Purple: Long Live Rock’n’Roll: Diese Konzerte in Berlin sollten Sie nicht verpassen

Wed, 28 Oct 2026 15:15:42 +0100

Deep Purple: Long Live Rock’n’Roll: Diese Konzerte in Berlin sollten Sie nicht verpassen

Seit über 50 Jahren werden bei Deep Purple die Besetzungslisten neu gemischt. Beim Konzert der britischen Heavy-Rock-Institution sind immerhin drei Legenden der Bandhistorie dabei.

Von Jörg Wunder

Stand: 28.10.2026, 17:00 Uhr

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Außerdem haben wir für Sie ausgesucht: eine deutsch-französische Schlager-Ikone, das fleißigste Spice Girl, ein britisches Soulwunder, Retrorocker mit Zukunft und die Musterknaben der „Hamburger Schule“. Dies sind unsere Konzertempfehlungen für die kommende Woche.

1 Temples

Kompetente Retrorocker: Temples.

Vier Alben lang hat die 2012 im mittelenglischen Kettering gegründete Band Temples die psychedelischen Labyrinthe der späten Sechziger kongenial nachgestellt.

Mit dem neuen Werk „Bliss“ machen die vier Retrofans einen Zeitsprung von circa 20 Jahren. Auf Songs wie „Waiting For The Echoes“ lassen sie Rave-Beats aus dem Ruder laufen, als hätten sich die Happy Mondays im Drogennebel verirrt.

Da sie zwar Songs und Sounds der Madchester-Revolution von 1990, nicht aber den selbstzerstörerischen Lifestyle kopieren, ist von den Temples auch in Zukunft noch einiges über die Vergangenheit zu erwarten.

2 Mireille Mathieu

Mit 80 auf Abschiedstournee: Mireille Mathieu.

Dass neulich bei den von einer Kritikerjury gekürten „100 besten Schlagern & Chansons“ auf Radioeins nicht ein einziger Titel von Mireille Mathieu vertreten war, kann nur ein Missverständnis sein.

Schließlich hat die Französin mit der unverkennbaren, leicht tremolierenden Stimme in ihrer glamourösen Karriere nicht nur unfassbar viele Platten verkauft, sie ist mit ihrem schwarzen Haarhelm auch zu einem Inbegriff des Siebziger-Schlagers geworden.

Nachdem sie in Frankreich bereits rauschende Erfolge gefeiert hatte und als „neue Piaf“ bejubelt wurde, gelang ihr 1969 mit „Hinter den Kulissen von Paris“ ihr erster Hit in Deutschland. Mit Millionensellern wie „Akropolis Adieu“ oder „La Paloma adé“ wurde der „Spatz von Avignon“ zum Dauergast in der ZDF-Hitparade.

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Für den Berlin-Auftritt der Welt-Abschiedstournee der 80-Jährigen gibt es nur noch wenige Karten. Was wissen die von Radioeins schon?

3 Die Sterne

Die Allrounder der „Hamburger Schule“: Die Sterne mit Frank Spilker (2.v.r.).

Seit über 30 Jahren gehören Die Sterne zum festen Inventar des deutschen Indierocks. Die von Frank Spilker 1991 ins Leben gerufene Band war im Koordinatensystem der „Hamburger Schule“ weniger kopflastig als Blumfeld, erwachsener als (die jungen) Tocotronic, witziger als Bernd Begemann und tanzbarer als Kante.

Wie seine Kollegen Jochen Distelmeyer oder Dirk von Lowtzow hat auch Spilker inzwischen als Buch- und Hörspielautor seine Fühler in außermusikalische Bereiche ausgestreckt. Von Indierock allein kann ja heute niemand mehr leben. Ein Jammer.

Aber wir hoffen, dass das querfinanzierte Karrieremodell auch in Zukunft so erfreuliche Veröffentlichungen wie das jüngste Die-Sterne-Album „Wenn es Liebe ist“ möglich macht.

4 Melanie C

Immer noch ziemlich sporty: Das Ex‑Spice-Girl Melanie C.

Ehrensache, dass Mel C ihren Body auch mit Anfang 50 noch in tadelloser Form hält. Schließlich war Melanie Chisholm „Sporty Spice“ und in dieser Eigenschaft ein Fünftel der Spice Girls.

Nach dem Aus der erfolgreichsten Girlgroup der Neunziger verfolgte sie am konsequentesten eine Solokarriere. Mit neun Platten unter eigenem Namen hat sie nur ein Album weniger veröffentlicht als die übrigen vier Girls zusammen.

Die popkulturelle Relevanz ihres erklärten Vorbilds Madonna hat sie zwar nie erreicht, doch mit Hits wie „Never Be the Same Again“, einem Duett mit der 2002 verstorbenen R’n’B-Sängerin Lisa Lopes, oder „First Day of My Life“ ist Mel C gut im neuen Jahrtausend angekommen.

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Ihr jüngstes Album „Sweat“ bezeugt einen erstaunlichen Reifungsprozess der lange als Pop-Leichtgewicht Geschmähten. Die von einem internationalen Produzententeam veredelten Club-Banger können es mit den Hits britischer Top-Acts wie Dua Lipa oder Jessie Ware aufnehmen.

5 Arlo Parks

Brachte Sonne in den Corona-Winter: Arlo Parks.

Mitten in die pandemische Tristesse des Winters 2021 platzte „Collapsed in Sunbeams“, das Debütalbum der britischen Sängerin und Songwriterin Arlo Parks. In der Tat ein Sonnenstrahl des Glücks.

Die damals gerade 20-jährige Londonerin versuchte sich an einem explizit zeitgenössischen, den Retro-Trend konterkarierenden Soul und erntete dafür künstlerische Meriten (Mercury Prize, Grammy-Nominierung) und kommerziellen Erfolg (#3 in UK).

Die Nachfolgealben „My Soft Machine“ (2023) und „Ambiguous Desire“ (2026) sind keinen Deut schlechter, aber nicht mehr so überraschend wie der Erstling.

6 Deep Purple

Von damals sind noch drei dabei: Deep Purple 1970 mit (hinten) Ritchie Blackmore, Ian Gillan, Ian Paice, (vorn) Roger Glover und Jon Lord.

Nur wenige Rockbands hatten eine so wechselhafte Mitgliederhistorie wie Deep Purple. Neun verschiedene Besatzungen, sauber durchnummeriert von Mark I bis Mark IX, haben das Hardrock-Schlachtschiff durch die Untiefen der Zeit manövriert, seit es 1968 in London vom Stapel lief.

Insofern grenzt es an ein Wunder, dass die aktuellen Deep Purple nicht weniger als drei Mitglieder aus der legendären, als maßstabsetzend gefeierten Mark-II-Formation der frühen Siebziger versammeln: Sänger Ian Gillan, Bassist Roger Glover und Schlagzeuger Ian Paice. Die drei Recken bringen es zusammen auf 239 Lebensjahre und immerhin 140 Jahre Bandmitgliedschaft, was für ausreichende Authentizität bürgen sollte.

Wenn es dennoch Phantomschmerzen des Verlusts gibt, dann, weil Gillan, Glover und Paice zwar geschätzte Könner ihres Fachs sind, die entscheidenden Protagonisten aber seit langer Zeit nicht mehr Teil der Band.

Mit dem Teufelsgitarristen Ritchie Blackmore und Orgelvirtuoso Jon Lord hatten die „klassischen“ Deep Purple nämlich eine Doppelspitze, die sich in kompetitiver Intimfeindschaft zu immer neuen Höhenflügen anstachelte.

Der Antagonismus von Blackmores quecksilbriger Gitarrentechnik und Lords an der europäischen Klassik geschultem Orgelspiel brachte eine Binnenspannung in Heavy-Rock-Meilensteine wie „Child In Time“, „Highway Star“ oder „Black Night“, die sich – vor allem in den längeren Live-Aufnahmen – in exzessiven Soloduellen der beiden Streitgockel entlud.

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1975, nach dem goldenen Jahrfünft von Mark II und Mark III, stieg der Heavy-Rock-Purist Blackmore aus und gründete mit Rainbow ein Konkurrenzprojekt. Der als Ersatz angeheuerte Tommy Bolin starb Ende 1976 an einer Überdosis, woraufhin die Band für acht Jahre auf Eis gelegt wurde.

Beim Comeback 1984 konnte selbst die wieder aufgelegte Mark-II-Formation nicht übertönen, dass die Band ihren Zenit überschritten hatte. Die Herrschaft des Heavy-Rock-Triumvirats Led Zeppelin, Black Sabbath und Deep Purple war vorüber.

Jüngere, härtere Gruppen wie Iron Maiden und Metallica rifften sich ins Rampenlicht, die (noch gar nicht so alten) Routiniers konnten auch qualitativ nicht mehr an die Glanzzeiten anknüpfen. 1993 stieg Blackmore endgültig aus, Jon Lord folgte 2002.

Die späten Deep Purple sind eine erzsolide Heavy-Rock-Band mit virtuosen Solisten (dem Progrock-Hexer Steve Morse folgte 2022 Simon McBride an der Gitarre, mit 46 der Jüngste an Bord), die einen ikonischen Songkatalog verwaltet und bisweilen um neue Stücke zu erweitern versucht.

Klappt eher selten. Ein so markantes Riff wie bei „Smoke On The Water“ (da-da-daaa, da-da-dadaa) ist auch Ritchie Blackmore seit 1972 nicht mehr eingefallen.

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Justiz gegen die iranische Kultur: Fünf weitere Jahre Haft für Jafar Panahi

Wed, 28 Oct 2026 11:30:56 +0100

Justiz gegen die iranische Kultur: Fünf weitere Jahre Haft für Jafar Panahi

Der iranische Regisseur kehrte nach dem Gewinn der Goldenen Palme in Cannes in den Iran zurück. Ihm drohte eine Haftstrafe. Nun hat die iranische Justiz das Urteil gegen Jafar Panahi bekräftigt.

Stand: 28.10.2026, 11:30 Uhr

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Der renommierte iranische Regisseur Jafar Panahi ist einem Bericht zufolge zu einer weiteren mehrjährigen Haftstrafe verurteilt worden. Ein Revolutionsgericht in der Hauptstadt Teheran habe ihn zu fünf Jahren und einem Monat Gefängnis verurteilt, berichtete die Zeitung „Emtedad“ unter Berufung auf Panahis Anwalt Mostafa Nili. Außerdem soll sein gesamtes Vermögen beschlagnahmt werden. Darüber hinaus sei eine zweijährige Ausreisesperre verhängt worden.

Der 66-Jährige war Anfang April mitten im Krieg zurück in seine Heimat gereist. „Vergangene Woche teilte mein Mandant mit, dass seine Bankkonten gesperrt wurden“, sagte Nili der Zeitung. Seine Nachforschungen bei der Justiz hatten dann aufgedeckt, dass Panahi in Abwesenheit verurteilt worden war.

Zuvor hatte die iranische Justiz den Starregisseur wegen „Propaganda gegen das System“ bereits zu einem Jahr Haft verurteilt. Als zentralen Beweis führte ein Gericht seinen heimlich gedrehten Film „Ein einfacher Unfall“ an. Das Werk gewann 2025 die Goldene Palme in Cannes und war zudem für die Golden Globes und die Oscars nominiert.

Panahi gilt seit Jahren als prominenter Kritiker im Iran. Er war von Juli 2022 bis Februar 2023 inhaftiert. Seit Jahren unterliegt er Einschränkungen bei beruflicher Tätigkeit und Reisen. (dpa)

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Artem Tschechs Roman aus dem Ukraine-Krieg: „Hier lebte der Schmerz – und da mussten wir durch“

Fri, 23 Oct 2026 11:21:57 +0200

Artem Tschechs Roman aus dem Ukraine-Krieg: „Hier lebte der Schmerz – und da mussten wir durch“

Der gefeierte Schriftsteller Artem Tschech hat mit „Musik für einen Soldaten“ einen eindringlichen, streckenweise erschütternden Roman über den Krieg in der Ukraine geschrieben.

Von Christian Schröder

Stand: 23.10.2026, 11:21 Uhr

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Eigentlich ist es ein Himmelfahrtskommando, aber der Chef der Kompanie hat versprochen: „Vor euch werden ein Dutzend unserer Bataillone stehen, ihr seid nur zur Absicherung da.“ Soldaten haben zu gehorchen, das gilt auch für die ukrainische Armee. Also macht sich Artem Tschech mit seinem kleinen Trupp im Mai 2023 um zwei Uhr nachts auf den Weg. „Düstere Anspannung“ liegt in der Luft, schließlich sollen sie „eine beschissene, hart umkämpfte Position am Rand von Bachmut“ besetzen.

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David Bowie auf der Leinwand: Berlinale zeigt unveröffentlichtes Konzertmaterial des Künstlers

Tue, 27 Oct 2026 15:12:41 +0100

David Bowie auf der Leinwand: Berlinale zeigt unveröffentlichtes Konzertmaterial des Künstlers

Am 14. Februar 2027 feiert „David Bowie ‘Stage’“ in der Uber Arena Weltpremiere. Die Show soll bislang noch nie veröffentlichtes Konzertmaterial der Popikone zeigen.

Stand: 28.10.2026, 07:10 Uhr

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Die Berlinale kündigt eine Weltpremiere an: Sie zeigt bei ihrer nächsten Ausgabe bislang unveröffentlichtes Konzertmaterial der Popikone David Bowie (1947-2016).

Unter dem Titel „David Bowie "Stage"“ kündigten die Filmfestspiele ein „immersives Konzerterlebnis“ an. Die Produktion basiere auf neu entdecktem und restauriertem Filmmaterial der Isolar-II-Welttournee aus dem Jahr 1978. Damals präsentierte Bowie unter anderem Stücke seines Albums „Heroes“, das er komplett in Berlin aufgenommen hatte.

Bei der Weltpremiere am ersten Berlinale-Wochenende Mitte Februar bekomme das Publikum auf drei Leinwänden und transparenten LED-Bildschirmen die Gelegenheit, die Show in Kombination mit einem „Live-Licht- und Sounderlebnis zu erleben“, teilte das Filmfestival mit. Die Zuschauer sollten so ins Zentrum eines Livekonzerts von Bowie versetzt werden.

Tickets schon ab Mittwoch

Der US-amerikanische Dokumentarfilmer Brett Morgen entdeckte die originalen Kameranegative erstmals während der Arbeit an seinem Film „Moonage Daydream“ von 2022, in dem er bereits Konzert-Mitschnitte, Tagebuch-Einträge und Zeichnungen David Bowies nutzte, um die künstlerische Entwicklung des Musikers zu erzählen.

Morgen hatte Zugang zu den privaten Archiven des Stars. Auch für den aktuellen Film arbeitete er mit dem David Bowie Estate zusammen. Das Lichtdesign kommt von Patrick Woodroffe, der unter anderem für die Rolling Stones und Elton John gearbeitet hat, den Sound-Mix übernimmt der Oscar-prämierte Sounddesigner Paul Massey.

Tickets soll es in einem ersten Vorverkauf der Plattform Eventim bereits ab diesem Mittwoch (28. Oktober) geben. Der allgemeine Vorverkauf beginne am Freitag.

Berlin ist eng mit der Biografie des britischen Sängers verknüpft, die Stadt von 1976 bis etwa 1979 erscheint in der Erzählung seiner Biografie oft als Dreh- und Angelpunkt. Er kam damals in die Mauerstadt als Flucht vor diversen Problemen, unter anderem um sich von Drogenmissbrauch zu erholen, und schuf dort legendäre Musik. Die Berlinale findet vom 10. bis zum 21. Februar 2027 statt. (Tsp/dpa)

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Ärzte berichten aus Gaza: Eine Generation stirbt vor den Augen der Welt

Tue, 27 Oct 2026 16:36:49 +0100

Ärzte berichten aus Gaza: Eine Generation stirbt vor den Augen der Welt

Wie kann man über den Krieg in Gaza ohne politische oder ideologische Scheuklappen sprechen? Nach der Premiere des Dokumentarfilms „Life Support“ im Babylon-Kino berichteten Ärzte über ihre Kriegseinsätze.

Von Andreas Busche

Stand: 28.10.2026, 06:20 Uhr

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In Kriegszeiten ist die Rhetorik gleichzeitig ideologisch aufgeladen („Operation Eiserne Schwerter“) und aseptisch wie ein chirurgischer Eingriff. Akronyme gehören zu dieser strategischen Kommandosprache, sie lassen die Wirkmächtigkeit der operativen Tätigkeiten im Krieg harmlos-bürokratisch klingen. Oder sie finden eine Chiffre für etwas schwer Aussprechliches, die als Schutzschild vor der professionellen Konfrontation mit dem menschlichen Leiden fungiert.

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Die ARD-Serie „Breitscheidplatz 19/12“: „Bis heute weiß niemand, wie tief die Behörden verwickelt waren“

Tue, 27 Oct 2026 07:52:50 +0100

Die ARD-Serie „Breitscheidplatz 19/12“: „Bis heute weiß niemand, wie tief die Behörden verwickelt waren“

Hätte das Berliner Weihnachtsmarkt-Attentat verhindert werden können? Zehn Jahre danach erzählt eine fiktive, aber an Fakten orientierte Serie vom Behördenversagen bei der Überwachung des Islamisten Anis Amri.

Von Gunda Bartels

Stand: 28.10.2026, 06:15 Uhr

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Nichts ist vergessen. Jeder Gang über den schwer verpollerten Breitscheidplatz ruft in Erinnerung, dass der Anschlag des Islamisten Anis Amri am 19. Dezember 2016, 13 Tote und mehr als 60 Verletzte gefordert hat. Um das in Berlin zu wissen, muss man nicht erst zum Goldenen Riss, dem Denkmal für die Opfer des Weihnachtsmarktanschlags, gehen.

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Sally Rooney und ihr Einsatz für „Palestine Action“: Meinungsfreiheit und Terror unterscheiden sich sehr

Tue, 27 Oct 2026 14:43:11 +0100

Sally Rooney und ihr Einsatz für „Palestine Action“: Meinungsfreiheit und Terror unterscheiden sich sehr

Sally Rooneys Verlag nimmt in Großbritannien ihre Bücher vom Markt. 150 Autorinnen und Autoren zeigen sich entsetzt und sprechen von Zensur. Doch Rooney gefällt sich in der Märtyrer-Rolle.

Ein Kommentar von Gerrit Bartels

Stand: 27.10.2026, 20:27 Uhr

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Es war ein großer Aufschlag, der Ende letzter Woche zugunsten der irischen Bestsellerautorin Sally Rooney im „New Statesman“ gemacht wurde, einem britischen Wochenmagazin für Politik und Kultur.

Das Who-is-Who der angloamerikanischen Literatur, von der Literaturnobelpreisträgerin Anne Carson über Julian Barnes und Colm Tóibín bis hin zu Zadie Smith, insgesamt über 150 Autoren und Autorinnen, hatte dort einen offenen Brief unterzeichnet, der mit den Worten beginnt: „Sally Rooney ist eine Schriftstellerin, keine Terroristin. Ihre Bücher müssen der Öffentlichkeit zugänglich sein.“

Und weiter: „Ihre Rücknahme aus dem Verkauf auf der Grundlage einer unüberlegten und drakonischen Anti-Terror-Gesetzgebung ist ein Affront gegen die Grundprinzipien der Meinungs- und Ausdrucksfreiheit, die in diesem Land seit langem als selbstverständlich gelten.“ Von „Zensur“ und einer „repressiven Absurdität“ ist in dem kurzen Brief dann noch die Rede.

Auch Kneecap und die Young Fathers unterzeichneten den offenen Brief

Der Grund für diesen dramatischen, im Übrigen auch von einschlägig israelfeindlichen Musikern wie Kneecap oder den Young Fathers unterzeichneten Appell: Weil die Schriftstellerin seit Jahren die in Großbritannien als Terrororganisation eingestufte propalästinensische Gruppierung „Palestine Action“ unterstützt, hatte Rooneys Verlag Faber mit „vollständiger Zustimmung von Sally“ beschlossen, ihre Bücher in Großbritannien nicht mehr auszuliefern, dazu gehören Erfolgsromane wie „Intermezzo“ oder „Normal People“.

„Die derzeitige Gesetzgebung im Vereinigten Königreich hat zu einer Situation geführt, in der Faber die im Vereinigten Königreich erzielten Einnahmen aus Sally Rooneys Werken nicht an sie weiterleiten kann“, so der Verlag in einer Mitteilung. „Die Werke einer Autorin zu verkaufen, ohne die Einnahmen weitergeben zu können, ist für einen Verlag eine unzumutbare Situation.“

Nun darf man sich allein über den Zeitpunkt wundern, an dem Sally Rooney und ihr Verlag diesen publikumswirksamen Rückzug vom britischen Markt verkündet haben. Denn „Palestine Action“ ist schon seit dem 5. Juli des vergangenen Jahres von der britischen Regierung als terroristische Vereinigung eingestuft und verboten worden.

Die Gruppe, so die Begründung, sei verantwortlich „für direkte kriminelle Handlungen gegen Unternehmen und Institutionen, darunter wichtige nationale Infrastruktur- und Verteidigungsunternehmen“. Zu den Angriffszielen von „Palestine Action“ gehören vor allem die Fabriken und Filialen des in Haifa angesiedelten Drohnenproduzenten Elbit Systems, aber auch Luftwaffenstützpunkte und Flugzeuge der Royal Air Force.

Wenn mich das nach britischem Recht zu einem ‚Unterstützer des Terrors‘ macht, dann sei das so.

Sally Rooney 2025 in der „Irish Times“

Rooney, die auch die antisemitische BDS-Bewegung unterstützt und lange die Übersetzung eines ihrer Romane ins Hebräische verweigerte, schrieb damals einen Artikel für die „Irish Times“, in dem sie bekannte, „Palestine Action“ zu unterstützen und das von nun an noch intensiver tun zu wollen.

„Wenn mich das nach britischem Recht zu einem ‚Unterstützer des Terrors‘ macht, dann sei das so“, so Rooney. „Ich möchte klarstellen, dass ich Einnahmen aus meiner Arbeit nutzen werde, um „Palestine Action“ und direkte Aktionen gegen Völkermord auf jede mir mögliche Weise zu unterstützen.“

„Palestine Action“ wird auch in den USA als Terrorgruppe eingestuft

Sally Rooney steht auf dem Standpunkt, dass „echter politischer Widerstand schon immer mit vorsätzlichen Gesetzesverstößen verbunden“ sei, wie sie einmal in einem Text für den „Guardian“ schrieb. Und jetzt hat sie dem „Guardian“ gegenüber gesagt: „Ich habe mich nach Kräften bemüht, gegenüber der Öffentlichkeit ehrlich über meine Überzeugungen und Absichten zu sein, und bin voll und ganz bereit, die Konsequenzen zu tragen.“

Das klingt nach Märtyrertum, aber „without a cause“, bedenkt man zum einen, wie erfolgreich Rooney mit ihren Büchern nicht nur in Großbritannien ist. Und zum anderen, dass sie wegen ihrer Haltung zum Nahost-Konflikt und ihrer BDS-Nähe noch nie irgendwelchen Repressalien ausgesetzt gewesen ist.

Auch wäre zu fragen, wie es nun mit Rooneys Büchern in den USA aussieht: „Palestine Action“ ist im Sommer dieses Jahres ebenfalls als Terrorgruppe eingestuft und mit Sanktionen belegt worden. Und Vertriebswege gibt es deren viele, über die die Fans von Rooney an ihre Bücher kommen können.

Es wirkt zunächst wie ein geschickter Marketingcoup, wenn Rooney und ihr Verlag öffentlichkeitswirksam die Bücher der Autorin vom Markt nehmen - sie wurden nach der Ankündigung vermehrt verkauft. Doch dürfte es mehr darum gehen, vor allem Aufmerksamkeit für den propalästinensischen Kampf von Rooney zu generieren, also gewissermaßen die nächste Stufe zu zünden.

Dass nun von Zensur und Unterdrückung der Meinungsfreiheit die Rede ist, wie in dem offenen Brief, passt ins Konzept – nur wird Sally Rooney ihre Meinung nirgendwo verboten, auch nicht in Großbritannien, sondern die im Raum stehende finanzielle Unterstützung einer Terrororganisation.

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Sendung im Dezember: ZDF stimmt mit Vorab-Show auf „Wetten, dass....?“ ein

Tue, 27 Oct 2026 10:33:22 +0100

Sendung im Dezember: ZDF stimmt mit Vorab-Show auf „Wetten, dass....?“ ein

Während die letzten Vorbereitungen laufen, stimmt das ZDF schon einmal auf die einmalige Neuauflage der Samstagabend-Show ein. Die Kaulitz-Brüder sorgen für einen riesigen Ansturm.

Stand: 27.10.2026, 12:30 Uhr

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Mit einer Vorab-Show stimmt das ZDF auf die einmalige Neuauflage von „Wetten, dass..?“ mit Bill und Tom Kaulitz ein. Wie der Sender mitteilte, beginnt die Show „Wetten, dass...? - Der Countdown“ 50 Minuten vor Beginn der eigentlichen Sendung. Die beiden Moderatoren Janin Ullmann und Marvin Fischer präsentieren die Sendung live aus der Halle, in der dann die letzten Vorbereitungen für die große Samstagabend-Show laufen. Als Backstage-Reporter ist demnach „heute-show“-Reporter Lutz van der Horst hinter der Bühne unterwegs.

Geplant seien Talks mit Stars und Wettkandidaten, so wie aktuelle Informationen zur Show. Für die einmalige Neuauflage von „Wetten, dass...?“ in Halle (Saale) sind mehr als 250.000 Anfragen für Tickets beim Mainzer Sender eingegangen. Nach Angaben des ZDF bietet die Messe-Halle Platz für rund 2.600 Zuschauer. Die Sendung wird am 5. Dezember ab 20.15 Uhr ausgestrahlt. (dpa)

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Komödie über die „Blutgräfin“ Báthory: Isabelle Huppert bittet zum fröhlichen Aderlass

Tue, 27 Oct 2026 09:54:48 +0100

Komödie über die „Blutgräfin“ Báthory: Isabelle Huppert bittet zum fröhlichen Aderlass

Für die Rolle der berüchtigten Erzsébet Báthory hat Ulrike Ottinger den französischen Filmstar gewinnen können – und Elfriede Jelinek als Co-Autorin. „Die Blugräfin“ ist inspirierter Klaumauk.

Von Andreas Busche

Stand: 27.10.2026, 09:54 Uhr

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Aus der Unterwelt Wiens steigt etwas herauf, mit schöner Regelmäßigkeit jedes Vierteljahrhundert. Im Moskauer Mausoleum, bestattet an der Seite von Lenin, Stalin und Mao, hat sich die Gräfin Erzsébet Báthory, die im 17. Jahrhundert in Ungarn gefürchtete „Blutgräfin“, in den vergangenen 25 Jahren etwas verkühlt. Aber nun kehrt sie in die „Nekropole Wien“ zurück, wo ihre blutdurstigen Nachfahren während ihrer Abwesenheit die Tradition der berüchtigten Ahnenreihe aufrechterhalten haben.

Die Gräfin, von Isabelle Huppert mit sichtbarer Lust an der Entgrenzung gespielt, schippert in einem theatralischen Aufzug buchstäblich als Gallionsfigur, vorbei an Touristenbooten, durch die Seegrotte Hinterbrühl, den größten unterirdischen See Europas, in die Habsburger Residenzstadt. Báthory befindet sich auf einer Mission im schaurig-morbiden Wien.

Ein magisches Buch verspricht, dass die Tränen eines Vampirs Untote in Sterbliche verwandelten. Das gilt es zu verhindern. Einen entfernten Urahn hat die Blutgräfin bereits verloren: Der treudoofe Baron Rudi Bubi von Strudl zur Buchtelau (Thomas Schubert) ist zum Vegetarismus konvertiert und lässt sich im Kaffeehaus lieber frisch gebackene Buchteln servieren.

Der in Wien gepflegten Blutwurst-Diät des Báthory-Clans kann er nichts abgewinnen. Psychologischen Beistand holt er sich bei seinem Therapeuten Theobald Tandem (Lars Eidinger) – auch, weil ihn die Nachrichtenlage in eine handfeste Identitätskrise stürzt.

Illustres Kuriositätenkabinett auf Vampirjagd

„Völlig entleerte Opfer!“, titelt die Boulevardpresse angesichts des wachsenden Aderlasses in den Straßen, welcher die Ankunft der Tante begleitet. Inspektor Unglaube (Karl Markovics), eine echte Wiener Melange aus Detective Colombo und Inspector Clouseau, tappt bei seinen Ermittlungen im Dunkeln.

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Das illustre Kuriositätenkabinett komplettieren die Vampirologen Theobastus Bombastus (André Jung) und Nepomuk Nachbiss (Marco Lorenzini), die für den Kongress „Vampire und ihre Identität im Zeitalter der virtuellen Reproduzierbarkeit unter besonderer Berücksichtigung ihrer Archäologie in Film und Fernsehen“ angereist sind.

Die Berliner Regisseurin Ulrike Ottinger zielt mit „Die Blutgräfin“, uraufgeführt im Februar auf der Berlinale, also eindeutig auf den höheren Unsinn ab, den man nach ihren dokumentarischen Arbeiten von der 84-Jährigen nicht mehr erwartet hätte. Zum Drehbuch hat ihr Elfriede Jelinek zugearbeitet, seit dem Piratinnen-Klamauk „Madame X – Eine absolute Herrscherin“ ein Fan Ottingers.

So mischt sich auch der gute alte Wiener Schmäh in das Sprach-Kauderwelsch der K.u.K.-Wiedergängerinnen. „Würgeschatzerl“ nennt Birgit Minichmayr in der Rolle der Kammerzofe der Gräfin einmal ihre Chefin. Mit „Die Blutgräfin“ bietet Ottinger ein erstklassiges deutsch-französisch-österreichisches Ensemble auf, das sich relativ ungehemmt durch die Báthory-Legende und den ihr anhängenden Vampirmythos blödelt. In einer Nebenrolle als Zeremonienmeisterin einer Vampir-Gesellschaft singt Conchita Wurst ihren ESC-Hit „Rise Like A Phoenix“.

Legenden ranken sich um die „Blutgräfin“ Báthory

Die echte Baronin wurde 1611 des Mordes an zahlreichen Dienerinnen verurteilt. Eine andere Version lautet, dass sie im Blut von jungfräulichen Mädchen gebadet habe. Seriöse Quellen berichten hingegen von einer politischen Intrige, der die Gräfin zum Opfer gefallen sein soll.

Zofe Hermine (Birgit Minichmayr, links) und Gräfin Erzsébet Báthory (Isabelle Huppert) in der Wiener Unterwelt.

Die Legende hat die Kunstgeschichte inspiriert, gerade auch das Kino. Zuletzt spielte Vicky Krieps in der Netflix-Serie „Monster“ Báthory. Die Mischung aus Hochkultur und niederen Instinkten passt perfekt ins Rollenbild von Huppert, die sich in „Die Blutgräfin“ durch eine opulente Theaterlandschaft chargiert.

Diese geschmackvollen Geschmacklosigkeiten sind mit viel Sinn für überbordende Set-Designs in Szene gesetzt, für die Wien mit seinem morbiden Bühnen-Charme natürlich die ideale Kulisse abgibt. „Die Blutgräfin“ fungiert auch als schöner Vorwand für einen Streifzug durch die Stadt, von der Seegrotte über den Narrenturm mit seiner Sammlung anatomischer Missbildungen über die stockigen Kaffeehäuser und den Prater bis zum Stephansdom.

Ottinger hat ihre Kulissen in schwere, blutrote Stoffe gehüllt, und dazu Huppert mit den gruftigen Insignien einer Dame der höheren Gesellschaft ausgestattet. Die Handtasche der Blutgräfin ist einem Sarg nachempfunden, an ihrem Handgelenk hängt eine zahme Fledermaus, die Botenflüge verrichtet. Auch wenn „Die Blutgräfin“ am Ende über mehr Stil als Substanz verfügt, lohnt sich dieser bizarre Städtetrip. Nie sah Wien untoter aus.

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Nach Bad Bunny und seiner eigenen Ehefrau: Jay-Z übernimmt die Halbzeit-Show beim Super Bowl 2027

Tue, 27 Oct 2026 04:44:48 +0100

Nach Bad Bunny und seiner eigenen Ehefrau: Jay-Z übernimmt die Halbzeit-Show beim Super Bowl 2027

Sie gilt als größte Bühne der Welt: die Halbzeit-Show des Super Bowl. Im kommenden Football-Endspiel wird der Rapper und Mann von Beyoncé den prestigeträchtigen Auftritt bestreiten.

Stand: 27.10.2026, 06:30 Uhr

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Der Rapper Jay-Z (56) wird im kommenden Februar bei der Halbzeit-Show des Super Bowl auftreten. Das teilten Apple Music, die National Football League (NFL) und Jay-Zs Unternehmen Roc Nation mit.

„Von ‚Reasonable Doubt‘ bis zum Auftritt auf der Super-Bowl-Halbzeitbühne, das war eine lange Reise“, sagte der Musiker in einer Pressemitteilung. „Dreißig Jahre Musik, Arbeit und Kultur auf der größten Bühne der Welt. Dieser Weg ist weiterhin wie ein wahr gewordener Traum.“

Das Endspiel der Saison im American Football findet am 14. Februar 2027 im SoFi Stadium in Inglewood im US-Bundesstaat Kalifornien statt. Im vergangenen Frühjahr war Latin-Superstar Bad Bunny beim Super Bowl aufgetreten.

Jay-Z, der mit bürgerlichem Namen Shawn Carter heißt, wuchs im New Yorker Stadtteil Brooklyn auf. 1996 veröffentlichte er sein Debütalbum „Reasonable Doubt“. Hit-Songs wie „Empire State of Mind“ oder „Crazy in Love“ machten ihn weltweit berühmt.

Carter war zunächst an der Plattenfirma Roc-a-Fella beteiligt, 2008 gründete er das Unternehmen Roc Nation. Mit seiner Musik gewann der Hip-Hop-Star 25 Grammys. Seit 2008 ist er mit der Sängerin Beyoncé verheiratet, das Paar hat drei Kinder. (dpa)

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Marie-Elisabeth Hecker und Martin Helmchen: Feinsinniges Zusammenspiel im Boulez Saal

Mon, 26 Oct 2026 13:30:36 +0100

Marie-Elisabeth Hecker und Martin Helmchen: Feinsinniges Zusammenspiel im Boulez Saal

Eingespielte Partnerschaft, nicht nur auf der Bühne. Die gefeierte Cellistin Marie-Elisabeth Hecker und der Pianist Martin Helmchen interpretieren Schumann, Beethoven und Weinberg mit berührender Tiefe.

Von Kirsten Liese

Stand: 26.10.2026, 23:01 Uhr

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Intime Zweisamkeit auf dem Podium reizte sie schon von Anfang an. Berühmte Lehrmeister wie Gidon Kremer oder Yuri Bashmet, denen Marie-Elisabeth Hecker vor zwanzig Jahren auf Kammermusikfestivals begegnete, vermittelten ihr die scheinbar so banale, aber vielfach unterschätzte hohe Kunst des Aufeinander-Hörens.

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Die Serie „Warten auf´n Bus“ im Berliner Ensemble: Zu unserer Krisengegenwart haben Ralle und Hannes einiges zu sagen

Mon, 26 Oct 2026 12:21:52 +0100

Die Serie „Warten auf´n Bus“ im Berliner Ensemble: Zu unserer Krisengegenwart haben Ralle und Hannes einiges zu sagen

Die Fernsehserie „Warten auf’n Bus“ gibt es jetzt auch im Theater: Oliver Bukowski und Hannah Zufall haben für das Berliner Ensemble zwei neue Episoden verfasst, Max Hopp hat sie inszeniert.

Von Christine Wahl

Stand: 26.10.2026, 17:56 Uhr

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Ende vierzig, „Frau weg, Job weg“ und heimisch im ländlichen Brandenburg: Was im Rest der Republik als manifestes Klischee gelten dürfte, hat der Dramatiker Oliver Bukowski vor sechs Jahren zu einer herrlichen Fernsehserie gemacht.

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Zum Tod des Schriftstellers Joachim Lottmann: Selbst das eigene Sterben hat er zu einem Roman gemacht

Mon, 26 Oct 2026 09:55:15 +0100

Zum Tod des Schriftstellers Joachim Lottmann: Selbst das eigene Sterben hat er zu einem Roman gemacht

Monatelang hat der krebskranke Schriftsteller Joachim Lottmann Tagebuch geführt und davon erzählt, dass er nicht mehr lange zu leben hat. Nun ist er im Alter von 70 Jahren gestorben.

Von Gerrit Bartels

Stand: 26.10.2026, 11:34 Uhr

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Es klang dramatisch, was der Schriftsteller Joachim Lottmann in den letzten Tagen in sein „Langweiliges Tagebuch“ notierte, nachdem er in Wien in ein Sterbehospiz gekommen war: „Der allerletzte Akt. Von hier aus kommt keiner mehr raus“, schrieb er. Zunehmende Blut- und Atemnot plagte ihn, und schließlich, in seinem allerletzten Eintrag am Freitag, den 23. Oktober: „Ich erwarte täglich das Aus. Tod durch Ersticken.“ Am Sonntag ist Lottmann dann gestorben, drei Wochen nach seinem 70. Geburtstag.

Seit Anfang Februar dieses Jahres führte Lottmann bei Facebook und Instagram dieses Tagebuch und berichtete von seinem Sterben.

Was er dort schrieb, steht zwar unweigerlich im Zeichen der nicht mehr zu heilenden Krebserkrankung und des nahenden Todes. Aber Lottmann wollte dem Tod in seinen Zeilen nicht allzu viel Platz einräumen, trotz akuter Krisen und mehrerer Krankenhausaufenthalte. Die Grundzüge dieses Tagebuchs, im Verein mit den Fotos dazu: Haltung und Heiterkeit. Öffentlich Würde und Humor bewahren, die Verzweiflung zurückdrängen.

Was unsere Pharma-Industrie alles kann. Streichholzkleine Hightech-Geräte regeln die Sauerstoffmischung. Toll.

Joachim Lottmann in seinem „Langweiligen Tagebuch“

Am 9. Februar schrieb Lottmann: „Gestern landete ich in Berlin, um mein Leben wieder aufzunehmen, das, wie alle wissen, durch eine ekelhafte Krankheit unterbrochen worden war. (…) Schon im Flugzeug war die Laune überschwänglich gewesen.“

Oder am 5. Juli: „Wie jetzt nahezu alle Tage, war der gestrige wieder großartig und schön.“ Und am 23. Oktober, im letzten Eintrag: „Was unsere Pharma-Industrie alles kann. Streichholzkleine Hightech-Geräte regeln die Sauerstoffmischung. Toll.“

Lottmann nahm Abschied und lud alle Menschen zu sich ein, mit denen er privat und beruflich in seinem Leben zu tun hatte, also auch das Feuilleton. Nachrufe zu Lebzeiten begrüßte er ausdrücklich. Dementsprechend stolz präsentierte er in einem Eintrag zu seinem vermeintlichen 60. Geburtstag, wer in deutschen und österreichischen Zeitungen über ihn auf dem Sterbebett schon berichtet hatte. Und bemerkte dabei, dass er sein „langweiliges Tagebuch“, „wie Freunde wissen, seit 1976 schreibe“.

Sein Debütroman „Mai, Juni, Juli“ erschien 1987

So wie Joachim Lottmann aus seinem Leben versucht hat, Literatur zu machen, angefangen mit dem Debütroman „Mai, Juni, Juli“, der 1987 veröffentlicht wurde, und dessen Nachfolger „Deutsche Einheit“, so hat er das mit seinem Sterben gemacht, nahezu Tag für Tag, bis zum Ende. Wobei zu der Tragik, die einem relativ frühen Tod wie diesem ohnehin innewohnt, eine weitere Tragik gekommen ist: Lottmann war mit dem „Langweiligen Tagebuch“ erfolgreich wie nur selten in seiner Schriftstellerkarriere.

Diese Karriere weist trotz der 15 Romane, die er veröffentlicht hat, mehr Tiefen als Höhen und schon gar keine Bestsellerhöhen auf – und auch nur einen Preis, den Wolfgang-Koeppen-Preis. Der wurde ihm – das ist Usus bei diesem Preis – 2010 von seiner Vorgängerin verliehen, Sibylle Berg. Wie sagte sie es in ihrer Laudatio: „Joachim Lottmann ist für mich einer der unterschätzten Schriftsteller Deutschlands. (…) Er hat die Gabe, zu beobachten, ohne dabei zu verbittern.“

Dieses „Nie-verbittert-sein“ trifft es gut. Was Lottmann nicht davon abhielt, auszuteilen und boshaft zu sein. Wenn er seinen Erzähler zum Beispiel in dem 2015 veröffentlichten Roman „Happy End“ über die von ihm ausgewählte Koeppen-Preisträgerin Anna Katharina Hahn herziehen lässt, die hier allein den schon bezeichnenden Namen Werkmüller bekommen hat: „Die Person war genauso ungenießbar wie die sogenannte Prosa, die sie schrieb.“ Oder: „Die Sätze sind meistens nur formal richtig bei der Werkmüller, nicht aber vom natürlichen Empfinden her. (…) Es sind Kopfgeburten, die noch nicht einmal wissen, dass sie das sind.“

Joachim Lottmann konnte bei aller Freundlichkeit, die er im Umgang ausstrahlte, sehr gemein sein. Selbst in seinem Tagebuch fand er noch beleidigende Worte für die Bachmann-Preisträgerin dieses Jahres, Lena Schätte.

2010 erhielt Lottmann den Wolfgang-Koeppen-Preis

Und trotzdem: Es hatte etwas Rührendes, wie er an dem Label „Pop-Literatur“ festhielt. Wie er sich mit seiner einstigen Bekanntschaft zu Autoren wie Diedrich Diederichsen, Rainald Goetz oder Wolfgang Herrndorf schmückte. Oder wie er meinte, stetig der „Jugend von heute“, so einer seiner Romantitel, auf die Spur kommen zu müssen.

Joachim Lottmann ist mehr noch als ein leichthändiger Erzähler und Lebensmitschreiber ein Original gewesen. Als ein solches wird er der deutschsprachigen Gegenwartsliteratur sehr fehlen.

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Das DSO in der Philharmonie: Oscarpreisträgerin Hildur Guðnadóttir mit düster-romantischer Klang-Wellness

Mon, 26 Oct 2026 00:29:48 +0100

Das DSO in der Philharmonie: Oscarpreisträgerin Hildur Guðnadóttir mit düster-romantischer Klang-Wellness

Ihre Musik ist aus zahlreichen Filmen bekannt, Oscar und Grammy hat sie längst im Regal stehen. Jetzt spielte die Komponistin ihre eigene Musik am Cello.

Von Thomas Wochnik

Stand: heute, 07:47 Uhr

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Das penetrant vordergründige, vielfach verdichtete Knackgeräusch eines Geigerzählers fräst sich als markante Textur durch eine stehende Weltuntergangs-Dissonanz. Von dieser Musik untermalt, betreten die russischen Arbeiter als menschliche Räum-Roboter das Dach des noch nachbrennenden Reaktors IV in Tschernobyl, dessen Strahlung ihre Haut in vergleichbar destruktiver Weise perforieren dürfte wie das Geräusch den Klang. Für die Musik zu Johan Rencks Miniserie „Chernobyl“ (2019) erhielt sie einen Grammy, für ihre Filmmusik zu Todd Phillips’ „Joker“ (2019) noch im selben Jahr einen Oscar.

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„Antigone. Der Abschied“ in der Schaubühne: Unfreiwillige Komik zum Streit um die Asche

Sun, 25 Oct 2026 14:45:21 +0100

„Antigone. Der Abschied“ in der Schaubühne: Unfreiwillige Komik zum Streit um die Asche

Die Schaubühne zeigt eine zeitgenössische, britische Fassung des antiken Dramas, die den Sophokles-Kosmos ins Private verkleinert. Das macht ihn nicht interessanter.

Von Christine Wahl

Stand: heute, 14:45 Uhr

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Stolz und betriebsam steht Erika am Marmorküchentresen. Ja, die Küchenzeile ist wirklich perfekt: Erika und Chris hatten für das alte Haus, das sie gerade bezogen haben und selbstredend von Grund auf sanieren lassen, extra jemanden engagiert, der sich intensiv in Räume „hineinfühlt“, um herauszufinden, welches spezifische Innendesign sie jeweils brauchen.

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So war der „Fliegender Holländer“ an der Deutschen Oper: Sehr viel Aufwand für wenig Erkenntnis

Sun, 25 Oct 2026 14:23:48 +0100

So war der „Fliegender Holländer“ an der Deutschen Oper: Sehr viel Aufwand für wenig Erkenntnis

Mit Spannung wurde erwartet, ob Regisseur Milo Rau mit der Neuinterpretation von Wagners Oper die Debatte um deutsche Schuld, Israel und Palästina aufmischt. Aber er verzettelt sich.

Von Udo Badelt

Stand: heute, 14:26 Uhr

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Der Begriff „Erlösung“ ist in einer post-religiösen Gesellschaft etwas aus der Mode gekommen, für Wagnerianer jedoch noch ziemlich präsent. Denn ständig muss in seinen Opern jemand erlöst werden – Tannhäuser, das Volk von Flandern, Tristan, Wotan, die Gralsritter. Und der Holländer, natürlich.

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Zum Abriss des Hitler-Bunkers: Der Investor wusste genau, welche Grundstücke er kaufte

Sun, 25 Oct 2026 12:49:36 +0100

Zum Abriss des Hitler-Bunkers: Der Investor wusste genau, welche Grundstücke er kaufte

Der Hitler-Bunker muss als Denk-Ort erhalten bleiben – zur Not mit Überbauung. Wer ein solches Gelände erwirbt, muss die Geschichte akzeptieren.

Ein Kommentar von Nikolaus Bernau

Stand: heute, 13:03 Uhr

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Nun hat nach vielen anderen auch der Architekten- und Ingenieurverein zu Berlin-Brandenburg (AIV) sich vehement für den Erhalt der Reste des „Führerbunkers“ eingesetzt. Dabei ist dieser 1824 von Staatsbaubeamten im Umkreis Karl Friedrich Schinkels begründete Klub meist eher konservativ-zurückhaltend. Aber nun setzte sich das Erbe des preußischen Beamtentums durch, den Staat vor einem Fehler zu bewahren.

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Bonnie Garmus und ihr neuer Roman „Peck & Peck“: Poesie ist unverzichtbar und kann die Welt retten

Sun, 25 Oct 2026 11:16:36 +0100

Bonnie Garmus und ihr neuer Roman „Peck & Peck“: Poesie ist unverzichtbar und kann die Welt retten

Die US-Schriftstellerin Bonnie Garmus hat einen Roman über die Turbulenzen bei einer Lyrikzeitschrift geschrieben – und darüber, wie essenziell Lyrik ist.

Von Gerrit Bartels

Stand: heute, 11:16 Uhr

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Man kann es gar nicht anders als großartig finden, dass die amerikanische Schriftstellerin Bonnie Garmus in das Zentrum ihres neuen Romans „Peck & Peck“ ausgerechnet eine Lyrikzeitschrift gestellt hat. In einer Zeit, in der das Lesen nicht mehr hoch im Kurs steht, in der es tatsächlich eine manifeste Krise des Lesens gibt, über Menschen zu schreiben, die sich tagein, tagaus mit Gedichten beschäftigen, ob als Inhaber der Zeitschrift, als Lektorinnen und Lektoren oder als Schreibende, das hat was, zumal die Lyrik in der großen weiten Welt der Literatur in einer Nische stattfindet.

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Tilda Swinton, Harry Styles und Patti Smith: Für diese Events 2027 sichert man am besten jetzt schon Karten

Thu, 22 Oct 2026 11:24:59 +0200

Tilda Swinton, Harry Styles und Patti Smith: Für diese Events 2027 sichert man am besten jetzt schon Karten

Auch Musik-Genuss bedarf Planung, vor allem wenn man sich nicht auf Ticket-Tauschbörsen verlassen möchte. Unsere Konzert- und Event-Tipps für vorausschauende Berliner:innen.

Von Ticket Redaktion

Stand: heute, 08:16 Uhr

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Ja, es ist irgendwie gaga, schon fürs nächste Jahr seine Freizeit zu planen – oder, wie wir, sogar bis zum 28. Juli 2028. Bis dahin könnte man verheiratet und wieder geschieden sein oder Zwillinge haben. Aber wer seine Idole live sehen möchte, dem bleibt nichts anderes übrig, viele Konzerte sind einfach superfix ausverkauft. Für Die Ärzte, Grönemeyer oder selbst die Indieband Aghata is Dead! sind Sie schon zu spät, sorry.

Wir legen Ihnen hier verfügbare Events ans Herz, die das Warten lohnen (und die Zwillinge nehmen Sie dann einfach mit). Viel Spaß wünscht Team Ticket!

1 Solo auf der Bühne: Tilda Swinton

Bereits vor 30 Jahren spielte Swinton „Man to Man“ am Traverse Theatre und am Royal Court Theatre.

Elegant, cool, wandlungsfähig, charismatisch – in der Beschreibung von Tilda Swinton werden Filmkritikerinnen wie Regisseure zu Fanboys und -girls. Zu Berlin hat die Schottin, die unter anderem mit Jim Jarmusch, Wes Anderson und Pedro Almodóvar gedreht hat, eine besondere Beziehung: 40 Jahre Kameradschaft verbinden sie mit der Stadt und der Berlinale, betonte sie im vergangenen Jahr in ihrer Dankesrede für den Goldenen Ehrenbären.

Immer wieder sei ihr Berlin ein „Zuhause“ gewesen, das sagte sie auf Deutsch. Jetzt kehrt die 65‑Jährige pünktlich zur nächsten Berlinale heim – ans Theater. Am Berliner Ensemble spielt sie die Solorolle in „Man to Man“, der Geschichte einer Frau, die in den 1930ern nach dem Tod ihres Mannes dessen Identität annimmt.

Geplant sind acht Vorstellungen – danach muss man nach New York fliegen, um das Stück zu sehen. Für die Karten gibt’s ein Prozedere wie bei Taylor Swift: Erst muss man sich für eine Lotterie registrieren (ab 5.11.), dann heißt es Daumen drücken, Ende November werden die Karten verlost. (ans)

2 Stoppt nur in Berlin: Harry Styles

Soll mittlerweile Wahl-Berliner sein: Harry Styles

Und noch ein Brite mit einer speziellen Berlin-Geschichte – 2025 lief er als „Sted Sarandos“ fast unerkannt den hiesigen Marathon mit. In einer Megazeit (unter drei Stunden). Falls Sie jetzt neidisch sind, weil manche Leute einfach alles auf die Reihe zu kriegen scheinen (drei Grammys, zwei große Filmrollen, „Vogue“-Cover, Role Model für neue Männlichkeit): Nächsten Sommer spielt der Herr auf seiner „Together, Together“-Welttournee hintereinander vier Konzerte bei uns.

Und muss natürlich jeden Abend performen, als gäbe es kein Morgen. Fällt einem mit 32 wahrscheinlich nicht mehr so leicht wie zu Zeiten von One Direction. Dem Vernehmen nach plant Styles außerdem seine Hochzeit und muss vermutlich all seine prominenten Ex-Freundinnen einladen. Also, wollen Sie tauschen? (ans)

3 Hip-Hop-Hochadel: Die Fantastischen Vier

Nach mehr als tausend Konzerten und ca. 25 Tourneen noch ein letztes Mal auf Tour: Die Fantastischen Vier

Dass die letzten Alben ihrem Kanon an Hits keine Neuzugänge beschert haben, muss niemand traurig machen. Denn da hat sich in fast 40 Karrierejahren mit Ohrwürmern wie „Die da!?!“, „Sie ist weg“, „Tag am Meer“ oder „MFG – Mit freundlichen Grüßen“ einiges angesammelt.

Als Die Fantastischen Vier 1989 mit simpel gereimtem Spaßrap antraten, ahnte wohl niemand, dass Michi Beck, Thomas D, Smudo und And.Ypsilon (v.l.n.r.) mal zum einheimischen Pop-Hochadel zählen würden. Doch das anfangs oft belächelte Quartett hat mehr für den Siegeszug deutschsprachiger Rapmusik getan als irgendwer sonst. „Der letzte Bus“ soll die finale Tour der schwäbischen Hip-Hop-Superhelden werden. (wun)

4 Auf Abschiedstour: Rod Stewart

Abschied mit Ansage: Rod Steward plant seine letzte Tour

Den Kids muss man den Namen wahrscheinlich buchstabieren, aber wer mit einer „Kuschelrock“-Sammlung aufgewachsen ist, weiß Bescheid: Auf der dritten Platte ist er mit „Sailing“ vertreten, auf der sechsten mit „Every Beat Of My Heart“ (gleich nach „Why“ von Annie Lennox). Hat man im Ohr, oder?

Aktuell nimmt der 81-jährige Brite Abschied von den Bühnen der Welt und kommt auf „The Final Encore“-Tour auch an die Spree. Für seine Setlist hat Sir Roderick David Stewart viel Auswahl, hat er doch über Jahrzehnte immer wieder mal einen Nummer-1-Hit rausgehauen (über 250 Millionen verkaufte Tonträger). (ans)

5 Komm mal her: Max Raabe

Seine ersten Gesangserfahrungen soll er im Kirchenkinderchor gesammelt haben: Max Raabe

Zwölf Shows an 13 Tagen. Der Mann ist ein Phänomen. Im Februar 2027 „gehört“ der Admiralspalast Max Raabe und seinem Palastorchester. Seit 40 Jahren sind sie zusammen auf Tournee. Anfangs allein mit Hits aus den 20ern und 30ern, doch längst sind es viele eigene Songs. So wie die aktuelle Single „Komm mal her“, bei der Annette Humpe und Achim Hagemann als Produzenten ihre talentierten Hände im Spiel hatten.

„Komm mal her / Setz dich zu mir hin / Sei nicht so betrübt / Es ist gut, dass es dich gibt“, heißt es dort. Trost, den wir in diesen Zeiten gebrauchen können. Das dazugehörige Album erscheint nächstes Jahr. (wei)

6 Geburtstags-Konzert: Patti Smith

Patricia Lee Smith, alias Patti Smith, ist auch mit 80 noch auf der Bühne zuhause.

Der 80. Geburtstag ist schon eine Hausnummer, auch für Fans. Wie oft werden die ganz Großen noch auftreten können, wie oft eine Tour auf anderen Kontinenten durchstehen?

Patti Smith feiert am 30. Dezember diesen runden Geburtstag, scheint aber, im Gegensatz zum oben erwähnten Kollegen (Tipp 4), noch kein Bedürfnis nach Ruhestand zu haben. Zumindest plant die US-Musikerin im Sommer gleich vom Roskilde-Festival auf die Zitadelle zu hüpfen. Die „Queen of Cool“, wie sie ihr Freund Michael Stipe mal genannt hat, kommt mit Band, in der auch ihr Sohn Jackson Smith spielt. (ans)

7 BOOM! Florentina Holzinger

Florentina Holzinger eröffnet die Spielzeit der Komischen Oper 2027 im Hangar 4 des ehemaligen Flughafens Tempelhof.

„I swim in your piss“ lautet bis 11.11. das Motto im Österreichischen Pavillon der Biennale in Venedig. In Florentina Holzingers Performance ziehen ihre nackten Performerinnen auf einem Jetski wütend ihre Kreise und treiben in einem Tank mit (gereinigten) Besucher:innen-Urin. Plakativ, provokant und doch stringent als Auseinandersetzung mit dem Leben in der Lagune.

Im Frühjahr kommt „Seaworld Venice“ in den Gropius Bau. Schon jetzt kann man sich einen Platz (und Early-Bird-Rabatt) für ihre noch namenlose Arbeit sichern, mit der die Komische Oper ihre nächste Spielzeit im Flughafen-Hangar spektakulär eröffnen wird. Thema sind der Krieg und seine ideologischen Triebkräfte. Boom! (ipa)

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Jubiläums-Comic zum 80. Geburtstag: Lucky Luke wird zum Wildwest-Heiligen

Sun, 25 Oct 2026 08:02:16 +0100

Jubiläums-Comic zum 80. Geburtstag: Lucky Luke wird zum Wildwest-Heiligen

Was kann ein Cowboy nach acht Jahrzehnten noch erleben? Der neue Lucky-Luke-Band zeigt: sehr viel. Zwischen Saloon und Prärie des 19. Jahrhunderts warten häufig Gegenwartsthemen.

Von Shireen Broszies

Stand: heute, 08:01 Uhr

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Er ist der Mann, der schneller schießt als sein Schatten: Die Comicfigur Lucky Luke wird 80 Jahre alt. Mitte November 1946 erschien im Magazin „Spirou Almanach 1947“ die erste Geschichte mit dem Cowboy. Am 3. November erscheint nun die Jubiläumsausgabe „Heiliger Lucky!“ in Deutschland.

In acht Jahrzehnten hat Lucky Luke im Wilden Westen des 19. Jahrhunderts viel gesehen: Banditen und Gefängnisausbrüche, Goldrausch, Eisenbahn und Telegraf. Da könnte irgendwann die Frage aufkommen: Was kann ein 80 Jahre alter Cowboy eigentlich noch alles erleben?

„Flat Earthers“ im Wilden Westen

Die Kulisse im neuen Band „Heiliger Lucky!“ ist vertraut wie vor 80 Jahren, doch viele der abgehandelten Themen finden sich in unserer Gegenwart wieder. So trifft der einsame Cowboy gleich zu Beginn auf einen Mann, der ihn vom Weiterreiten abhalten will. Hinter dem Horizont sei die Welt zu Ende. Als Lucky Luke einwendet, auf seiner Landkarte liege dort Nebraska, lässt sich der Mann nicht beirren. Dass die Erde rund sein soll, hält er für „Humbug der Regierung in Washington“, die den Leuten das nur einreden wolle, damit sie mehr Steuern zahlten.

Auch heute gibt es Menschen, die glauben, dass die Erde eine flache Scheibe sei. Sogenannte Flat Earthers (auf Deutsch: Flacherdler) gehen laut Bundeszentrale für politische Bildung etwa davon aus, dass die Antarktis eine Eiswand am Rand der Erde bilde und die Wahrheit darüber verheimlicht werde.

Lucky Luke wundert sich über Verschwörungstheorien

In der nächsten Stadt, in der Lucky Luke Halt macht, ist man bereits ans Telegrafennetz angeschlossen. Neuigkeiten verbreiten sich schneller als früher. Allerdings nicht nur das: Auch Tratsch, Gerüchte und Verschwörungserzählungen machen die Runde. Lucky Luke wundert sich darüber, „wie viel Unsinn durchs Netz ins Haus kommt“.

Das kommt einem aus der heutigen Zeit sehr bekannt vor: Falschinformationen gehören für viele Menschen längst zum Alltag. Einer repräsentativen Studie des Digitalverbands Bitkom vom Mai zufolge stoßen neun von zehn Menschen in Deutschland auf absichtlich verbreitete, falsche oder irreführende Informationen im Netz.

Der Witz des Comics liegt nicht selten in diesen Parallelen: Man ist unverkennbar im Wilden Westen, hört aber Sätze und Argumente, die heute überhaupt nicht fremd klingen.

Gott als Geschäft

Der Band greift auch ältere Debatten auf. Das gilt vor allem für sein zentrales Thema: Religion und die Frage, was passiert, wenn Glaube mit Macht, Verehrung und Geld zusammenkommt.

Als Lucky Luke einen Prediger vor Banditen rettet, wertet dieser seine Rettung als göttliche Fügung und macht aus dem Cowboy kurzerhand einen Heiligen. Wenig später gründet der gerettete Prediger rund um Lucky Luke eine eigene Glaubensgemeinschaft: den „Lukismus“.

Ein Mitarbeiter der Druckerei Mohn Media Mohndruck prüft mit einem Fadenprüfer Druckbögen mit dem Cover des 103. Bandes von Lucky Luke mit dem Titel „Heiliger Lucky!“.

Außerdem haben Bewohner an einem Ort all ihr Erspartes von der Bank geholt, um es der Kirche zu spenden. Im Saloon bringt es eine Figur ziemlich trocken auf den Punkt: Im Wilden Westen könne man sein Geld auf viele dumme Arten verlieren. „Religion ist da definitiv die langweiligste!“

Das lässt sich durchaus als Kirchenkritik lesen. Allerdings nicht als bloße Abrechnung mit dem Glauben selbst. Zielscheibe sind eher Kult, Macht und der Versuch, aus dem Glauben anderer Kapital zu schlagen.

Wem gehört der Wilde Westen?

Bei aller Komik kommt der Band auch auf eine ernste Vergangenheit, und zwar die Eroberung des „Wilden Westens“, zurück. Eine Figur sagt offen, man versuche seit Jahren, die indigene Bevölkerung zu vertreiben, um sich ihr Land anzueignen. Damit rückt an dieser Stelle eine Frage nach vorn, die diese Welt überschattet: Wem gehört das Land und was geschieht beziehungsweise geschah mit den Menschen, die dort längst lebten?

Zeichner Achdé und Autor Jul haben auch den neuen Band „Heiliger Lucky!“ zum 80. Geburtstag des Cowboys gestaltet.

Gerade hier zeigt sich auch ein Widerspruch: Inhaltlich benennt der Band die Verdrängung, sprachlich hält er an Teilen der alten Westernwelt fest. In der deutschen Fassung tauchen weiterhin etwa Bezeichnungen für indigene Menschen auf, die heute als überholt oder abwertend gelten können. Sie werden nicht weiter kommentiert. Das kann man als Treue zum ursprünglichen Ton der Comic-Reihe lesen. Wer solche Begriffe heutzutage nicht mehr lesen möchte, dürfte daran hängenbleiben.

80 Jahre im Sattel

Erfunden wurde Lucky Luke vom belgischen Zeichner Morris. Ab Mitte der 1950er Jahre prägte René Goscinny als Texter viele Geschichten. Nach Morris' Tod 2001 wurde die Reihe weitergeführt. Heute zeichnet der Franzose Achdé die Abenteuer, der ebenfalls aus Frankreich stammende Jul schrieb „Heiliger Lucky!“

Auch außerhalb der Hefte wurde der Cowboy längst zum Popkultur-Klassiker. Neben Zeichentrickfassungen entstanden mehrere Realfilme, so schlüpften Terence Hill und Til Schweiger in die Rolle des einsamen Westernhelden.

Lucky Luke selbst hat sich über die Jahrzehnte verändert. Lange gehörte die Zigarette zu ihm wie das rote Halstuch. 1983 gab der Cowboy das Rauchen auf, seither kaut er immer wieder auf einem Grashalm. Die Weltgesundheitsorganisation WHO zeichnete Morris später für dieses gute Beispiel im Kampf gegen Krebs aus.

Ganz ohne die alten Rituale geht es natürlich nicht. Lucky Luke bleibt der „poor lonesome cowboy“, der auch in dieser Geschichte am Ende einsam in den Sonnenuntergang reitet und sein Lied singt. (dpa)

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Ist Metal Eskapismus?: „Eine Platte zu machen, ist wie in die Minen hinabzusteigen“

Wed, 21 Oct 2026 16:20:34 +0200

Ist Metal Eskapismus?: „Eine Platte zu machen, ist wie in die Minen hinabzusteigen“

Mit „Estuary“ erscheint das achte Album der US-amerikanischen Metal-Band. Schlagzeuger Aaron Weaver über seine neue Heimat Berlin, geplatzte Blutgefäße und die Sinnlichkeit des Moshpits.

Von Moritz Honert

Stand: 24.10.2026, 18:10 Uhr

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Herr Weaver, Sie sind Schlagzeuger der Band Wolves in the Throne Room. Sie veröffentlichen dieser Tage Ihr neues Album „Estuary“. Für viele Menschen klingt Black Metal nach atonalem Krach, wie statisches Rauschen. Verstehen Sie das?
Ja, natürlich. Black Metal arbeitet noch mehr als jedes andere Metal-Genre mit Texturen. Allein dadurch, wie die Musik gemacht wird: das Schichten von Klängen und Strukturen aus extremer Verzerrung.

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Abendessen mit Odysseus: Warum der Katzenellenbogen-Zyklus von Lovis Corinth so bedeutsam ist

Fri, 09 Oct 2026 11:59:13 +0200

Abendessen mit Odysseus: Warum der Katzenellenbogen-Zyklus von Lovis Corinth so bedeutsam ist

Für das Speisezimmer des Ehepaars Katzenellenbogen malte Lovis Corinth elf Bilder. Sie zeigen epische Szenen aus Antike und Mittelalter. Jetzt sind sie Teil einer neuen Ausstellung.

Von Udo Badelt

Stand: 24.10.2026, 16:59 Uhr

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Im knitterigen Gesicht des Mannes, von zehn Jahren Seefahrt und Meereswind gegerbt und gewalkt, lauert Anspannung. Die Augen sind bis auf einen Schlitz zugekniffen. Der hagere, nicht mehr junge Oberkörper krümmt sich zu einem angedeuteten Bogen und findet sein Gegenstück in dem tatsächlichen Bogen, den er gerade spannt. Wir sehen Odysseus bei der Heimkehr nach Ithaka in dem Augenblick, in dem er sich zu erkennen gibt und seine Pfeile auf die Freier richtet. Die haben, so steht es bei Homer, seine Gattin Penelope in all den Jahren der langen Abwesenheit umgarnt und bedrängt.

„Odysseus im Kampf mit den Freiern“ ist das berühmteste Gemälde des Katzenellenbogen-Zyklus, der ein Hauptwerk im Schaffen von Lovis Corinth darstellt. Corinth schuf die elf Werke des Zyklus auf dem Höhepunkt seiner Berliner Zeit in den Jahren 1913 und 1914. Der Name geht zurück auf das Ehepaar Estella und Ludwig Katzenellenbogen, das die Bilder zur Ausschmückung des Speisezimmers in ihrem Gut Freienhagen nördlich von Berlin bestellt hatte.

Fast parodistische Überzeichnung

Es sind epische Erzählungen, denen Corinth die Motive entnommen hat: Homers „Odyssee“ und Ariosts „Der rasende Roland“ („Orlando furioso“), gemalt auf Leinwand mit Tempera, also Farben, die durch ein überwiegend wässeriges Bindemittel gemischt sind. Die scheinbar schnellen Striche und die fast parodistische Überzeichnung sind typisch für diese Phase von Corinths Schaffen. Am dramatischen Gestus der Gemälde lässt sich Corinths Leidenschaft fürs Theater ablesen, die ihn auch dazu brachte, mit Regisseur Max Reinhardt zusammenzuarbeiten.

„Odysseus im Kampf gegen die Freier“

Im „Odysseus“-Bild steht – oder besser: kniet – der Held zwar im Mittelpunkt, aber er ist nicht alleine: Ein alter, weißbärtiger Kampfgefährte erhebt grimmig den Speer, in der rechten Ecke schreit sich Odysseus’ Sohn Telemachos Mut zu, in der Mitte überblickt Schutzgöttin Athene mit großen rollenden Kugelaugen die Szene. Ein zweites Gemälde zeigt quasi als Gegenstück die rosenkranzgeschmückten und dadurch der Lächerlichkeit preisgegebenen Freier im Kampf gegen Odysseus. Einer ist schon vom Pfeil durchbohrt.

„Die Freier im Kampf gegen Osysseus“

Drei weitere Werke des Zyklus entstammen der Welt des „Rasenden Roland“, einem Versepos aus dem 16. Jahrhundert. Ariost erzählt hier in verwickelten Erzählsträngen unter anderem vom Ritter Roland, der an seiner Liebe zur Prinzessin Angelica wahnsinnig, eben „rasend“ wird. Hintergrund bilden die Kriege Karls des Großen gegen die islamischen Heere in Spanien.

Corinth präsentiert in einem Gemälde Ruggiero, einen weiteren Helden des Epos, mit Knappe, in einem anderen Angelica, wie sie einem Drachen zum Fraß vorgeworfen wird, sowie als Supraporte den schließlich von Ruggiero getöteten Drachen. Supraporten sind rechteckige Bilder oder Aufsätze, die den Bereich über einer Tür schmücken. Eine weitere Supraporte, „Zwei liegende Knaben“, ist keinem der beiden Epen zuzuordnen. Außerdem bildet Corinth die Dichter Homer und Ariost mit zwei hohen, schmalen Ganzkörperporträts ab.

Homer soll blind gewesen sein, so stellt ihn Lovis Corinth auch dar.

Schließlich hat Corinth, der sich immer für die künstlerische Dimension von Rausch, Ekstase und überhaupt den dionysischen Zustand interessiert hat, einen Bacchanten und eine Bacchantin gemalt – also zwei Teilnehmer einer Kultfeier für den Gott des Weines, der Entgrenzung und Auflösung. Beide sind rebenverziert, er im wilden Tanz, sie der Entrückung nahe.

Neun der elf Gemälde des Zyklus sind im Besitz der Berlinischen Galerie und dort ständig zu sehen. Sie werden jetzt auch, an einer Wand im Erdgeschoss, in die Ausstellung „Lovis Corinth. Dann kam Berlin!“ einbezogen. Ein zehntes, nämlich die „Bacchantin“, kommt als Leihgabe, es gehört zur Kunstsammlung von Axel-Springer-Chef Mathias Döpfner. Lediglich das elfte Werk fehlt: Die Supraporte „Zwei Tiger“ wurde 2023 bei Sotheby’s für rund 100.000 Euro versteigert. Wer sie heute besitzt, ist unbekannt.

„Der Bacchant“

Der gesamte Zyklus ist über die Biografie der beiden Auftraggeber eng mit Corinths eigener Lebensgeschichte verwoben, aber auch mit den Abgründen deutscher Geschichte im 20. Jahrhundert. Ludwig und Estella Katzenellenbogen hatten 1912 geheiratet, sie Tochter eines Arztes, er Brauerei-Direktor. Zu ihrem aufwendigen, repräsentativen Lebensstil gehörte auch das Rittergut in Freienhagen (heute ein Ortsteil von Liebenwalde in Brandenburg). Die Ausmalung des Speisezimmers war auf Vermittlung Paul Cassirers zustande gekommen, der als Galerist entscheidend zu Lovis Corinths Durchbruch in Berlin beigetragen hatte.

1929 ließen sich die Katzenellenbogens scheiden. Ludwig heiratete ein Jahr später die Schauspielerin Tilla Durieux, für die Corinth einst Theaterkostüme entworfen hatte. Durieux wiederum war zuvor mit Paul Cassirer verheiratet gewesen. Der hatte sich 1926, als sie ihn verlassen wollte, während der Scheidungsverhandlungen in die Brust geschossen und war daran verstorben.

1933 flüchteten Ludwig und Tilla vor der NS-Herrschaft erst in die Schweiz, dann nach Jugoslawien. Doch 1941 geriet Ludwig in die Fänge der Gestapo in Griechenland, wurde im KZ Sachsenhausen interniert und starb 1944 vermutlich an den Folgen dieser Haft im Jüdischen Krankenhaus Berlin.

Gänzlich anders verlief das Schicksal von Estella Katzenellenbogen. Nach der Scheidung ging die Hälfte des Kunstbesitzes an sie, darunter auch der vollständige Zyklus von Lovis Corinth. 1936 verließ Estella Deutschland. Die elf Bilder brachte sie in der Kunsthandlung Paul Cassirer in Amsterdam unter, die auch nach dem Tod des Namensgebers weiterbestand.

Diese Rekonstruktion zeigt, wie die Bilder des Katzenellenbogen-Zyklus im Speisezimmer des Gutshauses Freienhagen gehangen haben könnten.

In der Emigration in Los Angeles wurde Estella Katzenellenbogen zu einem wichtigen Mitglied der deutschen Exilanten-Szene. Ihr Sohn Konrad, der seinen Nachnamen bald auf „Kellen“ verkürzte, arbeitete ab 1941 zwei Jahre lang als Sekretär für Thomas Mann, kämpfte als Offizier gegen sein nationalsozialistisches Heimatland und machte später Karriere als Politikwissenschaftler. Estella handelte zeitweise mit Gemälden, vorwiegend von Paul Klee. Sie starb 1991 mit biblischen 104 Jahren in San Diego.

Der Zyklus selbst fand sich nach Jahrzehnten wieder in Berlin zusammen. Sechs Bilder kaufte die Berlinische Galerie 1980 mit Mitteln der Deutschen Klassenlotterie von der Kunsthandlung Walter Feilchenfeld in Zürich, darunter auch „Odysseus im Kampf mit den Freiern“. 2021 konnte sie den „Bacchanten“ im Auktionshaus Grisebach erwerben. Zuletzt kamen 2023 die Supraporten „Zwei liegende Knaben“ und „Der getötete Drache“ hinzu. Gemeinsam mit der „Bacchantin“ als Leihgabe werden in der Ausstellung also zehn der elf Teile des Katzenellenbogen-Zyklus zu sehen sein.

Zusätzlich soll ein Modell im Maßstab 1:12 eine Vorstellung davon vermitteln, wie diese Bilder einst im Gutshaus in Freienhagen angeordnet waren. Es basiert auf einem Grundriss des Gebäudes, der 2025 im Brandenburgischen Landeshauptarchiv entdeckt worden war. Das Gutshaus selbst existiert nicht mehr, es wurde kurz nach 1945 abgerissen.

Wenn man sieht, wie dicht die dramatischen Gemälde in dem eher kleinen Speisesaal gehängt waren, wie sie den Raum komplett dominierten, kann man sich kaum vorstellen, dass die Katzenellenbogens und ihre Gäste im Angesicht solcher Kunstwerke überhaupt dazu kamen, ihr Essen zu kauen. Diese Kunst sprengte den Rahmen, der für sie vorgesehen war.

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War uns das Mittelalter voraus, Frau Kehnel?: „Große Teile der Gesellschaft leiden unter dem modernen Lebensstil“

Tue, 20 Oct 2026 14:12:36 +0200

Was können wir vom Mittelalter lernen, Frau Kehnel?: „Man ließ es damals oft ruhiger angehen“

Annette Kehnel erkennt im Mittelalter Lösungen für heutige Krisen. Das gängige Bild dieser Epoche hält die Historikerin für verzerrt. Hilft uns der Blick in die Vergangenheit, dem Hamsterrad zu entkommen?

Von Oliver Geyer

Stand: heute, 05:00 Uhr

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Frau Kehnel, in Ihrem Buch „Wir konnten auch anders“ zeigen Sie Beispiele einer nachhaltigen Lebensweise, die in der vormodernen europäischen Geschichte zu finden sind. War uns das Mittelalter voraus?
Modelle der Vergangenheit würde ich nie zur Nachahmung empfehlen. Und ich möchte auch nicht im Mittelalter leben. Als Frau kann ich schon froh sein, dass ich den Zeiten des Wirtschaftswunders entkommen bin, in denen es nur darum gegangen wäre, eine gute Hausfrau zu werden. Aber lernen können wir von früher.

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Bach Collegium Japan in der Philharmonie: Wenn die Musik zum räumlichen Ereignis wird

Fri, 23 Oct 2026 15:47:05 +0200

Bach Collegium Japan in der Philharmonie: Wenn die Musik zum räumlichen Ereignis wird

Das Bach Collegium Japan unter Masato Suzuki führt in der Philharmonie die Brandenburgischen Konzerte auf. Die Stimmung ist ausgelassen, wie man es in klassischen Konzerten selten erlebt.

Von Johannes Furtwängler

Stand: 24.10.2026, 10:14 Uhr

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Es gibt eine besondere Art von Freude, die sich nicht in Ausgelassenheit erschöpft. Sie liegt in der Sorgfalt, mit der ein Gedanke verfolgt wird, im Vergnügen an einer Ordnung, deren Möglichkeiten unerschöpflich scheinen. Johann Sebastian Bachs Brandenburgische Konzerte sind voll von dieser Freude. Im ausverkauften Kammermusiksaal der Philharmonie ließ das Bach Collegium Japan unter Masato Suzuki sie am Donnerstagabend hörbar werden.

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Florian Schroeder über seine neue Show: „Sie werden von mir nie einen Witz übers Gendern hören“

Fri, 23 Oct 2026 14:29:59 +0200

Florian Schroeder über seine neue Show: „Sie werden von mir nie einen Witz übers Gendern hören“

Braucht das ZDF mehr Witze über Linke? Im Interview spricht Florian Schroeder über seine Imitation Elif Eralps mit Hitler-Stimme – und warum er auch Alice Weidel ins „Journal Deluxe“ einladen würde.

Von Claudia Reinhard

Stand: 24.10.2026, 09:31 Uhr

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Herr Schroeder, die Ankündigung Ihrer neuen ZDF-Sendung hat leidenschaftliche Reaktionen und teils harsche Ablehnung ausgelöst. Hat Sie das überrascht?
Nein. Weil ich in meiner Karriere immer wieder die Erfahrung gemacht habe, dass, wenn man sich einen ganz großen Coup überlegt, der richtig für Schlagzeilen sorgen wird, gar nichts passiert. Und genau dann, wenn man gar nichts Außergewöhnliches plant, alles explodieren kann. Und das ist nun passiert mit einer neuen Show, von der noch niemand auch nur eine Minute gesehen hat. Als Nutznießer der Aufmerksamkeitsökonomie sage ich mir natürlich: Besser Interesse als Desinteresse.

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Verfilmung von Jelineks „Liebhaberinnen“: Die Erschöpfung lässt sich nicht mehr weglächeln

Thu, 22 Oct 2026 10:54:50 +0200

Verfilmung von Jelineks „Liebhaberinnen“: Die Erschöpfung lässt sich nicht mehr weglächeln

Passend zum 80. Geburtstag von Elfriede Jelinek kommt der feministische Klassiker „Liebhaberinnen“ als Farce ins Kino. Die Tragödie lauert allerdings immer noch unter der Oberfläche.

Von Andreas Busche

Stand: 24.10.2026, 08:24 Uhr

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Gute Nachricht für Brigitte. „Es kommt nicht auf die Jahre an“, erklärt ihr ein Fitness-Influencer im Gym. „Es geht um die Geschwindigkeit, mit der Deine Proteine zerfallen. Das macht das biologische Alter aus.“ Aber um die Biologie auszutricksen, reichen die Ressourcen der Mitt-Vierzigerin nicht aus.

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Ein Dokumentarfilm erobert die Kinos: Warum ist die Welt so fasziniert von Elizabeth Holmes?

Fri, 23 Oct 2026 14:36:04 +0200

Ein Dokumentarfilm erobert die Kinos: Warum ist die Welt so fasziniert von Elizabeth Holmes?

Die erste Selfmade-Milliardärin war das Postergirl des Silicon Valley, bevor sich ihr Biotech-Start-up als Betrug herausstellte. Der Dokumentarfilm „You Can See Everything“ ist der Hype der Stunde.

Von Andreas Busche

Stand: 23.10.2026, 14:36 Uhr

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Augen lügen nicht. Klingt abgedroschen, klar, und reichlich naiv. Im Fall von Elizabeth Holmes müsste die Frage aber ohnehin andersherum lauten: Sagen diese Augen die Wahrheit? Die großen, hellblauen Augen der 42-jährigen Holmes, vor über zehn Jahren gefeiert als erste Selfmade-Milliardärin aus dem Silicon Valley, spielen die Hauptrolle im Dokumentarfilm „You Can See Everything“ von Nathan Fielder und Lance Oppenheim, der die analoge wie die digitale Öffentlichkeit gerade gleichermaßen in den Bann schlägt.

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Nina Hoss im Gespräch: „Es gibt keine nuancierten Debatten mehr“

Wed, 21 Oct 2026 13:37:48 +0200

Nina Hoss im Gespräch: „Es gibt keine nuancierten Debatten mehr“

Ihr neuer Film „Die andere Seite“ handelt von einer Pandemie. Die Schauspielerin Nina Hoss über fehlende Grautöne, Meinungsfreiheit – und eine Lehre, die ihr Vater, Ex-DKP-Mitglied, ihr mitgab.

Von Ulf Lippitz

Stand: 23.10.2026, 14:02 Uhr

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Frau Hoss, in Ihrem neuen Film „Die andere Seite“ geht es um eine tödliche Seuche, an der Ihre Figur erkrankt, um Gesundheitszeugnisse und Grenzschließungen. Sehen Sie das als Kommentar zu den Lockdowns vor einigen Jahren, die wir durchlebt haben?
Ich verstehe, warum das naheliegt. Wir wissen alle, wie sich das anfühlt – was vor zehn Jahren vielleicht nicht der Fall gewesen wäre. Aber darüber haben wir beim Dreh am wenigsten gesprochen. Die Pandemie war nur das Setting.

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Kommissar Voss steht verzaubert am Abgrund: So gut ist der neue Franken-„Tatort“

Fri, 23 Oct 2026 12:36:24 +0200

Kommissar Voss steht verzaubert am Abgrund: So gut ist der neue Franken-„Tatort“

Rosalie Thomass gibt ihren Einstand als neue Partnerin von Fabian Hinrichs in „Gottesgarten“.

Von Ingolf Patz

Stand: heute, 15:51 Uhr

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Die Verabschiedung von seiner langjährigen Partnerin und Mutterfigur Paula Ringelhahn (Dagmar Manzel) hatte Kriminalhauptkommissar Felix Voss (Fabian Hinrichs) ganz schön mitgenommen. Jedenfalls sah man ihn selten so pessimistisch wie im Solo-Fall „Ich sehe dich“ im September 2025.

Wie ein Geschenk Gottes muss ihm da seine neue Kollegin Emmy Rathgeber (Rosalie Thomass) aus München vorkommen, die ihren Einstand an seinem Geburtstag gibt. Den Begrüßungsblumenstrauß, den Voss fälschlicherweise für sein Geschenk hielt, teilt sie sympathischerweise. So wie kurze Zeit später ein Schmerzmittel gegen seinen Kater, dass sie aus ihrer vollgestopften Tasche kramt. Da sind sie bereits auf dem Weg zu ihrer ersten gemeinsamen Leiche.

In einem Stundenhotel wurde die Travestiekünstlerin Stella, die dort nach ihren Auftritten Freier empfing, mit aufgeschlitzter Kehle gefunden. Was oberflächlich betrachtet wie ein „typischer“ Fall im Rotlichtmilieu aussieht, entpuppt sich als Missbrauchstragödie und Rachethriller. Das darf man verraten, ohne zu spoilern, denn das Publikum ist dem Ermittlerduo von Anfang an voraus.

Zur Hälfte ist dieser „Tatort“ romantische Komödie

Regisseur Dustin Loose und sein Drehbuchautor Constantin Lieb schaffen mit dem krassen Fall den größtmöglichen Kontrast zur Annäherung von Voss und der empathischen und pragmatischen Rathgeber. Es „klickt“ unmittelbar zwischen den beiden. In kürzester Zeit möchten sie ihre Gefühle und Geschichten teilen, sodass sie sich mit dem Satz „Aber das ist eine Geschichte für ein anderes Mal“ bremsen müssen. Das ist ganz zart, geistreich und ungeheuer humorvoll erzählt. Eigentlich ist der „Tatort – Gottesgarten“ (Sonntag, ARD, 20:15 Uhr, ARD-Mediathek) zur Hälfte eine romantische Komödie.

Selbst Spusi Schatz (Matthias Egersdörfer) fällt sofort die Wirkung auf, die die neue Kollegin auf Voss habe: Er würde gar nicht mehr so Buddenbrooks-steif wirken.

Drehbuchautor Constantin Lieb hat ein schönes Bild gefunden für das Verhältnis der beiden. Emmy Rathgeber fordert von ihrem erfahrenen Kollegen das Versprechen ein, dass er sie nicht wie seine Assistentin behandeln werde. Versprechen kann er es nicht, bemühen will er sich aber schon.

Als Codewort, wenn es doch passieren sollte, vertraut er ihr „Zwetschgen-Quarkknödel“ an. Das Lieblingsgericht, das seine schlesische Oma für ihn als Kind gekocht hat. Wie sich später herausstellt, holte er sich dort Liebe und Verständnis. Etwas, das er von seinem Vater nicht erwarten konnte.

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Erstaunlicherweise erwartet auch die sonst so empathische Emmy nicht viel von Familien. Was da an Trauma schlummert? Sie hat wohl ihren kleinen Bruder verloren, „eine Geschichte für ein anderes Mal“. Dass sie mit einem Trick vermeidet, das Opfer Stella, das sie als schön empfand – als Frau und Mann –, in der Gerichtsmedizin anschauen zu müssen, gibt zu denken.

Die Erinnerung ist das einzige Paradies, woraus wir nicht vertrieben werden können.

Kommissar Felix Voss (Fabian Hinrichs) zitiert Dichter Jean Paul

Ebenso emotional wollen Drehbuch und Regie das Thema des Kriminalfalls angehen, nämlich, wie Recht und Gerechtigkeit manchmal auseinanderklaffen und was das auslösen kann. „Ne bis in idem“. Niemand darf in Deutschland für ein Verbrechen verurteilt werden, für das er schon einmal freigesprochen wurde. Selbst, wenn neue Beweise auftauchen, selbst bei einem Kapitalverbrechen.

„Gottesgarten“ findet leider kein gutes Gleichgewicht zwischen der Rathgeber-Voss-Lovestory einerseits und dem todtraurigen, aber absehbaren Fall andererseits, der als Stichwortgeber für ihre Annäherung dient.

Spannend wird es aber auf jeden Fall, wie es für Rathgeber und Voss weitergeht. Das ist auch mit dem doppelt schockierenden Ende von „Gottesgarten“ angelegt.

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Rosalie Thomass, die für Doris Dörries „Grüße aus Fukushima“ mit dem Bayerischen Filmpreis ausgezeichnet wurde, für Hans Steinbichlers „Eine unerhörte Frau“ mit dem Grimme-Preis und gerade mit dem Film „Lügen über meine Mutter“ im Kino zu sehen ist, ist ein fantastischer Neuzugang der Tatort-Familie. Eine Frischzellenkur für Fabian Hinrichs in seinem elften Jahr als Voss.

Was sich daraus noch alles entwickeln kann? Das ist eine Geschichte für ein anderes Mal …

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Botho Strauß und sein Buch „Bleiben und Blicken“: Die Kobolde des Todes erheitern ihn nur

Fri, 23 Oct 2026 12:51:42 +0200

Botho Strauß und sein Buch „Bleiben und Blicken“: Die Kobolde des Todes erheitern ihn nur

Das Abseits als sicherer Ort, der Vergangenheit poetisch dicht auf den Fersen: Botho Strauß hat mit „Bleiben und Blicken“ ein sehr persönliches Buch geschrieben.

Von Gerrit Bartels

Stand: 23.10.2026, 12:51 Uhr

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So darf man sich den Dichter und Dramatiker Botho Strauß vorstellen, da draußen in der Uckermark, wo er seit dreißig Jahren lebt: „Ein Mann, der über die Feldwege stapft, das Kinn erhoben, als gelte es keifenden Winden zu trotzen.“

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Überflieger: Eine fantastische Ausstellung von Tatjana Doll

Fri, 23 Oct 2026 12:29:58 +0200

Überflieger: Eine fantastische Ausstellung von Tatjana Doll

In der Galerie Droste Galladé in Paris hängt aktuell ein altes Gemälde von Tatjana Doll. Es zeigt, weshalb die Kunst der Berliner Malerin weder an Zeit noch Ort gebunden ist.

Von Christiane Meixner

Stand: 23.10.2026, 12:29 Uhr

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Gleich öffnen sich die Türen, dockt die Jetbridge an und startet das Boarding. Groß genug ist dieses, von Tatjana Doll gemalte Flugzeug ja, um sich den Einstieg lebhaft vorzustellen. In der Pariser Dependance der Galerie Droste Galladé muss man das elf Meter lange Bild abwandern, das dauert. Dabei kommen Fragen hoch: Wer sitzt hinter dem dunklen Fenster im Cockpit, gibt es da überhaupt jemanden? Und weshalb hat dieser Jet für seine Passagiere nicht ein einziges Fenster?

Der Widerspruch zwischen dem originalgroßen Motiv der Berliner Künstlerin und ihrer malerischen Abstraktion, die ein realistisches Objekt schließlich doch zu einer Komposition aus Farben und Flächen machen, ist offensichtlich. Doll malt den Alltag, übersetzt ihn jedoch zugleich in Kunst, wo es tropft und kleckert. Vermittelnd zwischen den Welten wirkt das visuelle Gedächtnis, von dem Doll auf YouTube in einem Video spricht: Was uns vertraut ist, wird erkannt und sofort eingeordnet. Selbst wenn die Leinwände, auf denen eines von Dolls Flugzeugen in Abschnitten dargestellt ist, nicht länger in der gewohnten Reihenfolge stehen wie im Hintergrund ihres sechsminütigen Interviews.

Tatjana Doll: „Flying Instruction 3“, 2026.

Im Untergrund

Der Film von 2022 zeigt sie in ihrem Berliner Atelier nahe dem Areal der Uferhallen, wo noch mehr Künstlerinnen und Künstler arbeiten. Damals bereitete Tatjana Doll ihre große Soloschau im Maschinenhaus des Kindl vor, das von einem deutsch-schweizerischen Sammlerpaar als öffentlicher Ausstellungsort im historischen Ambiente eröffnet wurde. Im Jahr zuvor bekam sie den Fred-Thieler-Preis, verbunden mit einer Ausstellung in der Berlinischen Galerie.

Der Werkschau im Kindl gab die Malerin den Titel „Was heißt Untergrund?“ – einen Satz, den man ebenso wörtlich wie symbolhaft nehmen kann. Dolls Untergrund, das ist stets die Leinwand, auf der neben Passagierflugzeugen auch Kampfjets, Sportwagen, ins Riesenhafte vergrößerte Tiere oder die Silhouette des Marlboro-Cowboys vor untergehender Sonne auftauchen. Doch darunter lauert immer etwas in den Bildern, das beunruhigt und Gefahr suggeriert. Nicht zuletzt, weil manche der Autos deutliche Spuren eines Unfalls zeigen.

Die aktuelle Ausstellung „Why?“ in der Pariser Galerie Droste Galladé.

Alltag, leicht deformiert

Beides, die Monumentalität der Formate wie auch die Direktheit von Dolls Malerei, sorgt für Emotionen. Die Künstlerin rekonstruiert den Alltag in einer parallelen Welt noch einmal, wenn auch leicht deformiert. Man geht auf Distanz, blickt aus anderer Perspektive auf die von ihr gemalten Objekte, Worte oder Piktogramme.

Vor ihrem Flieger verwandelt sich das Versprechen grenzenloser Freiheit in ein Menetekel, basierend auf unserem hemmungslosen, die Umwelt zerstörenden Konsum. Und erst der Titel: „Von Marlboro zur Dresdner Bank“. Unwillkürlich fallen einem nun die zahllosen Sponsoren ein, die sich früher im Abglanz der zeitgenössischen Kunst sonnen wollten.

Das ist lange her, Unternehmen sind längst nicht mehr so kunstaffin wie um die Jahrtausendwende, und die Dresdner Bank mit ihrer einst spektakulären Sammlung gibt es nicht mehr. Dolls Gemälde hingegen erweist sich als resistent. Es trotz der Zeit und damit der Vergänglichkeit, auch wenn das Flugzeug vor orangem Hintergrund inzwischen weniger ein luxuriöses Versprechen auf die Eroberung des Himmels verkörpert als vielmehr die Allgegenwart von Billig-Airlines. Beides ist tief in unserem Gedächtnis verankert.

Aberwitzige Dimensionen

Vor diesem Hintergrund erklärt sich auch die Wahl von Droste Gallandé. Parallel zur Messe Art Basel Paris, die wegen angekündigter Demonstrationen bereits am Freitagabend und damit zwei Tage vor ihrem eigentlichen Ende schließt, installierte die Galerie Dolls Bild in ihrer Dependance im 3. Arrondissement. Eine ungewohnte Entscheidung, präsentieren Galerien doch sonst eher brandneue Werke. Und ein finanzielles Wagnis: Wer hat schon Platz für ein Sujet von solchen Dimensionen, neben dem bloß noch ein paar kleine Papierarbeiten hängen, die jüngst entstanden sind und sich mit den Risiken des Fliegens befassen?

Die Schau ist ein Statement, das der Malerei von Tatjana Doll, Jahrgang 1970 und seit 2009 Professorin für Malerei an der Kunstakademie in Karlsruhe, entspricht. Ihre Bilder stellen sich in den Weg, wollen gesehen und in immer neuen Kontexten interpretiert werden. Immerhin ist in der Pariser Galerie noch das Werk „Why?“ untergekommen, das der Ausstellung ihren Titel gibt. Eine Frage, die fast drohend im Raum steht und nicht beantwortet werden kann.

Jedenfalls nicht eindeutig. Die Antworten mäandern, ändern sich mit den Dekaden ebenso wie mit der Perspektive auf Machtverhältnisse, gesellschaftliche Zustände und historisch gewordene Strukturen. Bloß das Motiv bleibt, mit dem Tatjana Doll ihre Fragen formuliert. Immer wieder aufs Neue für die Ewigkeit. Ein Bild, das dies aushält, stellt seine Qualität unter Beweis. Dank an Droste Galladé für diese Einsicht.

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Michael Kiwanuka, Anderson .Paak & Cordae, Tony Iommi, Eels: Die Alben der Woche im Soundcheck

Thu, 22 Oct 2026 12:30:09 +0200

Michael Kiwanuka, Anderson .Paak & Cordae, Tony Iommi, Eels: Die Alben der Woche im Soundcheck

Raumgreifende Meditationen, überzeichnete Rap-Klischees, überambitionierte Metal-Nostalgie und Musik, wie eine frisch gebrühte Tasse Tee: Das sind die Alben der Woche.

Eine Kolumne von

Toby Schaper
Laura Ewert
Torsten Groß
Christian Schröder

Stand: 23.10.2026, 11:13 Uhr

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Michael Kiwanuka: Fudge (Universal)
Zu Beginn hören wir die Stimme von Chick Corea: Man müsse als Künstler lernen, zu schätzen, was einem selbst gefällt, statt Erwartungen zu erfüllen. Was immer man selbst schön finde, das sei auch schön, sagt Corea. Es ist ein Auszug aus einem Interview mit dem verstorbenen Jazzpianisten, der Michael Kiwanuka zum Leitsatz bei der Arbeit an dieser neuen Musik wurde.

Parallel zu der Produktion seines bislang letzten Albums, „Small Changes“, richtete Kiwanuka sich 2024 ein kleines Studio ein und tobte sich dort nach den Feierabenden mit dem Musiker Joe Connell aus, der auch in seiner Band spielt. Inspiriert von Shuggie Otis, Elliott Smith und ähnlichen Freigeistern ließ Kiwanuka sich treiben und schrieb in Jamsessions diese raumgreifenden Meditationen, die er erstmals seit 2012 auch selbst produzierte; Playlisten, Zielgruppen und Hörererwartungen habe er dabei nicht im Sinn gehabt.

Wann das auf diese Weise entstandene Album – gewissermaßen das Hobbyprojekt des Mercury-Preisträgers Michael Kiwanuka – erscheinen würde, blieb lange unklar: Hinter Michael Kiwanuka liegt das womöglich schwerste Jahr seines Lebens. Nach einer Hirnblutung infolge erhöhten Blutdrucks erlitt der Musiker einen Schlaganfall, aktuell befindet er sich in der Rehabilitation. Wann und in welcher Form er auf die Bühne zurückkehren wird, stehe in den Sternen, so der Musiker in einem Instagram-Post. Torsten Groß, Moderator

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Anderson .Paak & Cordae: Heavy Is The Crown (EMPIRE)
Nachdem der R&B-Star, Rapper, Schlagzeuger und Produzent Anderson .Paak auf fast allen Alben des jüngeren Kollegen Cordae vertreten war, erscheint nun das gemeinsame Debütalbum »Heavy Is The Crown« auf Paaks Label. Das ist keine Musik, zu der man besonders gut lesen oder schreiben kann, denn die Lyrics vom Rapper Cordae sind nicht nur vollkommen codeinfrei vorgetragen, es ist auch ein Boom-Bap-reiches Sample-Getümmel, voller Referenzen und Geschichten über den schweren Alltag als Mann und Vater, dem man unbedingt lauschen und es als ironisch verstehen will.

Nicht erst beim Hit, auf dem die beiden zu Bill Withers’ „Lovely Day“ erklingen. Dort bedienen sie selbst im Video so viele klassische Rap-Klischees, dass es ganz und gar überzeichnet wirkt. Laura Ewert, freie Kulturjournalistin

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Tony Iommi: From The Dark (BMG)
2026 feierten die Heavy-Metal-Gründerväter Black Sabbath ihren Abschied von der Bühne, doch ihr Bandkopf und Gitarrist Tony Iommi geht nicht in Rente, sondern sucht sich für sein Soloalbum ein Ensemble aus der Generation seiner Kinder, wenn nicht Enkel. Musikalisch hat das allerdings keinen Einfluss – „From The Dark“ ist pure Nostalgie und enthält bleischwere Elegien, die in ihrer Dramatik an die Sabbath-Alben der Achtziger mit Gesangsgott Ronnie James Dio erinnern.

An dem scheint sich der norwegische Sänger Jorn Lande messen zu wollen, was seine solide Performance leicht überambitioniert wirken lässt. Niemand über die Kernzielgruppe hinaus dürfte mit diesem klassischen Stoff viel anfangen können, Fans von unverfälschtem, epischem Metal werden aber zufrieden sein. Toby Schaper, Radio Fritz

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Eels: Cookie Happened (E Works/Pias)
Mark Oliver Everett, kurz: E, klingt auf dem 16. Studioalbum seiner Band Eels so wie zuletzt eigentlich immer: melancholisch, aber auch mutmachend. „So, that didn’t work/ And that was my last chance“, mit diesen Zeilen beginnt die Platte. Nichts klappt, die letzte Chance wurde verpasst. Doch Streicher hüllen die resignative Botschaft in Wolken, fröhlich federt die Gitarrenmelodie. Alles halb so schlimm.

Everett hat mal lautere, krachigere Musik gemacht, mit Elektronik experimentiert. Diesmal bleibt er bei den Balladen, mischt Folk und Country. An seiner Musik kann man sich wärmen wie an einer frisch gebrühten Tasse Tee. Klage nicht darüber, dass die Kekse alle sind. Sondern freu dich, dass du sie gegessen hast. Christian Schröder, Tagesspiegel

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Kleine Formate, großer Sog: Der Künstler Karol Bethke wird wiederentdeckt

Fri, 23 Oct 2026 07:20:34 +0200

Kleine Formate, großer Sog: Der Künstler Karol Bethke wird wiederentdeckt

Als Vertreter strenger, konkreter Kunst hatte man es in Berlin immer schwer. Auch die Papierarbeiten von Karol Bethke wurden nicht angemessen gewürdigt – bis jetzt.

Von Dorothea Zwirner

Stand: 23.10.2026, 07:20 Uhr

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Karol Bethkes „Quadrat 141“.

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Bekannt aus „Top Gun“ und „Alien“: Hollywood-Schauspieler Tom Skerritt mit 93 Jahren gestorben

Thu, 22 Oct 2026 23:43:44 +0200

Bekannt aus „Top Gun“ und „Alien“: Hollywood-Schauspieler Tom Skerritt mit 93 Jahren gestorben

Seine Filmkarriere begann vor sechs Jahrzehnten. Er spielte an der Seite von Tom Cruise und Sigourney Weaver. Für eine TV-Rolle wurde er 1993 ausgezeichnet. Nun ist der fünffache Vater tot.

Stand: 23.10.2026, 06:47 Uhr

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Er war durch Filme wie „Top Gun“, „Alien“ und „Aus der Mitte entspringt ein Fluss“ bekannt: Nach sechs Jahrzehnten vor Film- und Fernsehkameras ist der US-Schauspieler Tom Skerritt mit 93 Jahren gestorben. Der fünffache Vater starb eines natürlichen Todes, wie seine Familie mitteilte.

Skerritt wurde 1933 in Detroit im US-Bundesstaat Michigan geboren und begann seine Schauspielkarriere in den 60er Jahren. Sein Filmdebüt gab er 1962 an der Seite von Robert Redford in dem Kriegsfilm „Hinter feindlichen Linien“. Regisseur Robert Altman holte ihn 1970 zusammen mit Donald Sutherland für die preisgekrönte Kriegs-Farce „MASH“ vor die Kamera.

In dem Science-Fiction-Klassiker „Alien“ (1979) spielte Skerritt den Raumschiffkapitän Dallas, in „Top Gun“ (1986) verkörperte er an der Seite von Tom Cruise Commander Mike „Viper“ Metcalf. In dem Drama „Magnolien aus Stahl“ (1989) spielte er zusammen mit Sally Field das Elternpaar einer todkranken Tochter, die von Julia Roberts dargestellt wurde.

Ein leuchtendes Vorbild eines sanftmütigen Mannes.

Julia Roberts über Tom Skerritt

Oscar-Preisträgerin Roberts (58, „Erin Brockovich“) zollte ihrem Filmvater auf Instagram tiefste Anerkennung. Skerritt sei „ein leuchtendes Vorbild eines sanftmütigen Mannes“, schrieb sie zu einem gemeinsamen Foto – versehen mit einem gebrochenen Herz als Emoji.

Skerritt war in Blockbustern und Drama-Rollen zu sehen

Unter der Regie von Redford übernahm Skerritt in dem Drama „Aus der Mitte entspringt ein Fluss“ (1992, „A River Runs Through It“) die Rolle eines Geistlichen in den 1920er Jahren im ländlichen Montana, der seine beiden Söhne streng erzieht. Brad Pitt trat darin in einer seiner ersten Hauptrollen als der rebellische Sohn Paul auf. Der Film sei eines seiner „absoluten Lieblingsprojekte“, schrieb Skerritt 2022 auf Instagram zum 30-jährigen Jubiläum des Streifens.

Der deutsche Regisseur Tom Tykwer holte Skerritt 2014 in einer Nebenrolle für „Ein Hologramm für den König“ vor die Kamera. Skerritts letztes Filmprojekt war das 2021 erschienene Drama „East of the Mountains“.

Karriere von Skerritt mit Emmy-Auszeichnung gekrönt

Der Schauspieler wirkte in seiner langen Laufbahn auch in zahlreichen Fernsehproduktionen mit. Den größten Erfolg hatte er mit der Rolle des kauzigen Sheriffs Jimmy Brock in der Drama-Serie „Picket Fences“, die in den USA von 1992 bis 1996 lief. Schauspielerin Lauren Holly, die in der Serie seine Helferin spielte, schrieb auf Instagram, Skerritt sei von allen geliebt und respektiert worden und zusammen hätten sie viel gelacht.

Die Rolle brachte Skerritt 1993 einen Emmy als bester Hauptdarsteller einer Dramaserie ein. Im folgenden Jahr wurde er ein weiteres Mal für den begehrten Fernsehpreis nominiert.

In der Mitteilung seiner Familie hieß es, Skerritt hätten Vorstellungskraft, Kreativität, Natur und das Erzählen von Geschichten zutiefst am Herzen gelegen. Während er der Welt als herausragender Schauspieler im Gedächtnis bleibe, würden ihn seine engsten Angehörigen für seinen Humor, seine Neugier, Weisheit und Großzügigkeit in Erinnerung behalten. (dpa)

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Peter Wächtlers Werkschau im Haus am Waldsee: „Ich bin konsequent ratlos“

Thu, 22 Oct 2026 15:12:37 +0200

Peter Wächtlers Werkschau im Haus am Waldsee: „Ich bin konsequent ratlos“

Der Künstler Peter Wächtler befragt die Tradition, den Teufel und alles andere. Warum sein permanenter Zweifel diese Ausstellung so sehenswert macht.

Von Jens Hinrichsen

Stand: 23.10.2026, 05:00 Uhr

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„Sei eine Welle, Peter“, schrieb der Künstler in einem Brief an sich selbst. „Steig’ auf und geh unter. Trage und verschlinge. Sprüh’ Gischt und kabbel’ dich. Schäum’ und schwappe am Abend langsam und tröstend gegen die müden Ufer deines Lebens. Aber bleib’ in Bewegung. Mach weiter, immer, immer weiter!“ Das schrieb Peter Wächtler während einer Krise im Jahr 2012.

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Songs im Netz verkauft: Eminem von langjährigem Mitarbeiter beklaut – dem droht jetzt Haft

Thu, 22 Oct 2026 21:27:40 +0200

Songs im Netz verkauft: Eminem von langjährigem Mitarbeiter beklaut – dem droht jetzt Haft

Mehrere unveröffentlichte Titel tauchten im Internet auf und wurden millionenfach abgerufen. Ermittler kamen dem mutmaßlichen Täter über Songkäufer auf die Spur.

Stand: 22.10.2026, 21:27 Uhr

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Ein ehemaliger Mitarbeiter des Rappers Eminem hat unveröffentlichte Musik des Künstlers gestohlen und im Internet verkauft. Der Beschuldigte habe mindestens zehn Audiodateien für insgesamt etwa 50.000 US-Dollar verkauft, teilte das US-Justizministerium mit. Der 48-Jährige bekannte sich demnach vor einem Gericht in Detroit der Urheberrechtsverletzung schuldig. Eminem gilt als einer der einflussreichsten Künstler in der Geschichte des Rap.

Der Mann soll von etwa 2007 bis 2021 für Eminem gearbeitet und Zugriff auf passwortgeschützte Festplatten mit Musik gehabt haben, die sich noch in der Entwicklung befand und noch nicht zur Veröffentlichung bestimmt war, hieß es in der Mitteilung. Die Dateien seien zwischen Juli und August 2024 verkauft worden, dann online und auf Streaming-Plattformen veröffentlicht und bis November 2025 mehr als acht Millionen Mal aufgerufen worden.

Mitarbeiter des Künstlers hatten das FBI im Januar 2025 kontaktiert, nachdem mehrere unveröffentlichte Songs des Rappers im Netz aufgetaucht waren, heißt es in der ursprünglichen Strafanzeige. Das FBI habe dann einige der Käufer kontaktieren können, die erklärt hätten, die Musik von dem nun Beschuldigten erstanden zu haben.

Die Urteilsverkündung ist für den 27. Januar 2027 angesetzt. Dem Mann drohen laut dem Ministerium fünf Jahre Haft. (dpa)

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Die Klassik-Tipps der Woche für Berlin: Hier kommt die brisanteste Opern-Premiere der Saison

Wed, 21 Oct 2026 14:53:33 +0200

Die Klassik-Tipps der Woche für Berlin: Hier kommt die brisanteste Opern-Premiere der Saison

Was Regisseur Milo Rau in seiner Inszenierung von Richard Wagners „Der fliegende Holländer“ plant

Von

Stand: 22.10.2026, 14:53 Uhr

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Die Oper „Der fliegende Holländer“ gilt als idealer Einstieg in die Welt von Richard Wagner. An der Deutschen Oper inszeniert der Schweizer Regisseur Milo Rau und gibt dem Werk eine neue Deutung. Das dürfte Diskussionen geben, die sicher eingepreist und vor allem erwünscht sind.

Außerdem zu erleben: einer der weltbesten Harfenisten, eine Oscar-Gewinnerin, der Rundfunkchor lädt zur Lounge und das DSO spielt Videospiel-Soundtracks.

Das sind unsere Klassik-Tipps der Woche.

1 Rundfunkchorlounge

Intime Location: die Rundfunkchorlounge im Heimathafen

Wenn auf Brahms „Sehnsucht“ (Es rinnen die Wasser) „Bridge Over Troubled Water“ von Simon & Garfunkel folgt, befinden sie sich in der Rundfunkchorlounge im Heimathafen. Seit zehn Jahren lädt der Rundfunkchor zu Themenabenden mit Musik und Gesprächen.

Die erste Ausgabe dieser Spielzeit trägt den Titel „Sauberes Wasser und schmutzige Geschäfte“. Moderatorin Vivian Perkovic spricht mit Umweltjuristin Dr. Laura von Vittorelli und Mika Schachenmayr von Fridays for Future. Der Rundfunkchor unter Gijs Leenaars und weitere Solisten beleuchten das Thema mit Chor- und Kammermusik.

Bei Aoi Hasegawas „Petrichor“ lässt der Chor Regen hörbar werden. Das Gedicht „La mer est plus belle“ ist in der Vertonung von Debussy sowie von Nadia Boulanger zu hören sowie zahlreiche weitere Werke - ob a capella oder mit Klavier und Cello Begleitung.

2 Game on Symphony

Videospiel-Soundtracks auf dem Flügel: Pianst Raúl da Costa ist Solist bei Game on Symphony

Alles begann 1972 mit zwei Linien, die links und rechts auf und ab bewegt werden konnten. Das elektronische Tischtennisspiel „Pong“ machte entsprechende, eindimensionale, nervige Geräusche. Von Musik konnte damals (noch) keine Rede sein. Heute gleicht die Musik der Videogames, auch Dank viel höherer Speicherkapazitäten, eigenen Soundtracks. Diese finden Einzug in die Konzertsäle.

2024 veranstaltete erstmals ARD Klassik ein Konzert mit Gaming-Musik. Die Reihe „Game on Symphony“ wird nun deutschlandweit ausgebaut, und auch das Deutsche Symphonie-Orchester ist dabei. Unter der Leitung von Michael Seal (Associate Conductor des City of Birmingham Symphony Orchestra) spielt das DSO Musik von Videospielen, die bis in die 80er-Jahre zurückreichen: „Bioshock“, „Civilization“, „Diablo“, „Fallout“, „Final Fantasy“, „Resident Evil“ und „Tomb Raider“.

Solist ist Pianist Raúl da Costa. Fridl Achten moderiert, und Streamerin Baso repräsentiert die Gaming-Community. Das Konzert wird live auf Twitch, dem YouTube-Kanal von ARD Klassik, gestreamt sowie auf radio3 übertragen.

3 Der fliegende Holländer

Die Inszenierung von Milo Rau integriert Videos, die im Sommer in Israel aufgenommen wurden

Bleibt Deutschland nach dem Holocaust auf ewig in seiner Schuld gefangen? Der Schweizer Autor und Regisseur Milo Rau ist dafür bekannt, sein Publikum mit radikalen Deutungen aufzurütteln. In seiner Inszenierung von Richard Wagners „Der fliegende Holländer“ verwandelt er die Geschichte des ruhelos über die Meere irrenden Seefahrers in eine Reise durch die deutsche Vergangenheit. Kann das Land, auf dem die Verbrechen der Nazis bis heute lasten, durch eine Versöhnung mit Israel Erlösung finden? Diese Frage zieht sich wie ein roter Faden durch den Abend. Die mythische Erzählung des bekennenden Antisemiten Wagner wird durch eingeblendete Filmaufnahmen direkt mit unserer Zeit konfrontiert.

„Ich versuche immer, eine Oper und die Wirklichkeit aneinander zu messen und beides aufeinanderprallen zu lassen“, sagt Rau. Nun führt er zum ersten Mal Regie bei einer Wagner-Oper. Der „fliegende Holländer“ ist bei Wagner mit dem Mythos von Ahasver, dem „ewigen Juden“, verbunden. „Der Holländer trägt eine schwere Schuld, er kann nicht sterben und muss auf einem Geisterschiff herumirren“, sagt er. „Für mich verkörpert er das kollektive Bewusstsein von der deutschen Schuld am Holocaust. Senta, die ihn erlösen will, steht hier für Israel. Nur die Liebe Israels – oder zumindest sein Einverständnis – kann Deutschland von dieser Schuld befreien.“

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Während eines Besuchs in Israel, wo Rau im Sommer Musik von Wagner aufführen ließ, entstanden Videos mit Zeitzeugen, die Teil der Inszenierung sind. Auch diese Brücken sollen dazu beitragen, dass die Auseinandersetzung mit dem eigenen belasteten Erbe in Deutschland nicht zur reinen Selbstbetrachtung wird.

Die litauische Dirigentin Giedrė Šlekytė hat die musikalische Leitung. Tareq Nazmi singt Daland, Aušrine Stundytė die Senta und Tomasz Konieczny den Holländer.

Die Deutsche Oper begleitet die Aufführungen mit Nachgesprächen (Ausnahme ist die Premiere) direkt nach den Vorstellungen im Rang-Foyer rechts: am 28.10. mit Oliver Reese (Intendant Berliner Ensemble), am 31.10. mit Monika Grütters (2013–2021 Staatsministerin für Kultur und Medien), am 5.11. mit Güner Balci (Integrationsbeauftragte von Berlin-Neukölln), am 8.11. mit Steffen Seibert (bis 2026 deutscher Botschafter in Israel), am 15.11. mit Noam Brusilowski (Autor, Hörspiel- und Theaterregisseur), am 13.02. mit Hetty Berg (Direktorin des Jüdischen Museums Berlin). Der Gesprächspartner für den 20.02. wird noch bekanntgegeben.

4 Xavier de Maistre & RSB

Xavier de Maistre war Solo-Harfenist beim Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks und den Wiener Philharmonikern. Seit 2001 unterrichtet er an der Musikhochschule in Hamburg

Rudern oder Harfe? Vor dieser Entscheidung stand Xavier de Maistre in seiner Jugend. Im Boot hatte er es bereits bis in die französische Nationalmannschaft geschafft. Er war von seiner Harfenlehrerin aber so begeistert, dass er auf ein großes Rennen verzichtete und lieber an einem Harfenwettbewerb teilnahm. Er stieg nie wieder in ein Ruderboot, verriet er in einem Interview.

Heute gilt er als der bedeutendste Harfenist der Gegenwart, der die Harfe als Soloinstrument in den Fokus rückte, auch indem er vergessene Werke wiederentdeckte aber auch neue Stücke in Auftrag gab. Das Harfenkonzert „Trans“ der finnischen Komponistin Kaija Saariaho (1952-2023) durfte er 2016 uraufführen. Saariaho gibt der Harfe einen eigenen Raum, bringt sie in Dialog mit anderen Soloinstrumenten.

Dima Slobodeniouk dirigiert das Rundfunk-Sinfonieorchester. „Trans“ wird gerahmt von Samy Moussas Orchesterhymne „Adgilis Deda“ und Schostakowitschs eher selten gespielter 6. Sinfonie.

5 Kammermusik mit Hecker & Helmchen

Auf und neben der Bühne ein Paar: Martin Helmchen und Marie-Elisabeth Hecker. Sie leben im Süden Brandenburgs

Ob Beethoven Mozart jemals getroffen hat, ist umstritten. Der junge Beethoven hat sich jedoch intensiv mit dessen Werk auseinandergesetzt. Über das Thema des Duetts „Bei Männern, welche Liebe fühlen“ aus dem 1. Akt „Der Zauberflöte“ komponierte er Variationen für Cello und Klavier. Martin Helmchen (Klavier) und Marie-Elisabeth Hecker (Cello) spielen sie zum Auftakt ihres Debüts im Pierre Boulez Saal.

Es folgen die 1978 uraugeführte erste Cellosonate von Alfred Schnittke, des Begründers der „Polystilistik“ sowie Schumanns „Drei Romanzen“ und Felix Mendelssohn Bartholdys wunderschöne Cellosonate D-Dur.

6 Hildur Guðnadóttir

Die Komponistin Hildur Guðnadóttir hat ihre früheren Werke für großes Orchester arrangiert

Bei ihren ersten Alben hätte sie versucht, allein ein Streichorchester zu sein, so die Komponistin, Sängerin und Cellistin Hildur Guðnadóttir. Jetzt, 20 Jahre und einen Oscar, einen Golden Globe (für „Joker“) sowie einen Emmy und Grammy (für die HBO-Serie „Chernobyl“) später, konnte sie sich den Traum erfüllen, ihre Musik von einem Orchester gespielt zu hören. Damit feiert sie das 20-jährige Jubiläum ihres ersten Albums „Mount A“.

Die Meisterin des Minimalismus, die sich zwischen klassischer und experimenteller Musik bewegt, blickt auf „This will be us“ (DG) auf Stationen und Werke ihrer Karriere zurück. Darunter auch auf den Score von „Joker“. Wie auf dem Album spielt sie mit dem Deutschen Symphonie-Orchester unter der Leitung von Robert Ames.

7 Kathrin Pechlof Trio

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Nun mal ehrlich: Wer würde die Harfe mit Jazz in Verbindung bringen? Dabei wurde die Berliner Harfenistin und Komponistin Kathrin Pechlof 2023 für ihre Pionierarbeit mit dem renommierten SWR Jazzpreis ausgezeichnet. Bereits seit 2011 verfolgt sie gemeinsam mit Christian Weidner (Altsaxophon) und Robert Landfermann (Kontrabass) an der Schnittstelle von improvisierter Musik, Contemporary Jazz und post-genre-orientierter Creative Music die Idee einer gemeinsamen Klangsprache.

Pechlof nennt ihr Trio gern ein Meta-Instrument, das alle musikalischen Elemente zu einer einzigen Quelle verschmilzt. „Hyperobjekt“, vom NDR als Jazzalbum des Monats gewürdigt, orientiert sich an Kathrin Pechlofs politischem Lieblingspodcast von Friedemann Karig und Samira El Ouassil, „Piratensender Powerplay“. Als Hyperobjekte werden Vorgänge und Zustände bezeichnet, in denen wir drinstecken und diese deshalb nicht in Gänze erkennen und verstehen können. Was hilft dabei, das Unfassbare zu begreifen? Genau, die Kunst und speziell Musik, die direkt auf Kopf und Herz zielt.

In der Konzerteinführung um 18:15 Uhr befragt unser schmerzlich vermisster Kollege und Jazz-Experte Gregor Dotzauer Kathrin Pechloff dazu. (Tsp)

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Abgesetzte Schlagersendung: Mross deutet Gespräche über „Immer wieder sonntags“ an

Thu, 22 Oct 2026 14:45:47 +0200

Abgesetzte Schlagersendung: Mross deutet Gespräche über „Immer wieder sonntags“ an

Nach dem Ende der 30-jährigen Show trifft sich Stefan Mross eigenen Angaben zufolge zu Gesprächen im Europa-Park. In einem Video gibt sich der Moderator geheimnisvoll.

Stand: 22.10.2026, 14:45 Uhr

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Moderator Stefan Mross hat in einem Video aus dem Europa-Park in Rust eine mögliche Rückkehr seiner abgesetzten Schlagershow „Immer wieder sonntags“ angedeutet. Der 50-Jährige teilte auf Instagram einen Clip, der ihn auf dem Gelände des Freizeitparks zeigt. „Wie ihr unschwer erkennen könnt: Wir sind momentan in Rust, im Europa-Park, haja. Wir haben hier ein paar Gespräche“, erklärte er. Geheimnisvoll fügt er hinzu: „Ob das mit "Immer wieder sonntags" zu tun hat, kann ich euch nicht sagen.“ Dies hatte die „Bild“ aufgegriffen.

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Der Europa-Park kommentierte dies nicht. „Wir können keine Gespräche bestätigen“, sagte eine Sprecherin. Aus dem Umfeld von Deutschlands größtem Freizeitpark verlautete unterdessen, dass es große Anstrengungen gebe, „Immer wieder sonntags“ zu retten. Gründer und Park-Inhaber Roland Mack bemühe sich persönlich sehr darum. Das Management von Mross und die Produktionsfirma der Sendung äußerten sich auf Anfrage zunächst nicht.

Mross hatte Anfang September auf dem Europa-Park-Gelände die finale Ausgabe des abgesetzten TV-Klassikers „Immer wieder sonntags“ moderiert. Die ARD hatte vergangenes Frühjahr angekündigt, die seit rund 30 Jahren laufende Show nach diesem Jahr absetzen zu wollen, und das Aus mit Sparmaßnahmen begründet.

Monatelange Spekulationen

Schon seit Monaten sorgt Mross mit Andeutungen für Spekulationen, wonach die Schlagershow doch weitergeführt werden könnte. Im August sagte er während seiner Show: „Wenn Sie jetzt meinen, nach "Immer wieder sonntags" mache ich meine Füße in weißen Sand irgendwo in Griechenland mit einer Flasche Rotwein in der Hand, dann sind Sie ganz falsch dran. Weil wir machen weiter mit "Immer wieder sonntags" - das weiß ich!“

„Immer wieder sonntags“ ging 1995 erstmals auf Sendung, seit 2005 moderierte Mross das Format. Mit seiner Trompete und seiner Nähe zum Publikum gab Mross der Schlagershow ihr heutiges Gesicht. Die Quoten waren bis zuletzt stark. Produziert wurde die Open-Air-Sendung von Beginn an auf dem Gelände des Europa-Parks in Rust, zuletzt neben der Wasserwelt Rulantica. (dpa)

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Eine Künstlerfreundschaft, Science-Fiction und ein Vampir-Comeback: Das sind die zehn besten Comics des Quartals

Thu, 22 Oct 2026 14:41:02 +0200

Eine Künstlerfreundschaft, Science-Fiction und ein Vampir-Comeback: Das sind die zehn besten Comics des Quartals

Alle drei Monate wählen 30 deutschsprachige Comickritiker die besten Neuerscheinungen der Saison. Hier die Liste der zehn aktuellen Favoriten.

Von Lars von Törne

Stand: 22.10.2026, 14:41 Uhr

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Den Schriftsteller Alexandre Dumas („Die drei Musketiere“, „Der Graf von Monte Christo“) und den Maler Eugène Delacroix („Die Freiheit führt das Volk“) verband eine enge Freundschaft. Ein Jahr nach dem Tod von Delacroix, dessen Werk zu Lebzeiten Kontroversen auslöste, veröffentlichte Dumas 1864 einen Text über ihre Beziehung. Den hat die einstige „Charlie-Hebdo“-Zeichnerin Catherine Meurisse zur Grundlage einer unterhaltsamen Bilderzählung über die französische Kunstszene des 19. Jahrhunderts gemacht.

Jetzt ist ihr Buch „Alexandre Dumas erzählt die Geschichte von Delacroix“ von einer Jury aus 30 Kritikerinnen und Kritikern zum besten Comic des Quartals gewählt worden. Im September dieses Jahres ist es bei Carlsen auf Deutsch erschienen, in Frankreich war es bereits 2019 veröffentlicht worden.

Der Tagesspiegel präsentiert die Comic-Bestenliste in Kooperation mit dem RBB-Sender Radio3, der Fachzeitschrift „BuchMarkt“ und der Website Comic.de. Der Autor dieses Artikels ist Mitglied der Jury.

1. Catherine Meurisse, „Alexandre Dumas erzählt die Geschichte von Delacroix“ (aus dem Französischen von Lilian Pithan, Carlsen, 140 Seiten, 32 Euro)

„Der Text von Alexandre Dumas ist in seiner ironischen Bissigkeit reizvoll – und Catherine Meurisse bringt diesen Text durch ihre Arbeit noch mehr zum Glänzen“, urteilt RBB-Journalistin Andrea Heinze, die ebenfalls der Jury angehört.

Eine Szene aus „Alexandre Dumas erzählt die Geschichte von Delacroix“.

Das Buch erzählt mit einer Verbindung von Textpassagen, Comicseiten und großformatigen Aquarellen von der Freundschaft der beiden Künstler. „Catherine Meurisse hat eindrucksvolle ganzseitige Malereien geschaffen, die durchaus Pathos haben“, stellt Andrea Heinze fest. „Den bricht sie aber immer wieder mit ihren treffsicher dahingekritzelten Karikaturen.“

2. Mathieu Bablet, „Silent Jenny“ (Übersetzung Christiane Sixtus, Splitter, 312 Seiten, 49,80 Euro)

Der französische Comiczeichner Mathieu Bablet hat sich mit Titeln wie „Shangri-La“ und „Carbon & Silizium“ als einer der großen zeitgenössischen Science-Fiction-Autoren etabliert. Er erzählt komplexe Geschichten mit ökologischen, sozialen und politischen Themen in spektakulären Bildfolgen.

Sein neues Album „Silent Jenny“, das Ende August im Splitter-Verlag erschienen ist, wurde von der Jury auf den zweiten Platz gewählt.

Die Hauptfigur ist eine junge Forscherin, die zusammen mit anderen Menschen auf einer vom Klimawandel zerstörten Erde lebt und nach Möglichkeiten sucht, der Welt eine Chance auf einen Neuanfang zu geben.

Eine Seite aus „Silent Jenny“.

„Mathieu Bablet hat wieder einmal ein bildgewaltiges Werk vorgelegt“, urteilt der Journalist Alex Jakubowski. „Die Kombination von Fortschritt und Glauben – ein Motiv, das ‚Silent Jenny‘ auf jeder Seite des Comics vorantreibt und zu einer spannenden und optisch beeindruckenden Lektüre macht. Für alle, die Science-Fiction mögen – aber für viele andere vermutlich auch.“

3. Julia Zejn und Matthias Lehmann, „Die Summe seiner Teile“ (Reprodukt, 128 Seiten, 20 Euro)

In der Graphic Novel „Die Summe seiner Teile“ gehen Julia Zejn und Matthias Lehmann aus Leipzig der Frage nach, was den Menschen zum Menschen macht – und ob Künstliche Intelligenz Verstorbene digital weiterleben lassen kann. Ihr Buch wurde von der Jury auf den dritten Platz gewählt.

Im Mittelpunkt steht das junge Paar Joshua und Mara, das nach Joshuas Unfalltod über ein Forschungsprogramm einen digitalen Fortbestand des Geliebten erprobt.

Eine Seite aus „Die Summe seiner Teile“.

Zeichnerisch verbindet Lehmann naturalistische Bilderfolgen mit visuellen Metaphern und magisch-realistischen Szenen. Zejns Szenario flechtet ethische, philosophische und wissenschaftliche Fragen überzeugend in die Handlung ein, ohne sie abschließend zu beantworten. Hier gibt es die Tagesspiegel-Rezension des Buches.

4. Bianca Bagnarelli, „Kreaturen“ (aus dem Italienischen von Myriam Alfano, Lettering Minou Zaribaf, Reprodukt, 224 Seiten, 25 Euro)

Die italienische Illustratorin und Comiczeichnerin Bianca Bagnarelli erzählt in ihrem Buch „Kreaturen“ in 13 gezeichneten Kurzgeschichten von Menschen an Wendepunkten ihres Lebens. Ihre mit klaren Linien gezeichneten Miniaturen wurden auf Platz vier der Kritikerliste gewählt.

5. Darcy avn Poelgeest und Ian Bertram, „Precious Metal“ (Übersetzung Frank Neubauer, Cross Cult, 320 Seiten, 35 Euro)

Das düstere, politisch aufgeladene Science-Fiction-Drama „Little Bird“ war einer der Überraschungserfolge des Comicjahres 2020.

Jetzt haben der kanadische Filmemacher Darcy van Poelgeest und der US-Zeichner Ian Bertram mit „Precious Metal“ ein Prequel vorgelegt, das die Vorgeschichte der Story erzählt, in der sich die USA in einen dystopischen Gottesstaat verwandelt haben. Im Zentrum steht dieses Mal ein modifiziertes Kind mit besonderen Fähigkeiten, um das ein Kampf entbrennt. Das Buch wurde von der Jury auf den fünften Platz gewählt.

6. Luc Jacamon, „Der Magier im Kreml“ (nach dem Roman von Giuliano da Empoli, Übersetzung: Resel Rebiersch, Schreiber & Leser, 144 Seiten, 29,80 Euro)

Der französische Zeichner Luc Jacamon hat sich hauptsächlich mit der auch als Verfilmung erfolgreichen Reihe „Der Killer“ einen Namen gemacht. Die ersten Folgen der vom Szenaristen Matz geschriebenen Serie waren in den Nullerjahren einer der besten Krimithriller in Comicform.

Jetzt hat Jacamon den Roman „Der Magier im Kreml“ von Giuliano da Empoli adaptiert. Im Zentrum der fiktiven, aber von realen Ereignissen inspirierten Geschichte steht Wadim Baranow, ein Theaterregisseur, der zur grauen Eminenz unter Wladimir Putin wird und das Land in ein Propagandatheater verwandelt. Das Album wählte die Jury auf Platz sechs.

7. Robin Recht und Jean-Baptiste Hostache, „Sie nannten sie Junior & Senior“ (Übersetzung Tanja Krämling, Splitter, 104 Seiten, 22 Euro)

Die Hauptfiguren des Albums „Sie nannten sie Junior & Senior“ sehen aus wie Bud Spencer und Terence Hill, und auch der Humor der Geschichte von Robin Recht (Szenario) und Jean-Baptiste Hostache (Zeichnungen) erinnert an italienische Wildwest-Komödien.

Im Zentrum des ersten Bandes dieser neuen Reihe, den die Jury auf Platz sieben der Bestenliste wählte, stehen zwei schlagkräftige Banditen mit großem Herz. Als sie einen Entführungsauftrag annehmen, geraten die Dinge außer Kontrolle.

8. Patrick Horvath, „Beneath the Trees – wo niemand dich sieht“ (Übersetzung Josy Rother, Panini, 152 Seiten, 29 Euro)

Auf Platz acht wählte die Jury die düstere Tierfabel „Beneath the Trees – wo niemand dich sieht“. In der Miniserie, deren erster Sammelband Ende Juli bei Panini auf Deutsch erschienen ist, erzählt der US-amerikanische Autor und Zeichner Patrick Horvath einen blutigen Psychothriller in der Kulisse einer idyllisch aussehenden Kleinstadt voller menschenähnlicher Tiere.

9. Katharina Kulenkampff, „Better call Meerschweinchen“ (Rotopol, 56 Seiten, 22 Euro)

Tierfiguren mit menschlichen Eigenschaften sind auch die Hauptfiguren in Katharina Kulenkampffs Comics.

Nachdem sie in ihrer Episodenerzählung „Wie ich ein grauer Hund wurde“ von inneren Konflikten und schwer erfüllbaren gesellschaftlichen Ansprüchen erzählte, stehen im neuen Buch der Berliner Künstlerin ein eigenbrötlerisches Meerschweinchen, ein trübseliges Stinktier und ein treuherziger Bluthund im Mittelpunkt, die zusammen in einer Wohngemeinschaft leben. Das Buch „Better call Meerschweinchen“, das Absurdität, Traurigkeit und Komik verbindet, wurde von der Jury auf Platz neun gewählt.

10 Tobias O. Meißner und Reinhard Kleist, „Berlinoir – City of Blood“ (überarbeitete Neuausgabe mit bisher unveröffentlichtem Zusatzmaterial, Carlsen Comics, 176 Seiten, 30 Euro)

Auf Platz zehn kam ein Comic aus Berlin, der rund 20 Jahre alt ist, aber derzeit dank einer Disney+-Serie ein Comeback erlebt: „Berlinoir“ von Tobias O. Meißner und Reinhard Kleist.

In einem dystopischen Parallelwelt-Berlin beherrschen Vampire das „Blutrote Rathaus“ und beuten die Bevölkerung als Blutspender aus, während eine Gruppe menschlicher Rebellen Widerstand leistet.

Die 2008 abgeschlossene bunte Grusel-Trilogie diente als Inspiration für die Serie „City of Blood“, wenngleich sich dort nur einzelne Handlungselemente wiederfinden. Mehr zu dem Comic hier.

Die Jury

Niels Beintker (Bayerischer Rundfunk)
Christian Blees (Die Sprechblase)
Barbara Buchholz (Der Tagesspiegel, Schnüss)
Anne Delseit (Animania)
Christian Endres (die zukunft, Geek!, Der Tagesspiegel)
Birte Förster (Titel Kulturmagazin, Der Tagesspiegel)
Christian Gasser (Radio SRF 2, Neue Zürcher Zeitung)
Meheddiz Gürle (Lektoratsdienste des ekz.bibliotheksservice)
Christoph Haas (Süddeutsche Zeitung, taz. die tageszeitung)
Volker Hamann (Alfonz, Reddition)
Andrea Heinze (Deutschlandfunk, rbb Kultur)
Jule Hoffmann (Deutschlandfunk Kultur)
Sven Jachmann (Comic.de, DieZukunft.de, Tagesspiegel)
Alex Jakubowski (ARD-aktuell, Comic-Denkblase)
Lucas Sebastian Jordan (Manga Passion)
Martin Jurgeit (Buchreport, die neunte)
Michael Klamp (Ostsee-Zeitung, Rostock)
Karin Krichmayr (Der Standard)
Gerrit Lungershausen (Comicgate, Comic.de, Closure)
Mattes Penkert-Hennig (Dein Antiheld)
Claudia Reicherter (Reutlinger General-Anzeiger)
Martin Reiterer (Wiener Zeitung)
Volker Robrahn (Comic-Talk)
Martin Schöne (3sat)
Sabine Scholz (Animania, Der Tagesspiegel)
Christa Sigg (Abendzeitung)
Anna Mháire Stritter (Orkenspalter TV)
Lars von Törne (Der Tagesspiegel)
Ralph Trommer (taz.die tageszeitung)
Gesa Ufer (Deutschlandfunk Kultur, rbb radioeins)

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Proustbetrieb: Odette, Gilberte und Mademoiselle de Saint-Loup

Thu, 22 Oct 2026 13:35:53 +0200

Proustbetrieb: Odette, Gilberte und Mademoiselle de Saint-Loup

Ein Hoch auf die Jugend und die Zeit: Bei seinem Besuch des letzten großen Events der „Recherche“ bekommt Marcel die Idee für sein eigenes Werk und beginnt mit der Arbeit.

Eine Kolumne von Gerrit Bartels

Stand: 22.10.2026, 13:35 Uhr

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Das letzte große gesellschaftliche Ereignis der „Recherche“ ist keine Soiree, wie es sie im Verlauf der vielen Bände von Prousts Werk so viele gegeben hat, sondern eine Matinée bei den Guermantes, beim Fürsten, in dessen neuem Palais.

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Nach dem Monsun – das späte Glück von Tokio Hotel: Diese Konzerte in Berlin sollten Sie nicht verpassen

Wed, 21 Oct 2026 14:53:07 +0200

Nach dem Monsun – das späte Glück von Tokio Hotel: Diese Konzerte in Berlin sollten Sie nicht verpassen

Mit sechzehn waren die Kaulitz-Brüder über Nacht Superstars. 20 Jahre später können sie gelassen auf eine turbulente Karriere zurückschauen. Unsere Konzerte der Woche.

Von Jörg Wunder

Stand: 22.10.2026, 13:31 Uhr

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Außerdem für Sie ausgewählt: Mummenschanz-Metal, Sturm und Drang aus Wien, Friesenpunks, Experimentalrocker aus New York und die schottischen Erben der Byrds. Dies sind unsere Konzertempfehlungen für die nächsten Tage.

1 Behemoth & Dimmu Borgir

Hi-Hi-Hilfe: Die bösen Buben von Behemoth.

Halloween ist zwar noch ein paar Tage hin, aber wer noch Verkleidungstipps zum Leute erschrecken sucht, wird bei diesem Black-Metal-Doppelkonzert garantiert fündig.

Denn die beiden Acts, die polnische Band Behemoth (Foto) und Dimmu Borgir aus Norwegen, knüppeln nicht nur Schredderlärm mit genreüblichem Grunzgesang, sie pflegen auch eine Vorliebe für morbiden Mummenschanz.

Musiker mit beelzebubigen Kunstnamen wie Nergal, Inferno (Behemoth), Shagrath oder Silenoz (Dimmu Borgir) verbergen ihr ziviles Antlitz hinter leichenblasser Schminke und garstigen Latexkrallen. Schrill.

2 Leftovers

Krawallmacher aus Wien: Leftovers.

Erstaunlich viele Acts aus der quirligen Wiener Indierock-Szene wachsen über den Status als Geheimtipp hinaus. In diesem Fall ist das kein Wunder: Eine Band wie Leftovers kann man einfach nicht überhören.

Auf seinem vierten Album „Schau nicht so“ krawallrockt sich das Quartett mit einer solchen Vehemenz durch spontan hitverdächtige Songs mit programmatischen Titeln wie „Loser“, „Nasenbrecher“ oder „Absturz“, dass uns älteren Semestern warm ums Herz wird: Hach, die wütende Jugend von heute!

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Natürlich sind Vergleiche mit Nirvana oder Pixies schon wegen des selbstzerstörerischen Brüllgesangs unvermeidlich, aber auch die frühen Tocotronic – ohne Ironie und Freiburg – sind nicht so weit weg. Völlig zu Recht reklamiert die Band aber die Gegenwart für sich, gelingt den Leftovers doch ein gänzlich antinostalgischer Zugriff auf große Emotionen.

3 Tokio Hotel

Die wilden Jahre sind (zum Glück) vorbei: Tokio Hotel im Kornfeld.

Ganz klar ist uns noch nicht, was am Sonntag im UFO, der „multifunktionalen Eventfläche“ für 5000 Zuschauer im Velodrom, geboten wird. Angekündigt ist eine „Album Release Show“ von Tokio Hotel, nicht zu verwechseln mit dem regulären Konzert von Deutschlands erfolgreichster Popband des 21. Jahrhunderts.

Denn das findet am 7.11. in Berlins größter Konzerthalle statt und ist (bis auf wenige „Premium Seats“ für 299 Euro) ausverkauft. Andererseits wird wohl nicht einfach ein DJ die CD – die im Eintrittspreis inbegriffen ist (aber wer hat schon noch einen CD-Player?) – zur Listening-Session ins Abspielgerät schieben.

Immerhin ist in der Ankündigung davon die Rede, dass Tokio Hotel „gemeinsam mit ihren Fans“ feiern. Und auch die Tatsache, dass Fotografieren und Filmen während der Show „strengstens untersagt“ ist, spricht dafür, dass die Hochwohlgeborenen das Event mit ihrer leibhaftigen Anwesenheit adeln.

Uns, nicht zum harten Fankern zählende Normalsterbliche, müsste das alles nicht weiter interessieren, hätten nicht auch wir eingesehen, dass diese Band ein veritables Pop-Phänomen ist. Und davon gibt es zwischen Flensburg und Garmisch-Partenkirchen nicht viele. Und in Magdeburg, der Wiege von Tokio Hotel, erst recht nicht.

Der kometenhafte Aufstieg der Zwillingsbrüder Bill und Tom Kaulitz zu Germany’s Next Superstars war natürlich kein Zufall, sondern ein mithilfe von Talent, Marketing und jeder Menge Plattenindustriepower inszeniertes Pop-Märchen, das für die Protagonisten rasch albtraumhafte Züge annahm.

Als das Debütalbum „Schrei“ 2005 durch die Decke ging, waren Bill und Tom gerade mal 16 – und keineswegs vorbereitet auf den Tsunami an übersteigerter Fanleidenschaft und, parallel, oft hämischer Schelte, der über sie hereinbrach.

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Als zusätzlich zur realen Dauerbelästigung durch enthemmte Fans und Hater noch Social Media sein hässliches Haupt erhob, zogen die Kaulitz-Brüder die Reißleine. 2010 verlegten sie ihren Wohnsitz nach Kalifornien, wo sie – L.A. hat eine andere Promi-Dichte als Hamburg – unbehelligt leben können.

Seither sind sie als Teil einer Celebrity-Patchworkfamilie (Tom) und genderfluides Role Model (Bill) zu allseits gemochten Paradiesvögeln der Popwelt geworden, die sich in diversen Medienformaten harmlos-niedlich selbst inszenieren.

Und die sich vermarkten, schließlich ist Tokio Hotel immer noch die globale Plattform für ein Geschäftsmodell. Auf der wurde eben kürzlich das siebte Album „Encore“ lanciert, das die Band künstlerisch in guter Verfassung präsentiert.

Ihr handwerklich und stimmlich grundsolider Emo-Pop schlägt kein neues Kapitel in der Pophistorie auf, kann aber, besonders in potenziellen Hits wie „Wanderlust“ oder „Dye My Hair“, mit internationalen Topacts wie Thirty Seconds From Mars oder Imagine Dragons locker mithalten. Da legen wir uns gern auch mal wieder eine CD ein.

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4 Turbostaat

Für immer Punk: Turbostaat.

„Wirkungstreffer ins Herz der Leistungsgesellschaft und perfekte Hymnen zum Wegbier im Nieselregen“, so brachte Radiomoderator Toby Schaper 2025 das letzte Album der Husumer Punkband Turbostaat auf einen Nenner.

Tatsächlich ist „Alter Zorn“ ein später Triumph des seit 1999 in identischer Besetzung spielenden Quintetts, das mit „Vormann Leiss“ 2007 einen modernen Klassiker des Deutschpunk aufgenommen hatte.

Ob man um das plüschige Gestühl im Admiralspalast Sorge haben muss, wenn Sänger Jan Windmeier räudige Pogohymnen mit moll-melodischer Grundierung ins Mikrofon bellt?

5 Son Lux

Ganz weit draußen: Son Lux.

Wenn es um ambitionierte Albumprojekte geht, macht Ryan Lott (links) niemand etwas vor: Gemeinsam mit Gitarrist Rafiq Bhatia (rechts) und Schlagzeuger Ian Chang (Mitte) bildet der 47-jährige Amerikaner die Experimentalrock-Band Son Lux, die seit 2008 von New York aus ein Alternativ-Imperium zu den Art-Pop-Weltherrschern Radiohead aufbaut.

Zu Lotts risikofreudigen Vokalexkursionen intonieren Son Lux irrwitzige Achterbahnfahrten durch albtraumartige Klanglandschaften. Nachdem die Albumtrilogie „Tomorrows I-III“ (2021) und die Filmmusik zum Oscar-Abräumer „Everything Everywhere All at Once“ das Komplexitätslevel in unmessbare Höhen geschraubt hatten, gibt sich das neue Album vordergründig bescheiden: neun Songs, 36 Minuten, vergleichsweise konventionelle Songstrukturen.

Doch der Titel „Out Into“ ist nicht zufällig gewählt: Ohne ihre Wurzeln in Post-, Math- und Progrock zu verleugnen, kennzeichnet die neuen Stücke ein Wille zum Groove, der an Neunziger-Hip-Hop (Jungle Brothers) oder die P-Funk-Supertanker Funkadelic denken lässt. Extraterrestrischer Reptiloiden-Soul für planetare Hipsterscharen. Ganz weit draußen!

6 Teenage Fanclub

Die besten Byrds seit den Byrds: Teenage Fanclub.

Zeitlos schöne Musik klingt selten nach der Zeit, in der sie entsteht. So klingt „Do Not Dare to Dream“, das 14. Album der Glasgower Band Teenage Fanclub, nicht nach 2026. Vielmehr tönen die Jangle-Pop-Ohrwürmer aus Glasgow ähnlich wie vor rund 30 Jahren.

Und schon damals, auf großartigen Platten wie „Bandwagonesque“ (1991) oder „Songs from Northern Britain“ (1997), orientierten sie sich an Vorbildern wie den Byrds, deren Glanzzeit die späten Sechziger waren.

Die Kehrseite der Frühvollendung – Kurt Cobain bezeichnete Teenage Fanclub mal als beste Band der Welt – war etwas, das man böswillig kreativen Stillstand nennen könnte. Experimenten abgeneigt, genügten sich die Schotten darin, immer neue Variationen ihrer für die Ewigkeit eingefangenen Schönheit darzubieten. Zeitlos eben, ein Segen.

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